PORT HONFLEUR ALBERT MARQUET

PORT HONFLEUR 

Port Honfleur
óleo sobre lienzo 65 x 81 cm
Museo Puskhin Moscú

La parquedad y el laconismo de los medios artísticos que Albert Marquet emplea se ponen claramente de manifiesto en su cuadroPort Honfleur-

El motivo elegido se distingue por su insulsa sencillez , incluso por su carácter cotidiano pero que el artista , con su delicado arte, convierte en imagen poética.

Para transmitir la transparencia , la ligereza de la atmósfera no cubre toda la superficie del lienzo . Con pasos tonales casi imperceptibles Marquet logra la sensación de profundidad del espacio , señalada asimismo por la orientación de las lineas principales . Los gallardetes de colores vivos que se ven flamear por el puerto , la vela hundida, la marejada de la bahía , las nubes que pasan raudas y la inmensidad de las colinas azules a lo lejos, todo ello se transmite en su exacto y natural estado , aunque se distinga de la oscuridad y sencillez de los medios artísticos empleados.

Mercedes Tamara

29-11-2016

LA FLECHA WASSILY KANDINSKY

LA FLECHA 1943

La flecha

óleo sobre lienzo 42 x 58 cm

Museo de Basilea

Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad.

Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán

Kandinsky se interesó como Paul Klee , en la relación existente entre las armonías musicales y pictóricas . En su cuadro La flecha ofrece un buen ejemplo de la búsqueda de los elementos básicos de la composición no figurativa . Es decir, que descarta toda referencia objetiva para adentrarse en el mundo de la abstracción .

Esta obra claramente abstracta se halla subordinada al significado emocional de los colores pretendiendo descubrir nuevas formas de expresión artística . Tras la aparente simplicidad de esta representación, construida a base de trazos rectilíneos y curvilíneos y manchas planas de contorno riguroso , existe una dilatada experiencia pictórica , puesto que la composición fue realizada en 1943 , a los setenta y siete años de edad

Mercedes Tamara ( autora )

16-11-2016

Bibliografía : Kandinsky, Edic Taschen

LA FAMILIA DEL PRESIDENTE FERNANDO BOTERO

LA  FAMILIA DEL PRESIDENTE 1967

La familia del presidente

óleo sobre lienzo 203, 5 x 196 cm

Museum of Modern Art , Nueva York

Fernado Botero estuvo influenciado por las voluminosas formas del muralista mexicano Diego Rivera ( 1866-1957 ) El artista colombiano que había nacido en 1932 se caracterizó por realizar figuras humanas y naturalezas muertas exageradas e hinchadas .

Botero experimenta con la distorsión de las proporciones y la exageración de las formas para realzar la sensualidad de las mismas o subrayar la naturaleza cómica de sus personajes.

La familia del presidente confirma la actitud satírica de Botero hacía las familias estereotipadas latinoamericanas de clase alta en que los hijos están llamados a convertirse en políticos , militares o curas.

En el primer plano está de pie la madre con estola de zorro en señal de riqueza , sentada a la derecha se encuentra la abuela , con la más pequeña de la familia sobre su regazo. Tanto la madre como la abuela miran impasibles a la niña, que muy pronto tendrá edad de casarse , mientras que la abuela vela por la virtud de la joven.

Al igual que sucede con otros muchos lienzos de Botero ,es una parodia de obras de arte famosas. Por ejemplo , aquí presenta una obra de Goya caricaturizándola La familia de Carlos V que el artista pintó en 1800 y parodia el autorretrato del artista en Las meninas

de Velázquez , sustituyendo al perro de la familia de este último por un gato .

La utilización de la serpiente que repta en la parte baja del cuadro es una llamativa referencia a la iconografía medieval , y un mal augurio de los problemas que se avecinan . El uso de colores planos y brillantes en la obra de Botero en la obra es en parte un homenaje al arte popular latinoamericano , pero también sirve para aligerar un tema de corte político y social que condena la avaricia y la corrupción

Mercedes Tamara

1-11-2016

Bibliografía :1001 Pinturas Que Ver Antes de Morir , Edit Grijalbo

DOS GATOS FRANZ MARC

DOS GATOS 1912

Dos gatos

Oleo sobre lienzo, 74 x 98 cm

Basilea, Öffentliche Kunstsammlung Kunstmuseum Basel

Marc perteneció al grupo expresionista Der Blaue Reiter (El jinete azul). Muy interesado en las pinturas de animales donde expone su veneración por la naturaleza. 

Influenciado por el uso del color de Robert Delaunay, se acercó al futurismo y al cubismo, aunque evoluciona hasta culminar en la abstracción expresiva.

Dos gatos , realizada en 1912, es una obra de mayor moderación respecto a otras pinturas del artista Aquí las formas adquieren un sentido esteticista 

De nuevo hallamos en ella la utilización de colores con un propósito simbólico , oponiendo gamas de colores complementarias con gran pureza. El modelado se obtiene por gradaciones de claroscuro En este cuadro es patente la vocación del pintor por la pureza de las formas, que se rigen por criterios casi escultóricos . 

Aparece la influencia la influencia del cubismo y además el contacto con Kandisnky derivará hacía la abstracción

Mercedes Tamara

9-10-2016

Bibliografia Expresionismo Edic Taschen 

LA TEMPESTAD O LA NOVIA DE VIENTO OSKAR KOKOCHKA

LA TEMPESTAD O LA NOVIA DE VIENTO 1 914

La tempstad o la novia del viento
óleo sobre lienzo 181 x 220 cm
Museo de Basilea

La personalidad de Oskar Kokochka se encuadra en las coordenadas del expresionismo y del simbolismo, de acuerdo con una doctrina de vanguardia hacía 1910 cuyo portavoz fue el periódico berlinés Der Sturm para el que trabajó el pintor.

El cuadro es un homenaje a la fuerza del amor personalizado en la tormentosa relación de casi tres años que mantuvo el artista con su amante: Alma Mahler.

Kokoschka representa a la pareja justo en el momento posterior a la relación sexual, cuando los amantes se encuentran relajados y abrazados en perfecta intimidad. La luz del cuadro se centra en la figura de Alma, que destaca del resto de los elementos por los colores claros, la luminosidad y la delicadeza de las pinceladas cortas y suaves, especialmente en la parte superior del cuerpo.

Alma está dormida y transmite tranquilidad abrazada al pecho del pintor, representado con unas pinceladas más bruscas y agresivas, y su rostro serio y ensimismado.

Las figuras se representan como en una nube de telas flotando mecidas por el viento, conseguido con la sensación de movimiento que consigue el pintor utilizando trazos largos y firmes, así como con colores verdes, grises y azules que por contraste refuerzan al mismo tiempo la sensación de serenidad.

Kokoschka se sirve del expresionismo para representar sus sentimientos, utilizando trazos gruesos marcados por líneas duras y un colorido limitado a tonalidades oscuras y tristes.

Su técnica y estilo revelan en el autor la asimilación de la estética del art nouveau, que en Austria había triunfado en los inicios de siglo junto  la obra pictórica de Gustav Klimt .

Analizado en detalle pone de manifiesto la construcción de las formas por medio de un mosaico de pinceladas de color puro que abarcan un amplio horizonte cromático. En cierto sentido , la integración de las figuras en un medio amorfo parece inspirada en composiciones de la última etapa de El Greco El cuadro fue pintado en 1914 , poco antes del inicio de la primera guerra mundial , en la que Kokochka sería gravemente herido.

Mercedes Tamara

29-09-2016

Bibliografia Expresionismo Edic Taschen 

DISCOS ROBERT DELAUNAY

DISCOS 1912-1913

Discos 
diámetro 135 cm
Museo of Modern Art , Nueva York

Al llamado " período constructivo " de Robert Delaunay corresponde el cuadro Discos pintado en 1912-1913. 

Esta obra manifiesta , en primer lugar, la convicción de que el color es un medio suficiente para permitir que el pintor se exprese . En segundo término , descubre otra cualidad del color : su poder dinámico .

Yuxtaponiendo los colores Delaunay ha obtenido vibraciones de ritmos diversos , según sus asociaciones, superficie e intensidad cromática ; consigue , pues, crear movimientos , desarrollarlos a voluntad e integrarlos en la composición. 

Como demuestra si observamos pormenorizadamente el cuadro , tal proceder no trata de obtener la mera descripción del movimiento , como era la ambición de los futuristas , sino poner de manifiesto la movilidad física de los colores.

                                                Mercedes Tamara

                                                25-09-2016

Bibliografia Grandes Museos Edit Planeta

D

JEROGLÍFICO DINÁMICO DE BAL TABARIN GINO SEVERINI

JEROGLÍFICO DINÁMICO DE BAL TABARIN 1912

Jeroglífico dinámico del Bal Tabarin”
Óleo sobre lienzo 161 x 156 cm
MOMA, Nueva York

  Gino Severini fue uno  los pintores más destacados del Futurismo italiano Fue el autor, entre otras obras , del lienzo   Jeroglífico dinámico del Bal Tabarin”  que pertenece al grupo de pintores que adoptó una postura revisionista frente al cubismo .



Una de las grandes obsesiones de estos artistas era conseguir plasmar en sus obras el movimiento frenético de la vida moderna, utilizando diferentes técnicas y recursos pictóricos.   En este caso concreto, Severini representa el interior del Bal Tabarin, un local nocturno parisino que visitaba con frecuencia. (Severini se movía mucho entre París e Italia, y hacía de nexo de unión entre los futuristas y los movimientos de vanguardia parisinos.)  Para representar el movimiento del baile y el barullo del local, Severini descompone la escena en planos, imitando a sus amigos cubistas. 

Tras haber evolucionado de una forma ortodoxa, es decir , paralela a la de Juan Gris , Severini trató a continuación de incorporar elementos figurativos a su obra, como en el caso de este lienzo de Nueva York , 
en el que aparece , por ejemplo - en el ángulo superior derecho - un desnudo femenino a caballo sobre unas tijeras abiertas 




En el centro, dos mujeres bailan despendoladas. Sus cuerpos y los volantes de sus vestidos son un amasijo de planos difícil de separar. La de la izquierda tiene tirabuzones color miel y los ojos pintados de azul. Lleva un vestido blanco, rosa y morado, en el que Severini ha pegado lentejuelas de verdad, para darle más brillo. La de la derecha, lleva un sombrero ribeteado en azul y tiene el cabello negro, su vestido es blanco y azul claro. Por encima de sus cabezas, podemos ver guirnaldas de flores y banderitas que decoran el local. Y también tres figuras curiosas: la cabeza de un gato negro, un árabe montado en camello y una mujer desnuda montada a horcajadas en unas amenazantes tijeras.

.El aparentemente conjunto desordenado de formas que integran esta composición responde, en realidad, a un cuidadoso planteamiento geométrico 

Mercedes Tamara 

23-09-2016

Bibliografia : El Futurismo Edic Taschen

JUDIO ORANDO MARC CHAGALL

JUDIO ORANDO 

Judio orando
óleo sobre lienzo 117 x 88 cm
Art Institute of Chicago

Un representante del expresionismo pictórico en el presente siglo es Marc Chagall , y que pintó varios lienzos cuyos protagonistas son los judíos . En Judio orando- óleo  también conocido con el título de El rabino de Vitebesk - es una composición que ejemplariza tanto las características estílisticas como las preferencias temáticas del autor, quien durante toda su vida desarrolló sus recuerdos de infancia y juventud en el seno de la comunidad judía de su ciudad natal de Virebesk 

Este lienzo no aporta , como los de la mayoría de Chagall , elementos fantásticos , sino que se limita a ofrecer la imagen concisa - y por ello , cargada de expresividad - de un hombre de edad madura , atavíado con la indumentaria ritual para el rezo en la sinagoga .

Se reconoce en la obra la influencia de Rembrandt , de la que sin duda proceden la fórmula compositiva y la dualidad del tratamiento , es decir, la elaboración del modelado del rostro que contrasta con el carácter esbozado de las manos y las manchas planas del fondo y de los ropajes. 

Mercedes Tamara

22-09-2016

                                                                            

Bibliografia . Chagall. Edit Taschen

IMPROVISACIÓN Nº 30 WASSILY KANDINSKY

IMPROVISACIÓN Nº 30 

Improvisación nº 30
óleo sobre lienzo 111 x 111 cm
Art Institute of Chicago

La Improvisación nº 30 de Wassily Kandinsky atestigua algunos intereses  

expresivos dimetralmente opuestos a los realizados en obras anteriores .

En primer lugar ,su título evoca connotaciones musicales , fuente de inspiración de varios artistas del grupo Blaue Reiter , quienes a pesar de su hetereogeneidad de sus objetivos sentían en común un deseo de expresar realidades espirituales. Se trataba , en definitiva, en una reacción frente al empirismo de la pintura impresionista . Kandinsky fue, en definitiva, junto con su compatriota Jawlensky, uno de los fundadores del grupo y el animador del almanaque Blaue Reiter, portavoz del intelectualismo de sus compatriotas.

Las manchas de color que constituyen esta " improvisación " se hallan a menudo en conflicto con lineas que describen , a la manera de un dibujo infantil , vacilantes edificios .

En la parte baja se distinguen , a la derecha, dos cañones en trance de abrir fuego y, a la izquierda , una masa de personajes . El aspecto figurativo del cuadro no destruye un propósito expresivo más profundo , definido en el catálogo del Blaue Reiter : " Buscamos hoy, tras el velo de las apariencias externas, las cosas ocultas que nos parecen más importantes que los descubrimientos de los impresionistas  ...Nuestra búsqueda nos lleva al exterior y nos permite elaborar en la naturaleza nuestra vertiente espiritual , no por mero capricho o por la veleidad de ser diferentes, sino porque ésta es la vertiente que vemos de la misma manera que nuestros precursores vieron, antes que cualquier cosa , sombras violáceas y atmósfera " 

Por sus características de estilo este lienzo , pintado en 1913 , se integra en la corriente que se ha denominar expresionismo abstracto.

                                                                           Mercedes Tamara

                                                                           21-09-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta

EL PINTOR Y LA MODELO JOSÉ VITAL MALHOA

EL PINTOR Y LA MODELO

El pintor y la modelo
óleo sobre lienzo 93 x 127 cm
Museo de Arte de Sao Paulo

José Vital Branco Malhoa (Caldas da Rainha, 1855 – Figueiró dos Vinhos, 1933), pintor, y profesor portugués, conocido como José Malhoa. Comenzó sus estudios de Bellas Artes con sólo doce años, destacando por sus facultades y calidad artística.

La obra de José Mailhoa El pintor y la modelo podría encasillarse en el género de cuadros de salón que estuvieron en boga en las postrimerias del pasado siglo .

En el primer término del cuadro vemos a una modelo posando desnuda de espaldas al espectador . El cuerpo de la modelo adopta una postura curvada en la que se divisa con nitidez el color blanquecino de su esbelta figura se ha despojado de su vestimenta de colores azul y blanco que forman unos pliegues .

 El pintor que aparece en el fondo del lienzo , se muestra ajeno a la bella modelo mientras que sostiene en sus manos,  un objeto de difícil identificación , ya que el color del objeto tiene un color marón que el artista ha aplicado de forma muy empastada  en el panel que hay en el fondo del cuadro

El tema y composición revela la veneración por una escuela parisina tradicional, enraizada en la pintura de historia, en la que el artista se convierte en protagonista, revestido de los atributos de una dorada bohemia. Malhoa que falleció en Lisboa ya entrado el siglo XX , produjo durante su estancia en Brasil numerosos paisajes , escenas de la vida rústica y episodios de corte literario

Mercedes Tamara ( autora )

20-09-2016

Bibliografia : Grandes Museos Edit Planeta

BATALLA WASSILY KANDINSKY

BATALLA

Batalla
óleo sobre lienzo 95 x 130 cm
Tate Gallery de Londres

La abstracción en Kandinsky surgió como necesidad interior, una necesidad que podía inspirar el arte verdadero en sí mismo, lo cual lo alejó de las imágenes representativas. Kandinsky era ruso y estudió Derecho; un hombre brillante y persuasivo.

 En 1897, cuando ya tenía más de treinta años, decidió trasladarse a Múnich para estudiar arte. Cuando se formo “Der Blaue Reiter” (“El Jinete Azul” en castellano, nombre que recibió un grupo de artistas expresionistas, fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc en Múnich en 1911.), él ya estaba “abstrayéndose” de la imagen, que utilizaba como una palanca creativa para su precursor estilo. Una tarde, al ver una de sus pinturas de lado en el caballete, se sorprendió de su belleza, mucho más intensa que cuando la colocó bien. El color liberado y la belleza formal le maravillaron.

Batalla Es ésta una de las “abstracciones objetivas”, en las que tiene primordial importancia la ordenación dinámica de colores y líneas, aun permaneciendo ciertos elementos representativos como puntos de contacto con la realidad. Por las manchitas rojas de sus gorros, se puede identificar arriba a dos cosacos a caballo luchando con sables; otros tres a la derecha, dos de los cuales llevan grandes lanzas; encima, un castillo sobre el que revolotea una bandada de pájaros; en el centro, el arco iris sobre las montañas. Pero todo ello reducido a leves alusiones respec to al natural, a punto de convertirse en simples signos. El afán del pintor se dirige preferentemente al movimiento de las líneas y a la significación de los colores.la composicion de esta obra resulta como un juego de tensiones y equilibrios entre elementos dinamicos y estaticos, abstractos como una melodia. es definitivamente una obra donde juegan elementos musicales.

Mercedes Tamara

18-09-2016

Bibliografia:  Kandinsky Edic Taschen

                                  Museo de Arte 

MI NOVIA CON GUANTES NEGROS MARC CHAGALL

MI NOVIA CON GUANTES NEGROS 1909

Mi novia con guantes negros
óleo sobre lienzo 88 x 64 cm
Museo de Basilea

Marc Chagall (1887-1985) es un judío de origen ruso. De su religión procede buena parte de los elementos que configuran su iconografía personal.

Aunque hay muchos autores que han considerado su obra como pintura naïf por su fuerte dosis de ingenuidad, resulta mucho más adecuado hablar de sobrenatural, tal como la calificaría Apollinaire.

Marc Chagall pintó en San Petesburgo Mi novia con guantes negros en el año 1909 En esta etapa madura del pintor ruso sus obras comenzaban a dar muestras de una precoz madurez. La representación adopta una apariencia simbólica , se complace en lograr aspectos de fusión de la figura con la atmósfera, ajena por completo a las representaciones cubistas que su autor sólo conocería un año después .

La técnica pictórica de esta gran obra Chagall  concede una gran importancia a los efectos cromáticos Su paleta de colores se ha reducido al color blanco de traje de la protagonista que lleva un original cinturón con botones grisáceos , mientras que el color negro Chagall lo emplea para la descripción del fondo y a los guantes de la modelo -que dan título a este cuadro.

Chagal atestigua una gran sensibilidad a las modulaciones tonales . Esta obra carece de sentido lineal , dibujístico , que adoptará Chagall en la etapa siguiente , en la que la su  pintura se caracterizará por  una explosión de color. 

Mercedes Tamara ( autora) 

12-09-2016

Bibliografia . Marc Chagall, Edic Taschen

EL PASEO MARC CHAGALL

EL PASEO 1917-1918

El paseo
óleo sobre lienzo 170 x 168,5 cm
Museo Ruso

Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay para crear un estilo personal e inclasificable. Hijo mayor de nueve hermanos, se formó artísticamente en la ciudad de San Petersburgo junto a Léon Bakst. En el verano de 1910 se trasladó a París, donde quedó profundamente impresionado por las galerías y Salones de la capital francesa. En los años siguientes expuso en el Salon d’Automne y en el Salon des Indépendants. A través de Guillaume Apollinaire conoció al marchante berlinés Herwarth Walden, que seleccionó tres obras de Chagall para el primer Herbstsalon de 1913 en Berlín y en cuya galería, Der Sturm, presentó su primera exposición individual en 1914

En El paseo es un peculiar autorretrato del pintor, la mujer que flota en el aire , es su mujer Bella , la ciudad de madera es su ciudad natal Vitchsk, imagen que no abandonó a Chagall en toda su obra. En el cuadro se perciben unos detalles vitales concretos :
una tela brillante y una copa- una maravillosa naturaleza muerta- una rama verde cortada por el extremo del lienzo , y un caballo que pace a lo lejos .

Junto a todo esto , aparecen unos elementos mágicos , un romántico desdoblamiento a la manera de Hoffmann. Los hombres y los animales volantes son uno de los motivos preferidos de pintor . La realidad convive en sus cuadros con la fantasía , las manifestaciones de alegría con la escondida tristeza , una percepción del mundo infantil e inocente con profundidad filosófica En el lenguaje pictórico de El paseo 
se entrelazan elementos del neoprimitivismo, cubismo y expresionismo 

Mercedes Tamara

16-08-2016

Bibliografia : Chagall Edic Taschen

EL BOLCHEVIQUE BORIS KUSTODIEV

EL BOLCHEVIQUE 1920

El bolchevique
óleo sobre lienzo 101 x 141
Galeria Tetriakov

El arte de los primeros años de la revolución , el deseo de expresar la trascendencia y la atmósfera de los grandiosos acontecimientos se reflejó en la propagación de imágenes , símbolos y alegorías . La  fantasía se unía a la gran atención  que prestaban los pintores a los concretos inicios de la nueva vida.

Así el cuadro El bolchevique de Boris Kustodiev , pintado en 1920 , presenta el panorama de una típica ciudad ruso en un soleado día invernal . Transmite la belleza de los edificios , el juego de luz y sombras coloreadas sobre los techos cubiertos de nieve , el dibujo de las ramas de los árboles . El aspecto de las calles, en cambio, es insólito , pues están llenas de soldados y marineros.

La gente avanza tras los jinetes , escucha al orador , rodeando al automóvil , se reúne en grupos , corre con las armas en las manos. Pareciendo emerger de las multitudes humanas , camina por encima de las casas un gigante empuñando una bandera roja . Por doquier ondea la interminable cinta de la bandera , nacen movimientos de masas humanas . Kustodiev representó al gigante bolchevique como la personificación de la revolución popular y al mismo tiempo como a su abanderado que hace despertar la energía del pueblo.

Mercedes Tamara

13-08-2016

ARBOL SECO Y VISTA LATERAL DE LA CASA LOMBARD EDWARD HOPPER

ÁRBOL SECO Y VISTA LATERAL DE LA CASA LOMBRAD 

Árbol seco y vista lateral de la casa LombardAAcuarela sobre papel.50,8 x 71,2 cmMuseo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Desde que en 1930 Hopper y Jo, su mujer, comenzaron a pasar los veranos en South Truro, una pequeña localidad de Cape Cod, las casas, los faros y los paisajes luminosos del lugar empezaron a aparecer de forma recurrente en sus pinturas y acuarelas. Árbol seco y vista lateral de la casa Lombard, una de las múltiples acuarelas realizadas durante el segundo verano de Hopper en el lugar, es una Iimagen característica de una de las casas de la zona. Se trata de la vivienda de su amigo Frank Lombard, que también aparece en otra acuarela del mismo verano desde una perspectiva diferente. En la obra del Museo Thyssen-Bornemisza está captada desde su fachada lateral en sombra y el tratamiento formalista de la arenosa tierra, de tonalidad amarillenta, y la geometría de la construcción confieren a la escena una cierta derivación a la abstracción. En sus «Notas sobre pintura», el pintor, al referirse a algunas obras equivalentes a ésta, mencionaba las «simplificaciones a las que me he atrevido».

Lo que da originalidad a esta acuarela y la distingue de otras de temática similar es la silueta del árbol seco a la izquierda de la edificación. Recortado sobre el luminoso cielo, sus ramas oscuras y retorcidas se contraponen al mástil blanco y recto del centro de la composición. Además, su imagen, tan poco frecuente en pleno verano, da al ambiente un aire de desolación y muestra la habilidad de Hopper para otorgar un aspecto y un contenido extraño a un tema tan sencillo y cotidiano. La presencia de árboles muertos que asoman en acuarelas anteriores y posteriores ha sido generalmente interpretada como un signo del pesimismo existencial del pintor. Sea como fuere, su esqueleto añade una nota de melancolía a la solitaria casa y al silencio del lugar, un silencio que casi podemos escuchar al contemplar esta obra.

Mercedes Tamara

12-06-2016

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