jueves, 13 de noviembre de 2014

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE MEXICO DIEGO DE RIVERA

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE MEXICO 1929-1935
La conquista española de México
Mural ( detalle )
Palacio Nacional, Ciudad de México


Diego Rivera ( 1886-1957) tan famoso por su matrimonio con la artista mexicana Frida Khalo ( 1907-1954 ) como por su obra. Nacido en México , Rivera viajó y estudió por España , Francia, Italia y Rusia. Su estilo estaba influido por el cubismo, pero su ardiente comunismo influía en el contenido. Creía que el arte debía tener una función social, lo cual le llevó a implicarse en el movimiento muralista mexicano, que realizó obras narrativas a gran escala para espacios públicos , en la misma linea que los creadores de frescos durante el Renacimiento italiano.

Su esperanza residía en que posibilitarían a su pueblo forjarse una identidad cultural y nacional, además de transmitir una ideología política , como hacían los realistas sociales soviéticos. La conquista española de México se extiende alrededor del Palacio Nacional de la Ciudad de México , desde la llegada de Quetzalcóalt ( la mítica deidad con forma de serpiente emplumada cuyo regreso creyeron ver los indígenas en la figura del conquistador español Hernan Cortés en 
1519 ) hasta la revolución de 1910.

El detalle aquí mostrado plasma a los españoles masacrando a los indígenas , explotándolos como esclavos , saqueando su oro y abriendo el camino a los misioneros católicos . Teniendo en cuenta su ateísmo, es interesante observar cómo Rivera plasma a la iglesia de una forma positiva, como protectora de los oprimidos , en la forma de un sacerdote que abraza a niños indígenas agotados y blande un crucifijo ante los codiciosos conquistadores.

Mercedes Tamara
13-11-2014

Bibliografía : Arte Moderno: Todo Arte Edic Blume

miércoles, 12 de noviembre de 2014

MUCHACHA DORMIDA BALTHUS

MUCHACHA DORMIDA 1943
Muchacha dormida
óleo sobre tabla 79,7 x 98,4 cm
Colección Tate , Londres


Balthasar Klossowski de Rola nació en París en 1908. Su padre era un conocido historiador del arte y su familia estaba implicada profundamente en la vida cultural parisina 

A menudo se describe a Balthus como el más insigne artista antimoderno, pero este calificativo puede dar lugar a falsas interpretaciones. Como Giorgio de Chirico , a quien Baltuhus admiraba muchísimo , denostaba el rechazo de sus contemporáneos por el arte de la pintura y su aparente indiferencia por las obras de los antiguos maestros . Y , sobre todo, se mostraba profundamente reticente al modo en que estos habían permitido que las palabras ( demasíadas explicaciones verbales y elaborados argumentos críticos ) invadieran el espacio pictórico.

Balthus , por el contrario, quería insistir en la inmutable e intraducible riqueza visual de la imagen pictórica . Nada de todo esto le convierte en un artista " antimoderno " y, a pesar, (o quizá a causa de su algo antigua escenificación ( del interiorismo burgués ) , un análisis más detenido de la obra de Balthus nos lo presenta como un observador dolorosamente perspicaz de la neurosis socio-sexuales de la actualidad, al que quizás solo se equiparará otro pintor  a quien Balthus admiraba muchísimo , su amigo y en el pasado mentor Pierre Bonnard . Tampoco podríamos juzgar los cuadros de Balthus como voyeurísticos . Aunque es cierto que las imágenes que pintaba le procuraban cierto disfrute libidinoso, no hay nada ilícito ni taimado en su mirada como pintor porque esta es siempre de una franqueza inquebrantable y aborda sin tapujos sus intereses sexuales , en ocasiones problemáticos.

Muchacha dormida es un buen ejemplo de ello. Expresa , al entender de Balthus , un tema central y electrificante para el pintor que trabaja directamente de un modelo al natural: la sempiterna dualidad entre el sujeto que contempla y el sujeto que está a la vista. La muchacha del lienzo no es consciente de hallarse sometida al ojo ansioso y anhelante del pintor y Balthus presenta este paréntesis en la economía del deseo como un momento suspendido en el tiempo. Nada puede moverse, de lo contrario el encantamiento se romperá


Mercedes Tamara
12-11-2014

Bibliografia: Arte Moderno, Todo Arte, Edic Libsa

domingo, 9 de noviembre de 2014

INDIA HILANDO DIEGO DE RIVERA

                                   INDIA HILANDO 1936
India hilando 
óleo sobre lienzo 160 x 81, 5 cm
Phoenix Art Museum, Phoenix, Arizona





Hilar algodón era una técnica muy desarrollada en las civilizaciones anteriores a la conquista de México por Hernán Cortés . El conjunto de la obra de Diego Rivera ( 1886-1957 ) glorificaba con frecuencia la indumentaria nativa y las costumbres populares , así como a los oprimidos protagonistas de la historia mexicana : los agricultores y jornaleros.

Esta imagen de una mujer indígena devanando un ovillo de algodón entre los dedos de los pies es directa, auténtica y está llena de contenido social y simbólico. Refleja la influencia que estaban cambiando la faz de México y de la cultura local después del levantamiento de Emiliano Zapata en 1910, cuya intención había sido devolver la tierra al pueblo mexicano.

Es la luz de una nación que cambia , de precapitalista a capitalista de artesanal a industrial , de economía local a internacional . La mujer de clase baja aquí representada se ve impotente ante las fuerzas sociales y políticas que amenazan su estilo de vida . 

Los colores fuertes y la técnica naif rinden homenaje al pasado indigena como lo hacen las trenzas, el vestido y la tez cobriza de la mujer . El haz de palos atados , que se ven al fondo, es un recordatorio del clima de revolución y orden político cambiante


Mercedes Tamara
9-11-2014

Bibliog: 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

sábado, 8 de noviembre de 2014

GITANA VIEJA ISIDRE NONELL

GITANA VIEJA 1905


Gitana vieja
óleo sobre lienzo 131 x 116 cm
Colección Banc de Crédit, Andorra

Isidre Nonell pertenecía a una familia relativamente acomodada. Se formó en diversas academias, entre ellas la de Luis Graner (1889). Formó parte del grupo Els Quatre Gats, con Picasso, Rusiñol y otros. Vivió al margen de la sociedad burguesa, a la que criticaba en sus pinturas.



Hacia 1891 forma un pequeño grupo de paisajistas, cultivando este género en pequeño formato. En 1893 estudia en la Escuela de la Lonja de Barcelona y celebra su primera exposición. En 1894 Comienza a dibujar pequeños cuadros de Cretinos, que realiza especialmente cuando se va, dos años más tarde, con Ricard Canals a Caldas de Bohí. Este tiempo en Caldas lo dedica a pintar paisajes y cretinos.


En febrero de 1897 marcha a París con Canals. Allí expone, comparte estudio con Picasso y realiza sus cuadros sobre las clases sociales más bajas.Vuelve a Barcelona en 1900. A partir de 1901 realiza cuadros de figuras femeninas, como gitanas, y marcado por el impresionismo, se le adscribe al modernismo. Forma parte de la llamada "pintura negra" española, junto a Regoyos o Solana.


Realiza retratos, especialmente las series sobre cretinos y gitanas. Muestra las clases más bajas de la sociedad, en su miseria y dolor.Su obra es colorida. A veces usa tonos oscuros, casi marronáceos, con una pincelada suelta. Posteriormente, en los cuadros de gitanas, mujeres y bodegones, usa colores más claros.


Uno de los objetivos de Isidre Nonell es el de pintar la" belleza de la fealdad ". La mayor parte de su producción entre 1901 y 1907 muestra un mundo aparentemente poco atractivo pictóricamente porque, igual que habían hecho otros grandes pintores, como Goya o Daumier , con los que algunos críticos relacionan a Nonell , se aleja de los parámetros tradicionales de la búsqueda de la belleza para recrear el mundo miserable de la marginación social.

Las figuras de gitanas, y, sobre todo, de gitanas viejas , le proporcionaron la posibilidad de representar magistralmente el lado más sórdido, tal como se puede constatar en la obra que nos ocupa. La esencia de su arte se encuentra en el cromatismo- en la extraordinaria armonía de matices y colores- pero también en el procedimiento que le permitía interpretar la figura casi monolítica con una técnica aparentemente simple pero absolutamente personal.


Mercedes Tamara
8-11-2014

Bibliografía : Isidre Nonell, Museo Nacional de Arte de Cataluña


miércoles, 5 de noviembre de 2014

ABATIMIENTO ISIDRE NONELL

ABATIMIENTO 1905
Abatimiento
óleo sobre lienzo 81 x 100 cm
Museo de Arte Moderno del MNAC, Barcelona



“Nonell es el artista denostado de la pintura catalana del siglo XX, porque su pintura fue una patada en el estómago a la burguesía conservadora acostumbrada a trabajos más amables y coloristas”.Nonell se centra en los marginados, oscureciendo la gama de colores notablemente y se acerca al expresionismo. Lo más representativo de su obra fueron las gitanas. El autor las plasmaba primordialmente con contornos cerrados, con trazos negros y colores oscuros, acarminados y verdes opacos aunque más tarde clarificó su paleta con unas tonalidades más suaves de rosados y verdáceos. Las figuras aparecen lejos del folklorismo y siempre en actitud reflexiva, aislada, cabizbaja y melancólica.


Con su personalísimo estilo, que se caracterizaba por un trenzado de pinceladas muy expresivo y sintetizado con gruesos de materia abundante, acentuaba el dramatismo de las figuras femeninas marginadas por la sociedad.  Es una de las figuras asiduas, desde su creación en 1897, a la tertulia de la taberna de “Els Quatre Gats” junto con Picasso, en el que ejerce influencia.


En esta pintura , Nonell plantea la misma composición que había utilizado el año anterior en Miseria , dos gitanas de medio cuerpo , una apoyada en la espalda de la otra , en una actitud de total abatimiento .No obstante, el resultado difiere porque el artista difumina ligeramente las pinceladas y aplica unas tonalidades cromáticas más intensas y de colores más vivos , especialmente en los pañuelos que llevan en la cabeza . Las dos obras, sin embargo, son un buen ejemplo de la profunda sensibilidad del pintor.

Cuando esta obra se expuso por primera vez , más de setenta años después de que Nonell la hubiera pintado , suscitó algún recelo sobre su autoría . Sin duda se desconocía entonces que esta pieza la incluyó Plana en su catalogación de la obra de Nonell y, lo que aún es más importante , que forma parte de la exposición individual del artista celebrada en el Faianç Català en 1910, como lo demuestra el título en color azul.

Mercedes Tamara
5-11-2014

Bibliografía Isidre Nonell. Museo Nacional de Arte de Cataluña

sábado, 1 de noviembre de 2014

BAILE FLAMENCO RICARDO CANALS I LLAMBI

BAILE FLAMENCO S/ F



Baile flamenco
óleo sobre lienzo 61,5 x 74,5 cm
Colección Carmen Thyssen-Bornemizsa en préstamo
al Museo Carmen Thyssen de Málaga

Ricard Canals forma parte del grupo más inquieto de pintores catalanes surgidos tras el modernismo. En lo que yo he llamado desde hace años la generación postmodernista. Íntimo amigo de Isidre Nonell, compartió con él estudios en la Llotja de Barcelona y formó parte de la Colla del Safrà (Grupo del Azafrán), conjunto de jóvenes pintores en el que también estaban Joaquim Mir, Ramon Pichot, Adrià Gual y Juli Vallmitjana, estos dos últimos tanto pintores como futuros dramaturgos de gran personalidad.

También con Nonell descubrió el Pirineo (en 1896) y luego París, adonde fueron ambos en 1897. Expuso en los Salones d’Automne y du Champ-de-Mars, en la XV exposición des Peintres Impressionistes et Symbolistes, y ya en 1898 –siempre junto a Nonell– realizó una exposición en la galería Le Barc de Boutteville.

Desde el principio, Canals basó su presencia en las exposiciones parisienses en una temática que él era consciente que tenía un atractivo especial en Francia desde el romanticismo: el folclore tópico meridional español, o sea, baile flamenco, guitarristas, toreros, cigarreras de Sevilla –cita literal del clásico Carmen de Mérimée–, etc. Él conoció directamente este mundo en un par de viajes por Castilla la Nueva y Andalucía, uno poco antes de su marcha a París y otro entre 1898 y 1899.


En París, adonde regresó, entró en la órbita del marchante Paul Durand-Ruel, con el que se puso en contacto en 1900. El que fuera gran promocionador de los pintores impresionistas daría un empujón muy importante a la carrera de Canals, y lo hizo viajar de nuevo a Madrid, Toledo y Andalucía, en 1900-1901, a Madrid y Galicia en 1902-1903, y a Granada en 1905, para producir nuevas españoladas pintadas in situ. En 1904 Canals acogió en París a su joven amigo Pablo Picasso, que acababa de instalarse definitivamente allí, y entre otras cosas sería su mentor en el campo del grabado al aguafuerte. El propio Durand-Ruel organizó exposiciones a Canals no sólo en París sino también en Nueva York, ciudad en la que el nombre del pintor catalán todavía tenía cierta presencia en galerías de arte en los años finales de la vida del artista, cuando éste ya se había desligado de su antiguo marchante. De hecho, a partir de 1906, año del regreso definitivo de Canals a Barcelona, los temas folclóricos descendieron acusadamente en su pintura, y su estilo se orientó hacia un postimpresionismo afrancesado de temática elegante y a veces alegórica.


El presente óleo pertenece de lleno a la etapa parisiense de la carrera de Canals, aunque es difícil hoy por hoy fijar una fecha concreta de realización, pues la evolución estilística de aquel Canals es bastante imperceptible, y temas que encajan con el presente, titulados Café-concert en Espagne, Le café-concert espagnol o Café-concert à Seville, los expuso Canals en París varias veces entre 1897 y 1906. Diría sin embargo que más que una obra de los momentos iniciales, marcados por un cierto expresionismo, se trataría de una pieza pintada ya en el nuevo siglo, cuando su factura se había dulcificado algo más y su colorismo era más vivo, por lo que su cronología más convincente oscilaría entre 1901 y 1904, año éste en el que el pintor empezaría a reintroducir en su obra temas que se apartaban del folclorismo hispánico, lo que le llevaría a asimilarse con bastante facilidad al noucentisme.

Mercedes Tamara
1-11-2014


Bibliografía : Francesc Fontbona, Museo Carmen Thyssen , Málaga

viernes, 24 de octubre de 2014

DOMINGO EDWARD HOPPER

DOMINGO 1926
Domingo
óleo sobre lienzo 75,6 x 80,3 cm
Washington DC
Colección Phillips 



El arte realista y figurativo de Hopper , resuena con mucha fuerza en la mayoría de sus pinturas porque nos toca la fibra sensible . Parece que es la proyección hacía fuera de la vida interior del artista , que parece ser que era bastante dura .

Basándose en las constelaciones de imágenes presuntamente casuales , Hopper desarrolla finalmente un orden de signos que apunta inmediatamente al papel del individuo en el ámbito de la experiencia del nuevo mundo . No obstante, de este orden surgen diversas constelaciones de imágenes que no pueden  fijarse iconográficamente de manera definitiva , sino que se quedan en diferentes esbozos.

Un temprano ejemplo es Sunday (Domingo ) que indudablemente cabe colocar junto a antecedentes iconográficos de otros cuadros de Hopper . Muestra al hombre como exponente del orden natural, extrañamente casual y pequeño en el ámbito de la ciudad.

El hombre en primer término no mira a una calle animada , sino que está ensimismado , excluido del espacio de la civilización y sin acceso a un espacio de la naturaleza . La ausencia de la mirada en su rostro se corresponde curiosamente con las superficies de los escaparates que aparecen vacíos : la  ciudad produce el efecto de estar muerta y desierta , y no está claro si en la tienda venden algo.


Mercedes Tamara 
24-10-2014



Bibliografia : Edward Hopper, Edic Taschen