miércoles, 26 de agosto de 2015

V-I LENIN EN SMOLNY ISAAC ISRAILEVICH BRODSKI

V-I LENIN EN SMOLNY 1930
V.I Lenín en Smolny
óleo sobre lienzo 198 x 120 cm
Moscú, Museo Histórico Nacional 


Isaaac Israilevich Brodski fue uno de los principales representantes del realismo socialista y durante algún tiempo dirigió la Academia de las Artes de la URSS. En 1922 intervino en la fundación de la Asociación de artistas de la Rusia revolucionaria . Sus escenas de la revolución y de la reconstrucción , pintadas a partir de 1919 y basadas hasta cierto punto en fotografías, son una especie de crónica de las primeras décadas de la URSS. En 1920 recibió el encargo de pintar la sesión de la apertura del II Congreso de la Internacional Comunista , tras su éxito inicial , el monumental cuadro dejo de estar expuesto al público comunista pocos años después , pues presentaba con excesivo realismo a revolucionarios que terminarían siendo acusados de renegados.

Por su parte Brodski se adaptó en sus temas a la nueva situación . Su retrato más conocido de Lenín , en el que el fundador de la Unión Soviética , muerto en 1924, aparece en su despacho sin ningún tipo de glorificación , recuerda mucho a las obras del realismo crítico del siglo XIX. Este cuadro en versión original de 1930 y en tres versiones similares del propio pintor , una del mismo año y las otras dos de años posteriores . Las copias " viajaron " por el extranjero y por el interior en el marco de las exposiciones representativas , en tanto que diversos museos soviéticos las reclamaron para formar parte de sus colecciones de manera permanente. Dada su popularidad parecía secundar el lema de Lenín " El arte pertenece al pueblo . Debe hundir sus raices más profundas en las grandes masas trabajadoras . Tiene que se comprendido y apreciado por ellas ". 

En el retrato póstumo de Lenin, Brodski cumple más que de sobra con los requisitos formales y de contenido oficialmente establecidos , se aprecia a un hombre de perfil que da la impresión de cansancio , con la cara ensombrecida , al que aparece abrumarle la responsabilidad y no le resulta fácil decidir. El espectador contemporáneo debía percibir que sus representantes actuaban con sentido de la responsabilidad y con circunspección. V.I Lenín en Smolny queda a mucha distancia de los intentos de convertir en héroe a Stalin, cuyos retratos ,sin embargo , se realizaron casi todos en vida del dictador , en ellos aparecía en contacto con " el pueblo " como un hombre jovial vestido de uniforme la mayor parte de las veces , siempre idealizado y sin llevar a cabo nunca un trabajo concreto. Era el administrador de legado de Lenin , y se le representaba para su propia legitimación ,mientra que el propio Lenin  que fue objeto  culto tras su muerte , era representado por su hechos , no sólo como teórico genial y como formidable creador de la revolución , sino como hombre con los oidos abiertos a los problemas y necesidades de todos. De ahí que aparecía sentado en un sillón en el ambiente pequeñoburgués de su despacho en Smolny , a la sazón sede del gobierno , mientras se informa de la actualidad leyendo el periódico Evidentemente , no se debe escenificar la importancia de Lenin, la función operativa del cuadro queda a merced del conocimiento y valoración , por la cual, con su renuncia al pathos , conserva toda su soberanía visto desde la perspectiva actual , aunque las maneras pictóricas puedan interpretarse como un retorno a la pintura naturalista del siglo XIX.


                                                                         Mercedes Tamara
                                                                          26-08-2015


lunes, 24 de agosto de 2015

RETRATO DE LOS PADRES DEL ARTISTA II OTTO DIX

RETRATO DE LOS PADRES DEL ARTISTA II 1924
Retrato de los padres del artista II
óleo sobre lienzo 118 x 130,5 cm
Hannover, Niedersächsische Landesgalerie



En 1924 Otto Dix se encontraba en el punto culminante de su verismo crítico . El año anterior había acabado su cuadro La trinchera , que adquirido por el museo Wallraf-Richartz de Colonia y desaparecido tras la campaña nazi contra el arte degenerado , fue considerado por la crítica contemporánea como el cuadro de contenido más horrible 
" que se haya pintado nunca " . El ciclo de 50 aguafuertes de La guerra
apareció el mismo año en que Otto Dix pintó Retrato de los padres del artista II en aquellas fechas era un pìntor reconocido y al mismo tiempo cuestionado y su implacable estilo se extendía a todos sus temas de prostitutas , heridos de guerra y familiares cercanos . Retrato de los padres del artista II reflejaba la falta de perspectivas y la monotonía de su existencia de trabajadores , en radical oposición a las representaciones optimistas del obrero características del realismo socialista.

Aparecen un hombre y una mujer cansados , con las manos deformadas por el trabajo sobre las rodillas y sentados en un sofá muy cerca el uno de la otra. Mientras el padre, que lleva una camisa a rayas y sin cuello , parecer corresponder con sus ojos enrojecidos a la mirada del espectador , la madre , también vestida de una manera sencilla , dirige su mirada hacía la izquierda , no se miran el uno al otro, no hay entre ellos el menor indicio de proximidad o ternura . Los rostros , la nariz roja  del padre y las marcadas venas de la madre dan la impresión de haber sido tratados caricaturescamente y el fondo es pobre.

Se ha señalado con frecuencia que esta manera de captar con precisión la realidad guarda relación con la fotografía . Según Paul Westheim , por ejemplo, Dix retrata a las personas como " levantando un ancla : las reduce a la condición de señas personales de gran precisión en cuanto a los detalles y de una exactitud casi mecánica".El efecto caricaturesco anteriormente señalado demuestra que el artista se ha propuesto superar la precisión en la captación fotográfica , centrándose, por ejemplo, en detalles anatómicos , sin pensar en una impresión global unitaria


                                                                  Mercedes Tamara
                                                                     24-08-2015



Bibliografia : Retratos , Edic Taschen

martes, 18 de agosto de 2015

RETRATO DE LA SEÑORITA CHANEL MARIE LAURENCIN

RETRATO DE LA SEÑORITA CHANEL 1923
Retrato de la señorita Chanel
óleo sobre lienzo 92 x 73 cm
Museo de la Orangerie , Paris


En 1923, la artista francesa Marie Laurencin ( 1843-1956 ) trabajaba en el vestuario y la escenografía de los Ballets Rusos de Serguéi Daguilev . Por aquel entonces conoció a la diseñadora de modas " Coco Chanel y ambas se pusieron a diseñar ropa para Le Train Bleu , que formaba parte de la misma empresa . Laurencin era una escenógrafa reconocida cuando Chanel le pidió que pintara su retrato .En cambio, la mujer que encarnaría el espíritu chic del siglo acababa de establecerse cuando posó para Laurencin.

El traje de Chanel que trastocaría para siempre el modo de vestir de las mujeres, fue presentado al público en 1923, el mismo año en que la pintora realizó este retrato . Laurencin se convertiría en una conocida retratista de la sociedad especializada en mujeres contemporáneas , como Heléne Rubinstein y lady Cunard . En este lienzo , la testaruda modista , en un sensual y soñador aturdimiento, posa con su pomeranio en la falda . 

El animal recuerda a esos retratos del pasado en el que aparecían perritos falderos posando en brazos de cortesanas y viudas ilustres . Con el vestido drapeado cayéndole del hombro y mostrando el seno . Chanel aparece medio desnuda en una imagen erótica. Las lineas suaves, curvas y fluidas , los colores vaporosos y la languidez en el tono son característicos de la obra de Laurencin , pero cuando Chanel vio el resultado ,decidió que el retrato no le parecía lo suficiente y no lo quiso . Laurencin mantuvo una gran amistad con Guillaume Apollinaire ( con quien vivió varios años ) Pablo Picasso y Georges Braque , y aunque expuso con los cubistas, su obra no perteneció al movimiento

Mercedes Tamara
18-08-2015

jueves, 6 de agosto de 2015

ESTUDIO 1908 ISIDRE NONELL

ESTUDIO 1908

Estudio 1908
óleo sobre lienzo 66 x 53,5 cm
Colección particular, Barcelona




A diferencia de otras obras de Nonell fechadas en 1908 , esta pintura es la única que representa una figura de cuerpo entero. Se trata de un estudio muy abocetado en el que el rostro femenino aparece completamente desdibujado . Sin embargo, esta obra no debe considerarse inacabada sino que obedece a un recurso del artista para rehuir el detalle y centrar el interés del lienzo en las delicadas armonías cromáticas . Por otra parte hay que destacar que la figura de una mujer leyendo es atípica en la producción del artista , que rechazó incorporar cualquier tipo de anécdota en sus lienzos y, por lo tanto, constituye una excepción en su producción pictórica . Aunque en los años posteriores Nonell repitió en varias ocasiones figuras femeninas sentadas, se alejó del planteamiento de la obra que nos ocupa al utilizar tonalidades muy cálidas y al incorporar, en algunos casos, naturalezas muertas al fondo de la composición.

Esta pintura formó parte de la exposición individual más importante celebrada en vida del artista , que tuvo lugar en el Falanç Català de Barcelona en 1910 . En el bastidor se conserva la etiqueta de esta exposición en la que consta el número 43 y el título Étude , escrito en color azul. 


Mercedes Tamara
6-08-2015

martes, 28 de julio de 2015

THE BALLROOM MARION PINTO

THE BALLROOM 1976
The ballroom
óleo y acrílico sobre lienzo 244 x 426,5 cm
Museum of Modern Art , Nueva York


En el año 1976, Gregory Dawson, uno de los propietarios de The Ballroom , famoso restaurante . cabaret de Manhattan- que en aquella época estaba el  número 458 de West Broadway - encargó al artista del Soho Marion Pinto ( nacida en 1935 ) que pintara un cuadro del local para ubicarlo allí 

Dawson quería que el cuadro homenajeara a los comensales habituales de su restaurante, responsables de liderar la transformación que llevó al Soho de ser una zona comercial decadente a convertirse en una comunidad artística de moda. Inspirándose en 
El mercado de algodón de Nueva Orleans de Edgar Degas , de Pinto comenzó la obra con un conjunto de fotografías tomadas in situ de los diecinueve agentes de primera linea del universo artístico del Soho que solían cenar en el restaurante. 

A continuación agrupó y organizó las fotografías y creó una composición . El montaje resultante fue trasladado fotográficamente al lienzo y traducido minuciosamente a pintura . El proceso  de realización del cuadro duró unos seis meses . Entre los presentes se encuentran Alos Katz, Larry Rivers y Robert Indiana . El cuadro fue retirado de su ubicación original cuando el restaurante tuvo que cerrar a causa de una espectacular subida de los alquileres 

Mercedes Tamara
28-07-2015

miércoles, 22 de julio de 2015

DESNUDO DE MUCHACHA SENTADA EGON SCHIELE

DESNUDO DE MUCHACHA SENTADA 1910
Desnudo de muchacha sentada
carboncillo y aguada sobre papel 44,8 x 29,9 cm
Grasphische Sammlung Albertina, Viena



La representación de niños fue un tema abordado por numerosos artistas de finales del siglo XIX y principios del XX . Mientras que los pintores impresionistas representaron niños jugando, correteando o merendando alegremente cerca de sus madres, en escenas que ensalzan la vida doméstica burguesa , los simbolistas pintaron maternidades con una fuerte carga melancólica , en donde los niños parecen condenados a la tristeza y al sufrimiento.


Los artistas del Expresionismo abordaron el tema de la infancia con la misma crueldad y el mismo desencanto que cualquier otro de sus motivos pictóricos recurrentes . Sus modelos infantiles aparecen retratados con los rasgos aniñados convertidos en grotescas distorsiones y una expresión apenada , desilusionada se apodera de sus rostros . Es una infancia ajenas a las bellas y dulcificadas formas del impresionismo.

La temática infantil ocupó un lugar particularmente destacado en la obra de Schiele . En sus inicios , solía recurrir a modelos infantiles por motivos económicos . Sin embargo, su afición por las escenas protagonizadas por niños se asienta también en la profunda sintonía afectiva . Él que se definía como un "niño eterno " disfrutaba sobremanera de la compañía de niños , quienes se maravillaban ante las habilidades del artista por reproducir, con asombrosa fidelidad , los sonidos del tren, por ejemplo.

Afín a la poética expresionista , la visión de la infancia que mostró nuestro protagonista poco tiene de arcadia dichosa y floreciente. Solos o en grupos, los niños se presentan generalmente tristes e indefensos , abandonados a su propia suerte.

Desnudo de muchacha sentada presenta a un escuálido cuerpo de una niña que mira hacía delante con sus grandes ojos oscuros . Una linea fina contornea la esquelética silueta de huesudas articulaciones . Sin duda, toda la fuerza de su inocente presencia está aportada por el color blanco de su piel, que contrasta notablemente con la tonalidad base del papel.

Lejos de tratarse de la imagen de un niña fresca y rebosante de vida, la palidez de su cuerpo no sugiere otra cosa que la enfermedad . Con muy pocos recursos plásticos , el pintor consiguió una imagen de una honda expresividad que roza el patetismo . Similares sentimientos de sufrimiento , desamparo y desolación despierta este dibujo

Mercedes Tamara
22-07-2015


lunes, 13 de julio de 2015

SANT SEBASTIA, SITGES JOAQUIN SUNYER

SANT SEBASTIA, SITGES 1909
Sant Sebastia, Sitges
óleo sobre lienzo 50 x 80 cm
Colección privada


Esta pintura resume perfectamente la nueva interpretación que Sunyer hace del paisaje de Sitges , a raiz de su regreso de su población de origen . Después de muchos años de ausencia , el artista representa su tierra de manera absolutamente personal con una gran economía formal , ya que lo que le interesa remarcar es la estructura del paisaje , y, por lo tanto, huye de cualquier elemento embellecedor .

Sunyer , pues, se aleja premeditadamente de la forma real de los elementos que integran este supo paisaje para buscar las lineas esenciales de la arquitectura . Al mismo tiempo pinta la ermita la playa de Sant 
Sebastiá . donde tenía el taller entonces , con una gran austeridad de color , pero consigue darle vida al hacer incidir la luz sobre las montañas desnudas del fondo , las casas de los pescadores y las olas que rompen en primer término . El resultado es una obra de una gran simplicidad formal y de un aparente primitivismo.


Una fotografia el la época que capta ese lugar nos permite comprobar que Sunyer supo representar con gran fidelidad la auténtica atmósfera de ese paisaje de Sitges . Ese lenguaje pictórico tan innovador y tan personal forzosamente tenía que herir la sensibilidad de muchos de los visitantes de la exposición individual que celebró el artista en Barcelona en 1911, la mayoría de los cuales preferían los paisajes postimpresionistas que había realizado en París.

Mercedes Tamara
13-07-2015