domingo, 12 de junio de 2016

ARBOL SECO Y VISTA LATERAL DE LA CASA LOMBARD EDWARD HOPPER


ÁRBOL SECO Y VISTA LATERAL DE LA CASA LOMBRAD 
Árbol seco y vista lateral de la casa LombardAAcuarela sobre papel.50,8 x 71,2 cmMuseo Thyssen-Bornemisza, Madrid
































Desde que en 1930 Hopper y Jo, su mujer, comenzaron a pasar los veranos en South Truro, una pequeña localidad de Cape Cod, las casas, los faros y los paisajes luminosos del lugar empezaron a aparecer de forma recurrente en sus pinturas y acuarelas. Árbol seco y vista lateral de la casa Lombard, una de las múltiples acuarelas realizadas durante el segundo verano de Hopper en el lugar, es una Iimagen característica de una de las casas de la zona. Se trata de la vivienda de su amigo Frank Lombard, que también aparece en otra acuarela del mismo verano desde una perspectiva diferente. En la obra del Museo Thyssen-Bornemisza está captada desde su fachada lateral en sombra y el tratamiento formalista de la arenosa tierra, de tonalidad amarillenta, y la geometría de la construcción confieren a la escena una cierta derivación a la abstracción. En sus «Notas sobre pintura», el pintor, al referirse a algunas obras equivalentes a ésta, mencionaba las «simplificaciones a las que me he atrevido».

Lo que da originalidad a esta acuarela y la distingue de otras de temática similar es la silueta del árbol seco a la izquierda de la edificación. Recortado sobre el luminoso cielo, sus ramas oscuras y retorcidas se contraponen al mástil blanco y recto del centro de la composición. Además, su imagen, tan poco frecuente en pleno verano, da al ambiente un aire de desolación y muestra la habilidad de Hopper para otorgar un aspecto y un contenido extraño a un tema tan sencillo y cotidiano. La presencia de árboles muertos que asoman en acuarelas anteriores y posteriores ha sido generalmente interpretada como un signo del pesimismo existencial del pintor. Sea como fuere, su esqueleto añade una nota de melancolía a la solitaria casa y al silencio del lugar, un silencio que casi podemos escuchar al contemplar esta obra.
Mercedes Tamara
12-06-2016


miércoles, 8 de junio de 2016

DESNUDO PRIMAVERA JOAQUIN SUNYER

DESNUDO PRIMAVERA 1919
Desnudo ( Primavera )
óleo sobre lienzo 100 x 82 cm
Museo de Arte de Cataluña 





Desnudo, también conocido como Primavera, no sólo es una obra de gran belleza que transmite serenidad sino que inagura una serie temática del artista dedicada al desnudo femenino. que cultivará hasta el final de su vida . Aunque es evidente que en épocas anteriores Sunyer había tratado ampliamente el desnudo femenino , éste , a diferencia de los anteriores, comparte el `protagonismo con el paisaje . A partir de este momento , el desnudo se convierte en elemento esencial de la composición del `paisaje , que poco a poco tratará con menor intensidad , ocupando un lugar secundario .

Asimismo, en la obra que comentamos , el artista manifiesta decidida voluntad de priorizar el color . La modelo rodeada de de anaranjados y verdes trazos, la figura desnuda es de una inagotable riqueza cromática y de materia , con sus pinceladas nacaradas ,menudas y líquidas , fundidas una en  otra pero no tanto que se pierda la singularidad e individualidad de cada una de ellas ; al irlas reconociendo se obtiene lo que podríamos llamar una saturación de contemplación infinitamente satisfactoria de cualquiera que sea sensible a la materia pictórica

Mercedes Tamara
8-06-2016

martes, 24 de mayo de 2016

DESPOSORIOS I ARSHILE GORKY

DESPOSORIOS I 1847
Desposorios I
óleo sobre papel 129, 2 x 102 cm
Museo Contemporáneos Los Angeles




Arhisle Gorky ( 1904-1948,  ) fue un pintor autodidacta y su estilo evolucionó  lo largo de su carrera. Influido por Ingres y Picasso y más tarde por el surrealismo de Miró y por la abstracción de Kandinsky , desarrolló su propio estilo durante la década de 1940, próximo  al expresionismo abstracto-

Su técnica incluían añadir capas de pintura sobre la tela y luego eliminaba los excesos con una navaja de afeitar para asi dejar un acabado poco usual. Tenía buen ojo para el dibujo y enseñaba a sus alumnos que dibujar era la esencia de la pintura y que no podía alcanzarse nada sin dominio .

Desposorios I fue pintado en la cúspide de su período de expresionismo abstracto . El vocabulario poético personal y el uso sensual del color impregnan las figuras apenas contorneadas que fluyen entre sí de una manera que ha sido descrita como " abstracción
lírica " . Se ha dicho que las formas sueltas expresan la desintegración emocional del autor, cuando una serie de tragedias ( el incendio de su estudio , un diagnóstico de cáncer seguido de intervención , la rotura del cuello en un accidente de automóvil y el abandono por parte de su esposa ) le condujo a ahorcarse

Mercedes Tamara
24-05-2016

lunes, 16 de mayo de 2016

ADOLF LOOS OSKAR KOKOSCHA

ADOLF LOOS 1909
Adolf Loos
óleo sobre lienzo 74 x 91 cm
Berlin, Staaliche Museen zu Berlin


Oskar Kokocha se encontraba al comienzo de su carrera cuando conoció al arquitecto Adolf Loos  en 1909 . Rápidamente se hicieron amigos . Loos era conocido como crítico de arte de la secesión que se había perdido en trivialidades y como reformador de la cultura .

Kokocha cuya pintura estaba considerada como primitiva y salvaje atrajo la atención de Loos Éste se convirtió en su mentor y le consiguió varios encargos para sus retratos . A mediados de octubre de 1909 posaba Loos para Kokocha en su propia vivienda . Éste aparece sentado , mirando de forma reflex¡va hacía abajo con las manos cruzadas sobre la pierna. A pesar del correcto vestido - traje con chaleco y corbata- Kokocha presenta a un hombre cuyo aire intelectual se plasma con una presencia marcadamente ascética de la cabeza. 

La expresión del rostro viene determinada por los ojos asimétricos y enmarcados en oscuro  y por la fina boca . Movidamente rebelde y acentuado con pinceladas y rasguños intranquilos , el cabello enmarca el rostro iluminado . El azul del fondo y el marrón del traje dictan el tono fundamental de los colores y se penetran en las impulsivas lineas de los contornos, los pliegues y las zonas de claroscuro . De este modo se marcan aún más el contraste entre las grandes y toscas manos con la cabeza, algo pequeña 


Mercedes Tamara
16-05-2016 

lunes, 4 de abril de 2016

LOS CANTOS DE LA NOCHE ALPHONSE OSBERT

LOS CANTOS DE LA NOCHE 1896



Los cantos de la noche
óleo sobre lienzo 76,5 x 123,2 cm
París Museo de Orsay 




Nacido en París en 1857 en una familia de clase media alta, que llegó a ' Ecole des Beaux-Arts en el estudio de Henri Lehmann , donde fue compañero de estudios de Seurat y Aman-Jean  , Osbert participó en diversas exposiciones con obras puramente académicas y educado.




 Al principio, de hecho, él cumplió plenamente con esta visión ahora aplanado de la pintura, pero aún representaba el sabor dominante, en gran medida adquirido y consolidado, de la cultura burguesa y por lo tanto tenía aún muchos adeptos y admiradores. . Sin embargo, después de un viaje a España y algunos estudios en el bosque de Fontainebleau , sus puntos de vista cambiado llegar a un punto de inflexión hacia el final de 1880.







. Este fue el período en el que se lleva a cabo más experimentos sobre la luz y se fue al Salón de los Independientes, donde podría reunirse con Maurice Denis y, sobre todo, Puvis de Chavannes . Desde ese encuentro, sus ideas fueron cada vez más influenciados por el simbolismo , que finalmente se adhirió plenamente y que le permitió recoger un éxito creciente.


Con canciones de la noche, que pintó en 1896, reproduce de nuevo su nueva concepción de la pintura donde sus temas predilectos son las
figuras femeninas castamente vestidas con túnicas antiguas y liras Ya no aparecen ninfas ni otros seres mitológicos tan propios de los pintores simbolistas Osbert opta en esta pintura por personajes que aparecen a lo lejos como si fuesen apariciones de carácter sobrenatural. Los ilumina con una luz difusa de azul brumoso que contrasta con el azul celeste del estanque  que ha situado en el primer término. Los personajes representados presentan contornes imprecisos para subrayar su carácter fantasmal. 


En este trabajo, sin duda, el artista simbolista ya expresó su deseo de independencia y su negativa a seguir el curso de la evolución del arte de sus contemporáneos a favor de la lealtad inquebrantable a su visión metafísica de la expresión artística

El carácter metafísico y simbólico de Osbert se pone de relieve en la utilización exclusiva del color azul -el color preferido de los simbolistas-Las figuras poseen para Osbert un carácter alegórico como un deseo de entrar en contacto con lo que hay de divino en la naturaleza Reunidas alrededor de un estanque en el que se refleja la luna ,las figuras parecen oficiar en un templo natural en que los troncos de los árboles , son los pilares vivos Los punteados amarillos o violetas añaden una vibración óptica que compensa las tintas planas saturadas


Mercedes Tamara  ( autora )
4-04-2016

Bibliografia : Wikipedia 

lunes, 8 de febrero de 2016

HOTEL WINDOWS EDWARD HOPPER

                                        HOTEL WINDOWS EDWARD HOPPER



Hotel Windows
óleo sobre lienzo 101,6 x 139,7 cm
New York, colección The Forbes Magazine


El Hotel Window es un muy buen ejemplo del estilo de Edward Hopper..Hopper pintó esta mujer mayor que, lo que representa a una americana, está sentada en un simple pasillo del hotel, mirando en la oscuridad. . La habitación es extremadamente simple, sin embargo, el poco mobiliario dice mucho sobre la sociedad. Este es el ejemplo de la vida durante los años treinta, cuarenta y hasta cincuenta años, después de la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. .

El estilo realista negro de Hopper y el formato de composición va destinada a reforzar el poder psicológico de Hotel Window y tienen estrechos vínculos con muchos elementos de cine negro La cruda luz, ajuste de repuesto y figura solitaria crean. una atmósfera de inquietud y vacío que caracteriza marca en particular de este género de la desconexión humana. soledad auto-impuesta, el resultado de la decepción del individuo en la interacción humana, era un mal social que define la experiencia americana como se representa por tanto Hopper y otros autores contemporáneos que hacen referencia a la  ficción en el  cine americano  "-. Hopper pintó lo que vio, lo que dio lugar a que el revisor sentir la desesperación de las penurias de la época.

No se sabe si la mirada de la mujer desde la ventana del hotel se fija en un determinado objeto o bien se abstrae en pensamientos , pero todo lo que puede verse delante de la ventana parece muerto y tiene un aire de decorado . La calle está llamativamente poco iluminada y en la fachada de la casa de enfrente no se ven detalles. Al mismo tiempo la inmovilidad de esta escena pasa a la mujer. Su postura es tensa , la caída de su abrigo , tal vez rígida o hinchada por el viento , no es natural . La composición del cuadro , que presta peso al interior mediante luz y color y que lleva la mirada del observador ante todo a un rincón de la escena , descentra a la mujer y a la ventana del hotel a un tiempo, y los hace aparecer como extremos del cuadro. Lo que está ante la ventana del hotel , por este juego de contrastes y perspectivas , produce el efecto de situarse fuera del cuadro.

 . "Hotel Window" expresa la soledad y la alienación que define no sólo un determinado aspecto de la experiencia estadounidense, sino también, en palabras de la artista, la "condición humana entera." - 




Mercedes Tamara ( autora )

8-02-2016

Bibliografia : Hopper " Edic Taschen "


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martes, 1 de diciembre de 2015

LA FLÉCHE JOAQUIN SUNYER

LA FLÉCHE 1915-1916
La Fléche
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
Colección particular, Barcelona




Esta pintura se ha fechado habitualmente en 1913 . Sin embargo, dada sus características, alejadas de las obras que Sunyer realizó en aquel momento y, en cambio, cercanas a las de otros retratos de 1915 y 1916, aparece más razonable situarla en estas fechas más tardías . Asimismo, el hecho de que en dos referencias aparecidas en la prensa de la época relativas a la exposición colectiva de Les Arts y Els Artistes de 1916, en las que Sunyer participó , se alude elogiosamente a un retrato femenino ( Retrato de Paulette ) incabado, como sucede en la obra que nos ocupa, nos lleva a suponer que Retrato de Paulette 
sea la pintura que comentamos En el caso de que esta hipótesis fuera cierta, no habría duda alguna de que la obra en cuestión pertenece a 1915-1916 , ya que los artistas participaban en este tipo de exposiciones con creaciones más recientes.

En cualquier caso La Fléche que efectivamente parece tratarse de una obra inacabada , pertenece a esta serie de retratos de Sunyer , cuya composición estructurada evidencia la huella de Cézanne : la figura de medio cuerpo con las manos simplemente abocetadas en un claro primer término y con una mirada dirigida al espectador entre altiva e inquietante . Asimismo , destaca la presencia de un telón de fondo que, a pesar de estar algo desdibujado, contribuye de manera decisiva a potenciar la figura de la retratada

                                             
                                                          Mercedes Tamara
                                                          1-12-2015



Bibliografia : Joaquin Sunyer, Museo de Arte de Cataluña