jueves, 17 de julio de 2014

COMPOSICIÓN SUPREMATISTA : VUELO DE AVIÓN KASIMIR MALEVICH

COMPOSICIÓN SUPREMATISTA : VUELO DE AVIÓN 1915
Composición suprematista : vuelo de avión
óleo sobre lienzo 58 x 49 cm
Museo of Modern Art, Nueva York


Kasimir Malevich ( 1878-1935 ) Nació en Ucrania ,pero en 1896 su famila se trasladó a
Kursk, Rusia donde el artista trabajó para la compañía ferroviaria local. Empezó a pintar a la edad de doce años y asistió a la Escuela de Arte de Kiev  desde 1895 hasta 1896. Estudió en Moscú, primero en la Escuela Stroganov de Moscú. Se dejó influenciar por Natalia Goncharova y Michail Larionov. Gracias al contacto con el arte cubista y futurista su obra fue cambiando hasta la no representación total.. Malevich exhibió sus primeras obras suprematistas y publicó un ensayo Del cubismo y futurismo al suprematismo . Se unió a una cooperativa y trabajó junto con otros artistas suprematistas. En los primeros días de la Revolución rusa fue nombrado comisario para la conservación de Monumentos y Antigüedades En 1919 exhibió su obra Blanco sobre blanco en la exposición : " Creación no Objetiva y Suprematismo de Moscú "Abandonó la pintura para realizar estudios arquitectónicos tridimensionales. Más tarde regresó a la pintura figurativa produciendo retratos , paisajes y obras figurativas, a menudo de campesinos. 


Cuando Kasimir Malevich llegó al concepto de suprematismo estaba decidido a negar cualquier referencia a la presencia física de los objetos del mundo material. Así pues, mostró al observador un nuevo lenguaje pictórico, un lenguaje que según él contenía " todo el proceso de construcción del mundo ". Las obras suprematistas de Malevich se expusieron por primera vez en " O 10 ". La Última Exposición futurista ( 1915 ) de San Peresburgo . Su pintura Composición suprematista : vuelo de avión era uno de los treinta y nueve lienzos que exhibió en la exposición . Trece cuadros, rectángulos y lineas en rojo , amariilo ,negro y azul aparecen minuciosamente dispuestos sobre un fondo blanco. Las formas parecen caer y elevarse , quedarse quietas durante unos instantes para volver a elevarse y caer de nuevo, implicando un estado de cambio. Malevich afirmó : " Mi nueva pintura pertenece solamente a la tierra . La tierra ha sido abandonada como una casa ha sido diezmada ". Es precisamente este desafío a la fuerza física más elemental " la gravedad- lo que sitúa la abstracción de Malevich en un plano espiritual ".

Malevich recuperó con frecuencia el tema del vuelo, llegando incluso a comparar su viaje hacía la abstracción con un avión que despega -lo familiar retrocede cada vez más y más hacía el fondo -Par el artista, no obstante ,el vuelo tripulado estaba dirigido no tanto por medios prácticos como por la emoción, por la propia emoción de la velocidad . Incluso llegó a vislumbrar una fusión entre el hombre y la máquina como una extensión natural de la unificación de la humanidad , una unificación de cuya realidad estaba convencido.


PUNTOS DESTACADOS


1.- Fondo blanco .- Malevich presenta un fondo espacialmente ambiguo . Muestra el movimiento dentro de un espacio vacío de color blanco " el verdadero color del infinito · Los fondos neutros eran habituales en la pintura mural y su uso se volvió a popularizarse en el arte moderno del siglo XX.

2,- Paleta restringida.- Malevich reduce su paleta a los tres colores primarios más el blanco y el negro. Estos colores dan lugar a tonos oscuros luminosos e intermedios. El artista usa el blanco y el negro para establecer la imagen principal, después añade el rojo , el amarillo y el azul para acentuarla y doblarla en el espacio. Los semitonos hacen que los contrastes sean menos marcados , además, el valor cromático del rojo empuja al amarillo hacía el interior de la imagen.

3,- Uso de la forma.-Un  detalle de la pintura muestra como el color puede usarse para orquestar relaciones , ilustra hasta que punto la imagen solicita al observador que tenga en cuenta un mundo hecho de unos colores y una geometría puros. El artista prescinde del realismo para obligar al observador a concentrarse en la imagen más grande Elige formas geométricas porque cree que el hecho de representar la sensación así del vuelo mediante formas puras es más realista que pintar la imagen del avión.

4.- Retrato del movimiento.- Aunque esta imagen está compuesta sobre una cuadrícula existe una sensación de movimiento que se logra mediante giros de los ´ángulos entre los diversos componentes de la imagen. a través de la proximidad y de la irregularidad de formas, colocando una diagonal para crear una sensación de tensión .


Bibliografía : " Arte , toda la historia ·
                       Ediciones Blume 


Mercedes Tamara
17-07-2014

miércoles, 16 de julio de 2014

CHARLOTTE CORINTH EN EL TOCADOR LOVÍS CORINTH

CHARLOTTE CORINTH EN EL TOCADOR 1911
Charlotte Corinth en el tocador
óleo sobre lienzo 120 x 80 cm
Hamburger Kunsthalle , Hamburgo







En 1903 Lovis Corinth ( 1858-1925 ) se casó con Charlotte Berend , alumna de la Escuela de Pintura para Mujeres que el pintor había abierto el año anterior en Berlín.  Charlotte veintidós años menor que él, pasó a ser su principal inspiración y su compañera espiritual , así como la madre de sus dos hijos. A Corinth , que pintó muchas escenas domésticas, le gustaba especialmente retratar a Charlotte en sus quehaceres cotidianos de lavarse, vestirse y acicalarse.




En este cuadro, la peina un peluquero a domicilio. La habitación está llena de luz, que reverbera en la tela del vestido y en la bata blanca del peluquero. La pedantería y el envaramiento de este último contrastan con la libertad y la sensualidad , con que Charlotte disfruta de su propia existencia física. La imagen, que capta un momento de felicidad y bienestar totales, transmite una sensualidad gozosa.


A pesar de que Corinth se declaró en contra de la influencia del arte extranjero en Alemania, la obra muestra claramente el impacto que produjeron en él los artistas franceses, sobre todo Edouard Manet. Este cuadro es uno de los setenta y tres que pintó en 1911, un año de asombrosa productividad creativa para el pintor alemán.En diciembre Louis Corinth sufrió una embolia de la que nunca se recuperó por completo, aunque siguió pintando y ocupó un cargo tan prestigioso como el de presidente de Secesión berlinesa, sucediendo a Max Libermann. Con todo quedo parcialmente paralizado y si bien Charlotte continuó siendo el gran pilar de su vida la felicidad sencilla que resplandece en este cuadro se volvió más esquiva.


Mercedes Tamara
16-07-2014





lunes, 14 de julio de 2014

LOS POSTES AZULES N 11 JACKSON POLLOCK

LOS  POSTES AZULES Nº 11, 1952
Los postes azules nª 11
óleo, esmalte y pintura de aluminio con
fragmentos de cristal  sobre lienzo 213 x 489 cm
National Gallery of Australia, Camberra , Australia


Esta obra de Jackson Pollock representa una transición de sus obras creadas a base de dejar gotear la pintura sobre el lienzo - un estilo que alcanzó su momento álgido en torno al año 1950- hacía un estilo que incluía elementos figurativos . El método de goteo de Pollock , consistía en situar el soporte, en este caso un trozo de lienzo sin estirar, en el suelo del estudio y dejar gotear , verter y en ocasiones arrojar pintura sobre su superficie . Para el que presenciaba el proceso este " espectáculo " era percibido como una especie de danza . En sus obras anteriores, el artista había tendido a utilizar una gama limitada de tonos naturales de color pastel. Por ejemplo, la obra Ritmo de otoño nª 30  fue pintada a base de negro, marrón, blanco y gris aturquesado. En Postes azules nª 11 , la paleta abarca colores más chillones, más eléctricos, como por ejemplo el azul de los ocho " postes ".


Aunque la técnica de Pollock surgió para favorecer el azar , el artista insistía en que todo lo que había en sus pinturas era intencionado y meditado. En una ocasión afirmó , " Nada es accidental ". Pollock consideraba que la contemplación de sus pinturas permitía al observador acceder a las reacciones personales e inconscientes al mundo moderno. Pero mientras que las primeras obras de Pollock ,invitaban a la interpretación con final abierto, aquí la superposición de " postes " recuerda a figuras esquemáticas sobre un fondo , una innovación que suscita asociaciones específicas al observador, incluyendo árboles y mástiles, habiendo solo un par de ellos. Como el propio Pollock advirtió el observador debería mirar de forma pasiva e " intentar recibir lo que la pintura le ofrece".

Pollocka atravesaba una y otra vez el lienzo usando esmaltes de diferentes colores y accediendo a él desde diversos ángulos. Como una araña que teje una tela , construyó minuciosamente una red altamente texturada a base de múltiples capas de lineas y colores interrelacionados entre sí. Encima de la telaraña que había construído a base de lineas y pintura aplicada rápidamente. Pollock añadió los elementos estructurales pintados más deliberada y tradicionalmente de los " postes azules ". Las rayas azules no se mezclan con el fondo porque antes se dejaba sacar el lienzo. Frank O´Hara escribió: " Nunca se ha dicho suficiente acerca del dominio del dibujo de Pollock , esa extraordinaria capacidad de acelerar una linea estrechándola , de ralentizarla a través de la inundación ". Esta habilidad es evidente incluso en su forma, aparentemente caótica, de aplicar la pintura.

Pollock empezó a pintar con el lienzo extendido sobre el suelo y no tuvo un borde definido hasta que el lienzo fue enmarcado . Lo que vemos en la pintura es sólo la acción central; los bordes y las esquinas son abstractas, esto es, podrían haber estado más cerca o más lejos del centro.


Mercedes Tamara
14-07-2014

domingo, 13 de julio de 2014

CASA DE MAC ARTHUR : PRETTY PENNY EDWARD HOPPER

 CASA DE MAC ARTHUR : PRETTY PENNY EDWARD HOPPER

LA CASA DE MAC ARTHUR : PRETTY PENNY 1939
La casa de Mac Arthur ( Pretty Penny )
aceite de amapola, blanco de plomo 74,9 x 1'1,6 cm
Smith College Museum of Art  Northampton Massachussets


Esta mansión que recibe el nombre de Mac Arthur´Home " Pretty Penny "es una de las obras más bellas que pintó Edward Hopper. Tardo sólo un mes y medio en crearla  Como la mayoría de las casas es de color blanco y ocupa el centro del lienzo ya que  es de inmensas proporciones A la derecha del cuadro ha pintado un cielo azul intenso ( cerúleo ) con restos de nubes ligeras que ha situado en el extremo superior derecho del lienzo.




La hierba tiene tonalidades diversas dentro de la gama cromática del verde : cadmio,cerúleo y viridiano con franjas de verde azulado más oscuro en las sombras proyectadas en los árboles. Los arbustos que rodean la casa , en su mayoría son de hoja perenne , con una franja de tierra roja asomando por debajo.



Uno de los arbustos que están situados al frente es de color verde pardo y otro arbusto tiene un bello color carmesí en el extremo izquierdo y arbusto ocre tras la valla. Las escaleras son de ladrillo de color rojo en la entrada lateral derecha. La chimenea es de un color rojo vivo. Una pared de un luminoso azul en la habitación  sobre la puerta `principal , que se ve a través de una ventana sin cortinas y las  contraventanas son verdes



Mercedes Tamara
13-07-2014

jueves, 10 de julio de 2014

METRÓPOLIS GEORGE GROSZ

METRÓPOLIS 1916-1917
Metrópolis
óleo sobre cartón 68 x 47,5 cm
Museo Thyssen-Bornemizsa, Madrid







George Grosz nació en Berlín en 1893, como Georg Ehrenfried Grosz. Estudió en la Academia de Arte de Dresde y posteriormente en la Escuela de Artes Aplicadas de Berlín. Se enrolló en el ejército en 1914, fue licenciado en 1915 por problemas de salud pero de nuevo fue llamado a filas en 1917. A finales de ese mismo año, intentó suicidarse y, después de golpear a un oficial , fue enviado a una prisión -hospital en espera de su ejecución. Le conmutaron la sentencia cuando las autoridades decidieron que sufría neurosis de guerra y, en 1918, lo licenciaron definitivamente del ejército. Cuando terminó la guerra el artista unió esfuerzos con John Heartfield, Otto Dix, Max Ernst y Kurt Schwitters, y juntos formaron el grupo alemán dadaísta. Grosz se afilió al Partido Comunista en 1919, pero renunció a su filiación en 1922, tras visitar Rusia y conocer a Lenin y Trossky: En 1932 fue invitado a Nueva York como artista y profesor visitante de la Liga Estudiantil de Arte . Grosz se declaraba antinazi y, cuando los nacionalsocialistas llegaron al poder al año siguiente, abandonó Alemania y se fue a vivir a Estados Unidos . En su ausencia, las obras del pintor que habían adquirido los museos alemanes fueron confiscadas y destruidas. George Grosz se hizo ciudadano estadounidense en 1938. En 1959, regresó definitivamente a Berlín Occidental. Murió poco tiempo después.




Cuando Grosz regresó a su estudio en 1916 disfrutó de un breve respiro de su " miserable existencia del soldado " . Grosz profundamente autoritario, sobrellevó la vida castrense , si bien en 1916 ya era un hombre desquiciado. Celebró su liberación poniéndose a trabajar de inmediato en lo que iba a ser una de sus pinturas más relevantes: Metrópolis . Como resultado de esta composición reflejaría una curiosa mezcla de júbilo y pesimismo, de nostalgia por las libertades del pasado y del miedo por el futuro. En su imageniería, la obra da un repaso a la vida que Grosz había llevado durante su primera juventud en Berlín, cuando estaba perdidamente enamorado de la ciudad . Muestra su apresuramiento y su estridencia, su profusión de cines, teatros, cabarés, bulliciosos cafés, clubes nocturnos y burdeles: una fantasmagoría de carne y caras urbanas exhibiéndose, bañadas en el resplandor rosáceo de los neones rojos. La cara burlona de este espejismo puramente hedonista nos presenta la escena como una visión del infierno y, en este sentido,




Metrópolis puede interpretarse como el equivalente moderno de la interpretación de El Bosco del mundo inferior; poblado de almas torturadas e iluminadas por los carbones encendidos y los destellos repentinos de las llamas . En el centro de la imagen , Grosz representó el complejo residencial con la sala del cine Olympia, de Berlin construido en 1911 en el cruce entre Kansttrasse y Hardenbergstrasse. Al alinear una farola exageradamente alta con la esquina del edificio, el artista logró crear una sensación caleidoscópica de implosión y colisión. Es la linea equívoca en la que la ciudad da placer y violencia si se revuelve contra si misma.

Mercedes Tamara
10-07-2014

domingo, 6 de julio de 2014

CUATRO BAÑISTAS EN LA PLAYA KARL SCHMIDT ROTTLUFF

CUATRO BAÑISTAS EN LA PLAYA  1913
Cuatro bañistas en la playa
óleo sobre tela 88 x 101cm
Museo Sprengel, Hannover


Karl Schmidt-Rottluff nació en 1884 , fue amigo de Ernest Ludwig Kirchner y miembro fundador de Die Brücke ( El Puente ) en Dresde. A pesar de ser uno de los ideólogos del grupo ( conoció a Hendrik Ibsen y a Johan Strindelberg en su adolescencia y estaba muy versado en los textos de Fiedrich Nietzsche ) no fue uno de los miembros más activos , si bien se consagró a las actividades comunitarias del grupo. En 1911, se mudó a Berlin precediendo a Kirchnner; y además abrió un pequeño estudio en Hamburgo.

Cuatro bañistas en la playa pertenece al período tardío de Die Brücke que se había escindido en mayo de 1913. Esta pintura muestra el apogeo del artista. Su gran pasión fue el paisaje campestre de Dangast, donde pasaba los veranos pintando vistas y elaborando estudios de desnudos al natural y al aire libre. No le interesaban demasíado los temas urbanos y, por eso, fue en este escenario costero donde se dedicó a recoger el material visual necesario que abasteciera su pintura durante el invierno. Cuatro bañistas en la playa es, sin duda alguna, el resultado de este proceso. Es una pintura de estudio en lugar de una creación realizada al aire libre. En este caso, no podemos hablar de perspectiva y las figuras conservan el aislamiento de los estudios individuales hechos al natural, como su Chica aseándose pintada en Dangast en 1912. 

Antes de realizar sus Cuatro bañistas en la playa , Schmidt participó en la exposición Sonderbund de Colonia, donde vio obras cubistas de Picasso y Braque. Y eso le llevó a considerar bajo un nuevo prisma la escultura africana . De regreso a Hamburgo, se embarcó en una serie de obras en las que experimentó con formas cubistas " africanizadas ". Durante un tiempo, el retrato de sus personajes fue más cincelado y anguloso y sus rostros, más parecidos a máscaras, como puede observarse en Tras el baño ( 1912 ) Esta influencia se advierte en Cuatro bañistas en la playa , aunque en este caso aparece muy suavizada por el flujo circular de formas y los intensos contrastes que parecen evolucionar con una sonoridad musical.


Mercedes Tamara
6-07-2014

miércoles, 2 de julio de 2014

MUJER PELIRROJA CON LA FALDA LEVANTADA EGON SCHIELE

MUJER PELIRROJA CON LA FALDA LEVANTADA,1911
Mujer pelirroja con la falda levantada
aguada, acuarela y lápiz 35 x 37, 8
Museo Leopold, Viena


Egon Schiele nació en Tulln an der Donau, cerca de Viena. Tenía tan solo dieciseis años cuando fue admitido en la Academia de las Artes Aplicadas. En 1907, conoció a Gustav Klimt, que quedó profundamente impresionado de su pericia como delineante. Tras una serie de desavenencias con su profesor, Schiele abandonó la citada academia en 1909 para formar el Neukunstgruppe ( Grupo del Nuevo Arte ) 
Celebró su primera exposición individual en 1911, en la prestigiosa Galeria Miethke, en Viena. En 1912 , fue arrestado por corrupción de menores.

Al final, la denuncia se retiró, pero fue procesado por haber permitido que los menores tuvieran acceso a los dibujos" inmorales "de su estudio. Pasó veinticuatro días en la cárcel y se vio obligado a presenciar la cermonia de incineración de una de sus ofensivas obras. Con la Secesión vienesa, expuso sus cuadros por primera vez en 1913, el mismo año en que se incorporó al personal de la publicación berlinesa Die Aktion con la promesa de que editarían un número especial dedicado a sus dibujos. Lo llamaron a filas en 1915 y estuvo movilizado hasta que murió de gripe española en 1918. Solo tenía veintiocho años.


Muchacha pelirroja con falda levantada. Dicen los rumores que Schiele descubrió su ideal del cuerpo femenino en la bailarina estadounidense Ruth Saint-Denis, estrella internacional que bailaba una " danza libre y expresiva ", que actuó en Viena en el verano de 1909. Sin embargo, según su biógrafo Arthur Rossler, existía otra persona mucho más accesible a él: una bailarina exótica llamada Moa, la compañera sentimental de su amigo y colega de profesión Erwin Osen. La descripción que nos hace Rossler de Moa evoca el especial prototipo de Schiele : " Una cimbreante bailarina de prominentes pómulos y pálida tez, detenida en una expresión inmóvil 
que enmarca un cabello negro azulado ...una mirada inverosímil de inmensos ojos negros como el carbón que resplandecían someramente bajo unos párpados grávidos, de largas pestañas, con sombras marrones y azuladas. 

No sabemos quien fue la modelo de Muchacha pelirroja con la falda levantada , pero sin duda tiene un cuerpo y unos rasgos faciales parecidos. Otra pintura semejante es Desnudo de pie , también realizada en 1911, es completamente explícito debido al provocador destape de la zona genital de la modelo. Es más, este destape también tiene algo de herida , y eso da pie a una lectura mucho más ambigua y violenta. A primera vista Mujer pelirroja con la falda levantada la mujer parece estar descansando, quizás duerme u sueña , sin embargo, también yace cruelmente expuesta. Las piernas truncadas la vuelven indefensa y la hacen vulnerable a una violación inminente . Como personaje, la muchacha está atrapada entre sus propias fantasías placenteras y los pensamientos más inquietantes que Schiele pone en la mente del espectador.


Mercedes Tamara
2-07-2014