domingo, 1 de marzo de 2015

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE DE MÉXICO DIEGO RIVERA

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE  DE MÉXICO 1929-1935
La conquista española de Mèxico
mural ( detalle )
Palacio Nacional, Ciudad de México



Diego de Rivera ( 1886-1957 ) es quizá tan famoso por su matrimonio con la artista mexicana Frida Khalo ( 1907- 1954 ) como por su obra. Nacido en México , Rivera estudió y viajó por España, Francia, Italia y Rusia. Su estilo estaba influenciado por el cubismo , pero su ardiente comunismo influía en el contenido de sus obras.

Creía que el arte debía tener una función social , lo cual le llevó a implicarse en el movimiento muralista mexicano, que realizó obras narrativas a gran escala para espacios públicos , en la misma linea que los creadores del fresco durante el Renacimiento italiano. Su esperanza residía en que posibiltaría a su pueblo forjarse una identidad cultural y nacional , además de transmitir una ideología política, como hacían los realistas sociales-soviéticos . 

La conquista española de México se extiende alrededor del patio del palacio Nacional de Ciudad de México y es típico de sus coloridos tableaux de acontecimientos históricos . Plasma la visión de Rivera desde la llegada de Quetzalcóatl ( la mítica deidad con forma de serpiente emplumada cuyo regreso creyeron ver los indígenas en la figura del conquistador español Hernán Cortés en 1519 ) hasta la revolución de 1910. 

El detalle aquí mostrado plasma a los españoles masacrando a los indígenas, explotándolos como esclavos , saqueando su oro y abriendo el camino a los misioneros católicos . Teniendo en cuenta su ateísmo , es interesante observar como Rivera plasma a la iglesia en una forma positiva , como protectora de los oprimidos , en la forma de un sacerdote que abraza a niños indígenas agotados y blande un crucifijo ante los codiciosos conquistadores

Mercedes Tamara
3-02-2015

Bibliografia : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo


sábado, 28 de febrero de 2015

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA WASSILY KANDINSKY

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA 1910- 1013
Primera acuarela abstracta
acuarela 50 x 65 cm
propiedad privada



Wassily Kandinsky ideó con posterioridad el título para su obra Primera acuarela abstracta ( Eistes abstraktes Aquarell ). El artista afirmó , también algún tiempo después, que había elaborado la composición en el año 1910 . Entonces Kandinsky tenía ya 43 años pero se encontraba en los albores de su desarrollo artístico , pues a pesar de haber realizado estudios de derecho , había decidido desplazarse a Múnich para estudiar arte a la edad de treinta años. Sus primeras obras están influenciadas por los impresionistas franceses y el arte popular de su país natal , Rusia. En 1910 antes de la primera exposición del colectivo de artistas Der Blauer Reiter ( El jinete 
azul ) , surge el manuscrito del ensayo de Kandinsky De los espiritual en el el arte 
que el artista publicaría dos años más tarde. En este escrito teórico , Kandinsky formuló su idea de la pintura autónoma liberada del objeto que se describe. El arduo camino del artista hacía la abstracción puede seguirse de manera ejemplar si se examinan los lienzos elaborados en los años siguientes : en el proceso de abstracción progresivo, sus llamadas impresiones dieron paso a las improvisaciones , que desembocaron finalmente en las composiciones libres.

Primera acuarela abstracta se revela como un atrevido adelanto de estas composiciones de formas y colores que el artista elaboraría más tarde. Kandinsky manifestó que había pintado la acuarela en el período de la aparición de su escrito : 
" De lo espiritual en el arte ". Sin embargo, tal y como ha podido comprobarse hace algunos años, el artista no realizó la obra en 1910 , sino tres años después. Este tipo de manipulaciones no son raras en el mundo del arte y, por lo general, tienen como objetivo la defensa de las reivindicaciones de la aprioridad de un hecho artístico .
Así, lo que Kandinsky pretendía era justificar las ideas formuladas en su escrito teórico con un estilo artístico surgido supuestamente en la misma época . A su vez, la acuarela le servía como prueba de su afirmación de que él era el inventor de la obra artística abstracta.

Dejando de lado las discusiones relativas al año de elaboración de la acuarela , se trata de una obra singular que transmite un dramatismo fuera de lo común , incluso para un trabajo realizado en 1915. Mientras que los cuadros de gran formato del mismo año todavía presentaban signos alusivos a sus motivos preferidos como caballos y jinetes, cumbres montañosas y campanarios , la acuarela está libre de cualquier asociación figurativa . Tan solo en la parte inferior podría advertirse la presencia de una espalda desnuda de mujer . Sea como sea, los colores se desplazan de forma totalmente autónoma sobre la superficie de la composición. Se expanden a través de todo el espacio sin formar estructuras compactas . La transparencia del color de la acuarela se ajusta perfectamente a la naturaleza de unas formas que se sitúan libremente en la superficie blanca. El dibujo a plumilla negra y los colores de la pintura a la acuarela se mueven de un modo independiente en la superficie de la hoja. El color no llega a formar ningún contorno , En algunos puntos los colores y los trazos originan conglomerados abstractos pero no surge ninguna composición. La distribución de los elementos visuales no obedece a ningún sentido espacial jerárquica . La acuarela se caracteriza más bien por su carácter improvisado , espontáneo. El dinamismo con el que Kandinsky ha aplicado el color puede percibirse en el resultado obtenido . La hoja aparece así transformada en un verdadero torbellino de colores y líneas . Este momento de inestabilidad y agitación dota a la hoja de un carácter propio, también si se la compara con otras acuarelas creadas en el mismo período

Mercedes Tamara
28-02-2015

Bibliografia : Kandinsky, Edic Taschen

viernes, 27 de febrero de 2015

GÓTICO NORTEAMERICANO GRAN WOOD

GÓTICO NORTEAMERICANO 1930
Gótico norteamericano
óleo sobre lienzo 79, 9 x 61.2 cm
Chicago, The Art Institute of Chicago ,
Friends of American Art Collection

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Con Gótico norteamericano ( American Gothic ) Grant Wood se dio a conocer más allá de las fronteras de su estado natal, Iowa, y consiguió que un museo adquiriera por primera vez uno de sus cuadros. Este regionalista estaba muy interesado en la reinstauración de una pintura auténticamente norteamericana , también estuvo influido por el arte europeo , algo que resulta patente en Gótico norteameriacano.


En los años veinte, Wood viajó en varias ocasiones por Europa . El doble retrato frontal de una pareja de granjeros muestra el entusiasmo por la detallista pintura flamenca . El estado de ánimo , dificilmente descifrable de la extraña pareja , recuerda especialmente el doble retrato de Jan van Eyck . El matrimonio Arnolfini y, al mismo tiempo demuestra que Wood estaba también familiarizado con el neorrealismo. Sin embargo, ante todo y de acuerdo con su propia convicción , su intención era mostrar lo que el artista conocía mejor.


En cualquier caso, el cuadro de Wood que acabó convirtiéndose en icono nacional y fue objeto de caricaturas y fotomontajes con más frecuencia que casi ninguna otra obra de la historia , supuestamente se limita a reproducir un granjero del Medio Oeste norteamericano en actitud defensiva , con una horquilla en la mano, aunque en realidad se trata del dentista de Wood y de su hermana . La escena ficticia de los pioneros del Medio Oeste tenía como objetivo recuperar un concepto de América condenado al olvido mediante el recuerdo de las raíces comunes. Y no sin regusto satírico , por ello la gente del campo no la acogió con demasiado entusiasmo . No querían verse representados con herramientas tan anticuadas y una expresión tan malhumorada.


Existe una fotografía del mismo título realizada por Gordon Parks en el año 1942, que por el hecho de utilizar el medio fotográfico transmite una mayor sensación re realidad . En una sala en la que se colocó la bandera americana , Parks tomó un austero retrato frontal al estilo de Grant Wood de una mujer de la limpieza de raza negra llamada Elia Watson , con la mopa en la mano y la escoba en la otra. Parece seria y cansada , aunque en la expresión del rostro uno cabe descubrir una cierta disposición a la lucha : esta mujer de ojos despiertos tras las gafas de metal no añora el siglo XIX, ,época en la que parecen proceder los protagonistas de Wood. A través de esta doble alusión al cuadro , surge un comentario actual de la situación real de la discriminación real de los afroamericanos incluso en la capital del " país de la libertad y de la patria de los valientes " Gótico nortemericano, de Parks , no pretende consolidar algo ya existente, sino todo lo contrario : los tiempos han cambiado y estos cambios exigen la aceptación social.




Mercedes Tamara

27-02-2015




Bibliografia ; Realismo, Edic Taschen

jueves, 26 de febrero de 2015

FIGURA ISIDRE NONELL

FIGURA 1901


Figura
óleo sobre lienzo 73,5 x 54 cm
Colección particular, Barcelona



Isidre Nonell i Monturiol (Barcelona, 30 de noviembre de 1872 - 21 de febrero de 1911) fue un pintor español del siglo XIX, perteneciente al modernismo.Marcado por el impresionismo, se le adscribe al modernismo. Forma parte de la llamada "pintura negra" española, junto a Regoyos o Solana.

Realiza retratos, especialmente las series sobre cretinos y gitanas. Muestra las clases más bajas de la sociedad, en su miseria y dolor.

En esta pintura llamada Figura Nonell nos presenta a una gitana dormida en una postura que denota un gran abatimiento . Sobre un fondo de color amarillo verdoso realizado con pinceladas gruesas y sueltas,  aplicadas con gran energía que contrastan con los tonos oscuros del traje de la protagonista 

 La gitana  ocupa casi la totalidad del cuadro y  está  vestida con una traje negro  y unos  toques grisáceos  destacan sobre la parte delantera de la pobre vestimenta que lleva esta mujer.  Igual tratamiento pictórico ha aplicado Nonell al cabello de esta figura que , también , al igual que el vestido , está manchado por toques grisáceos 


Lo que es evidente es que las lineas que dibujan la figura parece hecha a pluma, aunque la tinta china debería ser mucho más espesa para dar el relieve que tiene esta pintura . Después de aplicada la tinta , Nonell trabajaba encima del cuadro retocándolo una y otra vez hasta encontrar el modo que le consiguiera satisfacerlo.

Mercedes Tamara ( autora)
26-02-2015

Bibliografia : Datos biográficos extraidos de Wikipedia 

domingo, 22 de febrero de 2015

LOLA ISIDRE NONELL

LOLA 1910
Lola
óleo sobre lienzo 59 x 72 cm
Colección particular, Barcelona




Cuando Nonell expuso en el Falanç Catalá más de un centenar de pinturas fechadas entre 1901 y 1910 , que suscitaron encendidos elogios , no sólo mostraba una amplia analogía de su obra y la evolución que se había producido en ella , sino que especialmente presentaba su última etapa , prácticamente desconocida hasta entonces . En algunas de las críticas que se publicaron a raíz de su exposición que ponía énfasis especial en destacar el conjunto de obras de esa última etapa que para muchos suponía un auténtico descubrimiento . Ciertamente Nonell representaba a sus figuras inundadas de una luz que esfumaba sus contornos y matizaba las delicadas armonías cromáticas.

En este sentido, la obra que nos ocupa supone la culminación de este nuevo lenguaje del artista , porque en ella se condensan magistralmente sus mejores cualidades pictóricas . El logrado equilibrio entre la composición , la riqueza cromática y la técnica " nonelliana " reflejan el extraordinario grado dee madurez alcanzado por el artista .

En cuanto a la historia de este lienzo , cabe destacar que en 1917, cuando Alexandre Plana , publicó la primera catalogación de las obras de Nonell , esta obra pertenecía aún a la familia del pintor , lo cual no es de extrañar , ya que el grueso de su producción en el taller del artista en el momento de su muerte . Lola fue una de las modelos que posó con más frecuencia para el pintor en las últimas décadas de su vida

Mercedes Tamara
22-02-2015

Bibliografia : Isidre Nonell, MNAC

jueves, 19 de febrero de 2015

FUGA EN DOS COLORES FRANTISEK KUPKA

FUGA EN DOS COLORES 1912
Fuga en dos colores
aguada y tinta sobre papel 21,3 x 32, 8 cm
Museo of Modern Art, Nueva York


Este pequeño estudio para una pintura grande Amorpha, fuga en dos colores, 1912 , es uno de los veintisiete que hay en la colección del Museum of Modern Art . Muestra una una interpretación tardía de este tema , la fuga, donde los retazos de formas y dibujo irregular recuerdan la complejidad y translucidez de una vidriera . En la pintura final Kupka simplificó la composición en planos de color más amplios que constituyen un único arabesco monumental .

Esta pintura se expuso en 1912 en el Salón d´Automne de París, donde provocó un rechazo general . Mientras que los motivos originales de Kupka se inspiraban en la realidad, sus últimos estudios a la aguada y la propia pintura eran totalmente abstractos y reducidos a dos colores , rojo y azul, que pretendían representar las voces entrelazadas de una fuga , en la que como él mismo escribió . " los sonidos evolucionan como verdaderas entidades materiales , se entretejen, vienen y van ".

Kupka, nacido en una pequeña localidad del este de Bohemia , estudió en Praga y Viena antes de establecerse en París. En 1912 había adoptado ya un estilo radicalmente abstracto que hizo de él uno de los primeros pioneros de la abstracción europea.

Mercedes Tamara
19-02-2015

Bibliogarfia MOMA The Museum of Modern Art 

domingo, 15 de febrero de 2015

ELVIRA CON CESTA DE LABORES RAMÓN SUNYER

ELVIRA CON CESTA DE LABORES 1919
Elvira con cesta de labores
óleo sobre tela 94 x 74 cm
Colección particular, Barcelona


Elvira con cesta de labores es una de las obras más excepcionales dentro de la producción del artista , no sólo por su calidad pictórica y por la fuerza que emana de la figura, sino también porque es una de las telas que mejor ejemplifica el proceso creativo de Sunyer. Por una parte, Elvira parece integrada en un entorno doméstico,característica común a las obras más noucentistas de Sunyer. Por otra parte, el tratamiento del color da a este óleo una dimensión más avanzada , que supera claramente los límites de la pintura propiamente noucentista de otros artistas . Sunyer alcanza de este modo , un equilibrio entre los parámetros que seguía la pintura catalana de aquel momento y el estilo cézanniano que había adoptado en algunos de sus retratos anteriores, .

El artista plantea una compleja composición en diferentes planos sólidamente estructurados , cada uno de los cuales constituye una pequeña obra en el contexto general de la pieza . En primer término, vemos la cesta de costura a modo de naturaleza muerta , tras la figura que aparece con la cara empolvada con los mismos colores con los que Sunyer ha dispuesto para el traje de Elvira , cuya figura aparece sentada mirando fijamente al espectador . El brazo derecho aparece visible mientras el otro brazo parece que sujeta la cesta ligeramente . Tras ella y en el centro del fondo la balaustrada junto con la cortina marcan una diagonal , recurso que parece que el artista catalán había copiado de Picasso .

Existe una gran variedad de colores aplicados con ligeros toques de pincel . Llama la atención las hojas de las flores que salen de la maceta cuyo color verdoso recuerda algunas pinturas de Cézanne , a quien el pintor catalán admiraba mucho y cuya influencia es notoria es varias pinturas de Sunyer. Por otro lado, la maceta de color terroso está manchada con el color verde de las hojas igual que la hoja que sobresale y envuelve la balaustrada . Los útiles de la costura que se hallan en la cesta tienen un carácter abstracto al igual que las cosas situadas junto al paisaje que contrastan con el azul del cielo

Mercedes Tamara ( autora) 
15-02-2015

Bibliografia : Ramón Sunyer, MNAC