lunes, 2 de mayo de 2016

CABALLOS SALVAJES KAREN APPEL

                                              CABALLOS SALVAJES

Caballos salvajes, Karel Appel
Caballos salvajes
óleo sobre lienzo A194,5 x 113 cm
:Museo Thyssen-Bornemisza, Mñadir leyenda





En los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, el pintor holandés Karel Appel participó, junto a Constant, Corneille, Asger Jorn y Christian Dotremont, en la creación del movimiento CoBrA, acrónimo de Copenhague, Bruselas y Amsterdam. Con la intención de oponerse al surrealismo, los miembros de este heterogéneo grupo propugnaban un tipo de pintura empastada, libre y espontánea, incluso infantil, que se caracteriza por su expresividad violenta, por su gesto arrebatado, que responde a la voluntad de apartarse de cualquier norma artística anterior.



En Caballos salvajes, un lienzo de gran formato fechado en 1954, puede apreciarse el estilo impetuoso y gestual de Appel. Su originalidad surge de la libertad de acción, del movimiento impulsivo con que se aplican las gruesas pinceladas en colores estridentes, que da lugar a una figura amorfa de aspecto fantástico, modelada torpemente, en la que parecen distinguirse una sonrisa malvada y un gran ojo que se convierte en un túnel hacia abismos desconocidos. Los brochazos violentos, aplicados con colores primarios, contribuyen a desfigurar la imagen en un irreversible proceso de metamorfosis y a crear un efecto general de plasticidad confusa e indeterminada. Sorprende la violencia creativa de la que surge esta forma grotesca, que podría recordar a la de los expresionistas alemanes de principios de siglo, con los que también Appel comparte un mismo sentimiento trágico de la existencia.
   

Mercedes Tamara
2-05-2016

lunes, 4 de abril de 2016

LOS CANTOS DE LA NOCHE ALPHONSE OSBERT

LOS CANTOS DE LA NOCHE 1896



Los cantos de la noche
óleo sobre lienzo 76,5 x 123,2 cm
París Museo de Orsay 




Nacido en París en 1857 en una familia de clase media alta, que llegó a ' Ecole des Beaux-Arts en el estudio de Henri Lehmann , donde fue compañero de estudios de Seurat y Aman-Jean  , Osbert participó en diversas exposiciones con obras puramente académicas y educado.




 Al principio, de hecho, él cumplió plenamente con esta visión ahora aplanado de la pintura, pero aún representaba el sabor dominante, en gran medida adquirido y consolidado, de la cultura burguesa y por lo tanto tenía aún muchos adeptos y admiradores. . Sin embargo, después de un viaje a España y algunos estudios en el bosque de Fontainebleau , sus puntos de vista cambiado llegar a un punto de inflexión hacia el final de 1880.







. Este fue el período en el que se lleva a cabo más experimentos sobre la luz y se fue al Salón de los Independientes, donde podría reunirse con Maurice Denis y, sobre todo, Puvis de Chavannes . Desde ese encuentro, sus ideas fueron cada vez más influenciados por el simbolismo , que finalmente se adhirió plenamente y que le permitió recoger un éxito creciente.


Con canciones de la noche, que pintó en 1896, reproduce de nuevo su nueva concepción de la pintura donde sus temas predilectos son las
figuras femeninas castamente vestidas con túnicas antiguas y liras Ya no aparecen ninfas ni otros seres mitológicos tan propios de los pintores simbolistas Osbert opta en esta pintura por personajes que aparecen a lo lejos como si fuesen apariciones de carácter sobrenatural. Los ilumina con una luz difusa de azul brumoso que contrasta con el azul celeste del estanque  que ha situado en el primer término. Los personajes representados presentan contornes imprecisos para subrayar su carácter fantasmal. 


En este trabajo, sin duda, el artista simbolista ya expresó su deseo de independencia y su negativa a seguir el curso de la evolución del arte de sus contemporáneos a favor de la lealtad inquebrantable a su visión metafísica de la expresión artística

El carácter metafísico y simbólico de Osbert se pone de relieve en la utilización exclusiva del color azul -el color preferido de los simbolistas-Las figuras poseen para Osbert un carácter alegórico como un deseo de entrar en contacto con lo que hay de divino en la naturaleza Reunidas alrededor de un estanque en el que se refleja la luna ,las figuras parecen oficiar en un templo natural en que los troncos de los árboles , son los pilares vivos Los punteados amarillos o violetas añaden una vibración óptica que compensa las tintas planas saturadas


Mercedes Tamara  ( autora )
4-04-2016

Bibliografia : Wikipedia 

lunes, 8 de febrero de 2016

HOTEL WINDOWS EDWARD HOPPER

                                        HOTEL WINDOWS EDWARD HOPPER



Hotel Windows
óleo sobre lienzo 101,6 x 139,7 cm
New York, colección The Forbes Magazine


El Hotel Window es un muy buen ejemplo del estilo de Edward Hopper..Hopper pintó esta mujer mayor que, lo que representa a una americana, está sentada en un simple pasillo del hotel, mirando en la oscuridad. . La habitación es extremadamente simple, sin embargo, el poco mobiliario dice mucho sobre la sociedad. Este es el ejemplo de la vida durante los años treinta, cuarenta y hasta cincuenta años, después de la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. .

El estilo realista negro de Hopper y el formato de composición va destinada a reforzar el poder psicológico de Hotel Window y tienen estrechos vínculos con muchos elementos de cine negro La cruda luz, ajuste de repuesto y figura solitaria crean. una atmósfera de inquietud y vacío que caracteriza marca en particular de este género de la desconexión humana. soledad auto-impuesta, el resultado de la decepción del individuo en la interacción humana, era un mal social que define la experiencia americana como se representa por tanto Hopper y otros autores contemporáneos que hacen referencia a la  ficción en el  cine americano  "-. Hopper pintó lo que vio, lo que dio lugar a que el revisor sentir la desesperación de las penurias de la época.

No se sabe si la mirada de la mujer desde la ventana del hotel se fija en un determinado objeto o bien se abstrae en pensamientos , pero todo lo que puede verse delante de la ventana parece muerto y tiene un aire de decorado . La calle está llamativamente poco iluminada y en la fachada de la casa de enfrente no se ven detalles. Al mismo tiempo la inmovilidad de esta escena pasa a la mujer. Su postura es tensa , la caída de su abrigo , tal vez rígida o hinchada por el viento , no es natural . La composición del cuadro , que presta peso al interior mediante luz y color y que lleva la mirada del observador ante todo a un rincón de la escena , descentra a la mujer y a la ventana del hotel a un tiempo, y los hace aparecer como extremos del cuadro. Lo que está ante la ventana del hotel , por este juego de contrastes y perspectivas , produce el efecto de situarse fuera del cuadro.

 . "Hotel Window" expresa la soledad y la alienación que define no sólo un determinado aspecto de la experiencia estadounidense, sino también, en palabras de la artista, la "condición humana entera." - 




Mercedes Tamara ( autora )

8-02-2016

Bibliografia : Hopper " Edic Taschen "


Create a free website Crear 

martes, 1 de diciembre de 2015

LA FLÉCHE JOAQUIN SUNYER

LA FLÉCHE 1915-1916
La Fléche
óleo sobre lienzo 80 x 60 cm
Colección particular, Barcelona




Esta pintura se ha fechado habitualmente en 1913 . Sin embargo, dada sus características, alejadas de las obras que Sunyer realizó en aquel momento y, en cambio, cercanas a las de otros retratos de 1915 y 1916, aparece más razonable situarla en estas fechas más tardías . Asimismo, el hecho de que en dos referencias aparecidas en la prensa de la época relativas a la exposición colectiva de Les Arts y Els Artistes de 1916, en las que Sunyer participó , se alude elogiosamente a un retrato femenino ( Retrato de Paulette ) incabado, como sucede en la obra que nos ocupa, nos lleva a suponer que Retrato de Paulette 
sea la pintura que comentamos En el caso de que esta hipótesis fuera cierta, no habría duda alguna de que la obra en cuestión pertenece a 1915-1916 , ya que los artistas participaban en este tipo de exposiciones con creaciones más recientes.

En cualquier caso La Fléche que efectivamente parece tratarse de una obra inacabada , pertenece a esta serie de retratos de Sunyer , cuya composición estructurada evidencia la huella de Cézanne : la figura de medio cuerpo con las manos simplemente abocetadas en un claro primer término y con una mirada dirigida al espectador entre altiva e inquietante . Asimismo , destaca la presencia de un telón de fondo que, a pesar de estar algo desdibujado, contribuye de manera decisiva a potenciar la figura de la retratada

                                             
                                                          Mercedes Tamara
                                                          1-12-2015



Bibliografia : Joaquin Sunyer, Museo de Arte de Cataluña

jueves, 29 de octubre de 2015

LA ARAÑA ODILON REDON



LA ARAÑA 1950
La araña
óleo sobre lienzo
-Grand Palais
(Musée d'Orsay)





En los años 1950 y 1960, los museos nacionales adquirieron carboncillos de Odilon Redon que procedían de prestigiosas colecciones. Como es en particular el caso de La Araña en 1952, procedente de la colección de André Mellerio (1862-1943), autor del catálogo razonado de la obra del artista. En 1966, La pila de agua bendita y El Sueño entran en las colecciones nacionales, que hasta la fecha pertenecían a André Bonger (1861-1934), uno de los grandes aficionados del artista.





Pero el fondo del museo de Orsay le debe mucho a los donantes. Los negros proceden principalmente de la donación en 1974 de Claude Roger-Marx, escritor, crítico e historiador de arte y completada en 1978 por su hija, René Asselain. La mayor parte de la colección, poco conocida, está constituida por el fondo del taller donado en 1984 por Arï Redon, hijo del artista, y su esposa. Este aspecto más personal de la obra permite entender mejor el génesis y captar la profunda originalidad de Redon en el dibujo francés entre 1880-1900.



Mercedes Tamara
29-10-2015

Bibliografia : Odilon Redon , Edit Mafre 

lunes, 5 de octubre de 2015

GITANA CON MANTÓN ISIDRE NONELL

GITANA CON MANTÓN 1909
Gitana con mantón
óleo sobre lienzo 73x 59.5 cm
Colección Masaveu



En una etapa en la que las figuras de gitanas han desaparecido prácticamente de su producción pictórica, Nonell representa nuevamente a una de ellas , vestida de rojo y cubierta con un pañolón de gamas azules . Desde el punto de vista cromático se aprecia perfectamente la diferencia de tonalidades respecto a las que el artista utilizaba en sus obras anteriores a 1907. Seguramente la paulatina desaparición de gitanas de su pintura a partir de la fecha mencionada está relacionada con el cambio que se produce en su paleta , aunque no hay duda de que Nonell supo extraer matices insopechados de un tema tan reiterativo y aparentemente monótono.

Esta pintura `perteneció al Real Círculo Artístico de Barcelona , donde ingresó con posteridad a la muerte del artista y con anterioridad a 1927. En el bastidor se conservan restos del papel que, aunque no es posible asegurarlo, podían corresponder a la etiqueta de la exposición individual de Nonell en el Falanç Català de 1910


Mercedes Tamara
5-09-2015

jueves, 1 de octubre de 2015

MUCHACHA CON ROSAS LUCIAN FREUD

MUCHACHA CON ROSAS 1947-1948
Muchacha con rosas
óleo sobre lienzo 105 x 76 cm
British Council Collection Londres



Con los característicos manchones al óleo y la paleta turbia , Lucian Freud ( 1922 ) retrata la universal pugna entre la realidad externa y los impulsos externos que su abuelo Sigmund Freud plasmó en su trascendental obra como padre del psicoanálisis.

Si bien nació en Berlin Freud se trasladó a Londres con su familia en 1933 , cuando a su padre , arquitecto, le prohibieron trabajar en Alemania . Después de estudiar en la Central School of Arts and Grafts de Londres y servir una breve temporada en la marina mercante , Freud alcanzó resonancia internacional como representante del arte inglés en la década de 1950 , junto con Francis Bacon y Frank Auerbach .

Ha pintado amigos, familiares , amigos, colegas e iconos culturales , como la modelo inglesa Kate Moss , a menudo desvestidos y siempre psicológicamente desnudos .

Reconocido como la obra maestra de la primera fase de su carrera , Muchacha con rosas , es un retrato de la primera esposa de Freud ,Kitty pintada al cuarto año de su matrimonio . Freud mostra a Kitty jugando nerviosa con el tallo erizado de la espina de una rosa amarilla y rosa, un híbrido desarrollado poco después de la Segunda Guerra Mundial , como la " rosa de la Paz".

En la composición meticulosamente detallada , concisa y estructurada , cada hebra del pelo de Kitty está delineada con sumo cuidado y no obstante su carácter sigue siendo escurridizo . Este retrato expresionista de su joven esposa , que parece incómoda a causa del minucioso escrutinio, refleja la desconcertante habilidad de Freud para exhibir su intimidad con las modelos, al tiempo que muestra supropia complejidad psicológica.



                                                                         Mercedes Tamara
                                                                                 1-10-2015