viernes, 27 de marzo de 2015

MATERNIDAD RAMÓN SUNYER

MATERNIDAD 1920
Maternidad
óleo sobre lienzo 73 x 60 cm
Museo de Arte Moderno de Barcelona



Como es bien sabido el tema de la maternidad es una constante en el 
noucentisme , tanto en el ámbito de la pintura como el de la escultura . En el conjunto de la obra pictórica de Sunyer hay un considerable número de telas dedicadas a este asunto. Las primeras datan de 1908-1909 , momento en que el artista iniciaba un nuevo lenguaje artístico , después de su etapa parisiense ; probablemente la más destacada de ellas es aquella que representa a una mujer amamantando a su hijo con el mar Mediterráneo al fondo surcado por tres barcas de vela latina 

El oleo que comentamos formó parte del Salon d´Automne de Paris de 1920 , es un buen exponente de este tipo de obras realizadas a partir de 1919. El artista rinde homenaje a la maternidad, pero ,lejos de platear el tema de forma idealizada , utiliza personajes de su realidad más cercanas ; en este caso concreto, por ejemplo, la propia esposa del artista posó para la representación de la figura femenina , la cual, a partir de entonces será en varias  ocasiones la modelo del pintor-

En cuanto a la manera de resolver la composición en Maternidad ,Sunyer se inclina , en lo que a representación de las figuras se refiere , por un estilo aparentemente sobrio que caracteriza muchas de sus obras . En la primera linea dibuja los contornos con gran nitidez y precisión unas pinceladas aplicadas sin vibraciones y una gama cromática cálida. Las figuras se recortan sobre fondos de paisajes , al que el artista parece haber dedicado especial interés.

Mercedes Tamara
27-03-2015



jueves, 26 de marzo de 2015

DESNUDO MARC CHAGALL

DESNUDO 1913
Desnudo, Marc Chagall
Desnudo
Gouache sobre papel 34 x 24 cm
Museo Thyssen Bornemisza, Madrid




Entre 1911 y 1914 Marc Chagall residió por primera vez en París , donde pintó este Desnudo de la colección Thyssen-Bornemisza . El pintor llegó a la capital francesa junto a Leon Bakst , su profesor en San Petersburgo, y, según su propio relato, inmediatamente se sintió seducido por el arte francés: «Bakst le dio un giro a mi vida —escribía Chagall—. Nunca olvidaré a este hombre. En 1911 me invitó a ir con él a París como su asistente, pero allí nos separamos y yo caí en el ambiente de los artistas europeos contemporáneos . En el Louvre, delante de la Olimpia de Manet , de Courbet y de Delacroix , entendí lo que son el arte ruso y Occidente. Me sentí cautivado por el sentido de la medida y el gusto de la pintura francesa» .

El joven pintor , procedente del lejano y provinciano pueblo judío de Vitebsk , intentó abrirse camino en la entonces gran capital del arte . Hizo amistad con los pintores Fernand Léger , Amedeo Modigliani y Chaïm Soutine y los poetas André Salmon , Max Jacob y Guillaume Apollinaire . En 1913, logró exponer en el Salon des Indépendants y participó en el Erster Deutscher Herbstsalon , organizado por Herwarth Walden en su galería Der Sturm de Berlín, donde un año después se presentaría una exposición individual suya . El año 1913 también aparece inscrito en este gouache junto a la firma del pintor , pero algunos autores consideran que, como ocurre en la mayoría de sus obras , fue seguramente añadido con posterioridad .

Asimismo , en 1913 , en el mes de mayo, se estrenaba en París La consagración de la primavera , la primera producción realmente experimental de los ballets rusos de Diághilev , una obra que unió a dos grandes innovadores de la música y la danza , Stravinski y Nijinski . La relación de Chagall con Bakst , colaborador de los ballets rusos , ha llevado a vincular este Desnudo con la figura de Nijinski , la estrella indiscutible de la compañía, a quien Chagall , según relata en sus memorias, había conocido en la escuela de arte Zventseva de San Petersburgo antes de ir a París . Nijinski introdujo importantes novedades coreográficas que revolucionaron las normas académicas de la danza, unas novedades que pueden tener su perfecta correspondencia pictórica en esta figura dislocada .

Además , como puede apreciarse en esta pequeña pintura, en la capital francesa Chagall se impregnó de las tendencias artísticas europeas sin perder cierto primitivismo o ingenuismo propio de la tradiciones populares rusas . La geometría y desarticulación de este cuerpo masculino desnudo están próximos al cubismo , mientras que el colorido brillante está en relación con la pintura fauve. Por otra parte, si bien nunca logró liberarse de sus orígenes judíos , que saldrán a la luz permanentemente en su obra, la primera intención de Chagall al decidir dedicarse a la pintura había sido liberarse de la tradición del judaísmo hasídico , que consideraba sacrílega la representación de imágenes del hombre. Quizás por ello , Chagall se mantuvo siempre dentro de la figuración y jamás se adentró en la abstracción como la mayoría de sus compatriotas.

La primera propietaria de la obra fue Ida Bienert , residente en Dresde, que se convirtió durante los años veinte en una de las principales coleccionistas de arte moderno en Alemania .

Mercedes Tamara
26.03.2015

Bibliografia :Paloma Alarcó ( autora ) del Museo Carmen Thyssen         
                      Bornemisza Madrid

miércoles, 25 de marzo de 2015

EL CONCIERTO MARC CHAGALL

EL CONCIERTO 1957



El concierto
óleo sobre lienzo 140 x 239,5 cm
Colección particular



Marc Chagall (MtebskImperio Ruso7 de julio de 1887 - Saint-Paul de VenceFrancia28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso.que falleció el 28 de marzo de 1985 a los 97 años, Marc Chagall fue para muchos considerado como el pintor poeta por excelencia. La pintura de Marc están impregnada de la mitología y mística; sus historias y sus sueños de vivos colores están profundamente enraizados en su infancia y adolescencia de judío ruso.

Sus recuerdos permanecen a Vitebsk, su ciudad natal, y giran en torno a los grandes acontecimientos en la vida de las personas humildes que habitan el shetl, el barrio judío de la aldea: el nacimiento, el amor, el matrimonio, y la muerte. A pesar del sinnúmero de inspiraciones que le proporcionó una metrópoli como París, permaneció siempre fiel a su origen; característica ésta que siempre estuvo vinculada al gusto por la narración y a su fe en la unión indisoluble entre dios y el hombre.


En El concierto utiliza una nueva autonomía de colores para que el espectador comprenda mejor el significado de sus obras. Un bote con una pareja de amantes a bordo boga por el río ; a la derecha la ciudad; a la izquierda un grupo de músicos seguramente para ofrecer bellas melodías a los enamorados . Los cuerpos desnudos de los amantes están pintados de un rojo luminoso que continúa hacía arriba sobre sus cabezas. Otras dos franjas paralelas , azules, unen el agua con los músicos . Estas franjas sugieren un movimiento del bote desde abajo a la derecha hacía arriba a la izquierda. El romántico paseo en bote con luna llena es en realidad un viaje de la ciudad envuelta en un frío azul hacía una esfera superior poblada por músicos celestiales.

La torre Eiffel, el arco del triunfo y Notre -Dame permiten identificar a la ciudad de Paris , la urbe en que Chagall tuvo su estudio antes de la guerra, en un tiempo en que todavía era lo que después no volvería a ser : metrópolis artística . Chagall le había vuelto la espalda como muchos de sus colegas . La Costa Azul se había transformado en un pequeño Montparnasse . Y era un entorno adecuado para Chagall quien ya no la abandonaría . Al contrario, el artista construyó en 1967 una casa en Saint Paul -de-Vence , con tres estudios , uno para litografías. otro para dibujar y un tercero para pinturas y proyectos monumentales

Mercedes Tamara ( autora )
25-03-2015

Bibliografía : Datos biográficos de Wikipedia

martes, 24 de marzo de 2015

LA VIDA CAMPESINA MARÇ CHAGALL

LA VIDA CAMPESINA 1935



La vida campesina
óleo sobre lienzo 101 x 80 cm
Buffalo ( NY ) Albright-Knox Art Gallery


Marc Chagall ( ; Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso.

Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En La vida campesina de 1925 hallamos de nuevo a los representantes de una vida apacible campesina , que, como personificación de la sencillez adquieren un significado arquetípico : el ser humano y el animal ; la apacibilidad y el idilio son requisitos del género. En esta ocasión Chagall no ha recurrido a los motivos geométricos habituales en otras obras , aquí la composición del cuadro viene determinada por la libre asociación . El hombre que da de comer al caballo ,el animal sobre cuyo perfil se asienta la casa , forman un complemento , en lugar de contrastar . El modelo del cuadro no es tanto la vida sencilla de Rusia , a cuya glorificación Chagall estaba menos dispuesto que en años anteriores -a consecuencias de las vivencias de la revolución , como la representación de una imagen propia. El surrealismo ha relevado al cubismo , Chagall manifiesta su nexo con la nueva tendencia a través de la liberación de las formas rígidas, en una ligera confesión de desorden ,como el que caracteriza a sus sueños 

Mercedes Tamara ( autora )
24-03-2015

Bibliografia : Chagall, Edic Taschen

domingo, 22 de marzo de 2015

CALLE DE PARIS JOAQUIN SUNYER

CALLE DE PARIS
Calle de Paris
óleo sobre lienzo 44,5 x 34.5 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña






Joaquim Sunyer de Miró (Sitges, Barcelona, Cataluña, 22 de diciembre de 1874 - 1 de noviembre de 1956) fue un pintor catalán, considerado uno de los máximos representantes del estilo novecentista. Fue sobrino del también pintor Joaquim de Miró i Argenter.

Criado en el ambiente liberal y creativo de una familia de la burguesía catalana acomodada, pinta sus primeras telas hacia el año 1889 bajo la tutela de su tío abuelo Joaquín de Miró, representante de la escuela luminista de Sitges, entrando a estudiar en la escuela de la Llotja de Barcelona en el año 1890. Allí, entabla amistad con sus compañeros de estudios, Nonell, Mir, Canals o Torres García con quienes comparte admiración y entusiasmo por los dibujantes de Montmartre, como Steinlen y Daumier y que mas adelante serán conocidos como la "Colla del Sofrà", cuyo principal nexo fue, su interés por la modernidad.


Calle de Paris Esta obra de Sunyer la pintó porque se sintió atraido por diferentes aspectos de Paris : el ambiente de miseria y sordidez , al principio de su etapa pictórica y , más adelante, por el bullicio de las calles donde trascurría la vida cotidiana. De las escenas que aparece este mundo abigarrado y lleno de vida , esta calle de Paris es seguramente una de las más atractivas. Sin rastro alguno de miseria y con la presencia de una lavandera cargada con los sacos de ropa , Sunyer se limita a captar la diversidad de gente que pasa por la calle en una hora de gran actividad . El acierto de la composición , el cruce de las calles de fondo, el toldo a rayas a la derecha y, sobre todo, el colorido brillante proporcionan una visión extremadamente animada. Destaca , sin embargo, de una manera mu especial el blanco que irradia una gran luminosidad.



Mercedes Tamara
22-03-2015


jueves, 19 de marzo de 2015

GITANA JOVEN ISIDRE NONELL

GITANA JOVEN 1991
Gitana joven
óleo sobre lienzo 81 x 66,.5 cm
Museo Nacional de Arte de Cataluña






Isidre Nonell i Monturiol (Barcelona, 30 de noviembre de 1872 - 21 de febrero de 1911) fue un pintor español del siglo XIX, perteneciente al modernismo .Pertenecía a una familia relativamente acomodada. Se formó en diversas academias, entre ellas la de Luis Graner (1889). Formó parte del grupo Els Quatre Gats, con Picasso, Rusiñol y otros. Vivió al margen de la sociedad burguesa, a la que criticaba en sus pinturas.

Marcado por el impresionismo, se le adscribe al modernismo. Forma parte de la llamada "pintura negra" española, junto a Regoyos o Solana. Realiza retratos, especialmente las series sobre cretinos y gitanas. Muestra las clases más bajas de la sociedad, en su miseria y dolor.


En Gitana joven pintura que formó parte de la exposición individual que el artista hizo en la Sala Parés en 1903, es representativa de las obras que realizaba por aquellos años ,pero fue rechazada violentamente por el público y la crítica En cuanto al tema y a la técnica , las obras de este momento, en el que inicia una nueva etapa pictórica , presentan características comunes. Están pintadas con tonos más oscuros que las de 1901 y 1902 , con predominio de los negros , de los verdes oliva, los azules y los terrosos mezclados tanto en la figura como en el fondo , si bien continúa perfectamente delimitada por la potente linea que la recorta y la separa del fondo . Esta linea negra gruesa que la perfila , contribuye a enfatizar la sensación de aislamiento. Las pinceladas, rectílineas y entrecruzadas , consiguen la rotundidad de los volúmenes. Ahora las gitanas no van cubiertas por una manteleta sino que las envuelve un mantón que esconde la la figura mientras que la cabeza cabizbaja ni tan siquiera permite entrever el rostro. El artista, no obstante, mantiene la misma economía formal y expresiva de las gitanas de los años anteriores y consigue transmitir con rotundidad, la miseria, el pesimismo, la soledad más profunda y la introversión de la figura


Mercedes Tamara ( autora )
19-03-2015



Bibliografia : Wikipedia






lunes, 16 de marzo de 2015

PELÍCANO ( CIERVO ) PETER DOIG

PELÍCANO ( CIERVO ) 2003

Pelícano ( ciervo )
óleo sobre lienzo 275,2 x 200 cm
Contemporany Fine Arts, Berlín




Con Peter Doig se cierra el círculo de la tradición fantástica en el arte vinculado a la naturaleza . El hombre ya no es sujeto preferido de su obra, sino el entorno. La representación de la naturaleza , cuya tradición reciente abarca desde los pintores ingleses John Constable y WilliamTurner hasta los impresionistas y en especial Claude Monet, goza en el presente de un puesto fijo en el canon artístico . Doig recurre a éste, lo investiga exhaustivamente , examina y prueba diversas superficies pictóricas para plasmar su punto de vista actual y consigue reinventarlo en el proceso.

La juventud de Doig no estuvo exenta de trajines , ya que la familia debía trasladarse a menudo . En 1962 se mudaron a Trinidad- donde el artista reside en la actualidad- y en 1966 a Canadá . En su obra se palpa su intenso conocimiento de paisajes no europeos , así como el carácter nómada del ser humano. Doig recurre a su amplio conocimiento de todo tipo de paisajes y traslada al lienzo sus impresiones particulares de todos ellos ; también se inspira en fotografías que a menudo extrae de los medios de comunicación , instantáneas, postales y folletos turísticos . Con frecuencia sus modelos " no  son ni interesantes, ni extraordinarios " , afirma Doig." Es algo voluntario . Me gusta esa falta de complejidad , me deja mucho espacio libre para experimentar con la imagen".

Pero en su obra pasajística ,Doig no sólo renuncia a la contemplación directa de la naturaleza. sino que incluso se esfuerza por mantener la mayor distancia posible con sus temas. Así, acostumbra a trabajar con fotocopias y esbozos que, tras repetidas reproducciones se encuentran a varias "generaciones" de distancia del original . Parte de la matriz de sus propias impresiones en perpetua transformación y que en el proceso de creación va derivando hacía patrones siempre nuevos que avanzan hasta conformar el mapa interno para la orientación espiritual de sus propias impresiones.

En Canon ( Lago ) un tema sobre el que ha realizado numerosas variaciones construye un escenario de impresiones individuales del espectáculo natural .Quiere decirse con esto que un fenómeno natural no es que sea algo inamovible , sino que simplemente ofrece una primera constelación de estímulos sobre lo que se trabajará durante el proceso de metamorfosis artística .

También se equivoca quien crea poder ubicar Pelícano ( ciervo ) ( Pelican Sting ) en el Caribe. La fuente de inspiración de la caribeña imagen llena de clichés fue una postal de la India . " No se trata de imágenes del Caribe ", confesó Doig en su taller de Puerto España a Hilke Wagner , quien también propone establecer una comparación con las reflexiones pictóricas de René Magritte acerca de la relación entre imagen y realidad. En la ambigua obra de Doig nada es lo que parece . Puede que el lugar sea tropical pero el huidizo protagonista ,proscrito en el claro por la maldición de una irreal fuente de luz , no es turista en el paraíso insular ; más bien muestra al espectador el camino hacía la variedad de su propio mundo interior.

El pintor fascina con la ligereza de una concepción de la fantasía a la que apenas se le imponen restricciones. El arte radica en una composición basada en novedosas variaciones cromáticas y en escasas lineas de separación formal , que en su difuminada transición crean una tensión interna . Doig observa con imparcialidad e ingenuidad voluntaria un antíquisimo motivo de la historia del arte y lo redefine para sí mismo y para nosotros.

Mercedes Tamara
16-03-2015

Bibliografia . Walter Schurian. Arte fantástico ,Edic Taschen