domingo, 27 de julio de 2014

ISABEL RAWSTHORNE DE PIE EN UNA CALLE DE SOHO FRANCIS BACON

ISABEL RAWSTHORNE DE PIE EN UNA CALLE DE SOHO 1967


ISABEL RAWSTRORNE DE PIE ENUNA CALLE DE SOHO
óleo sobre lienzo 198x 147,5 cm
Berín Staatliche Museen zu Berlin



Unos movidos años de juventud llevaron poco a poco a Francis Bacon a la pintura: nacido en Dublín en 1909 se trasladó a Londres durante la Primera Guerra Mundial; allí rompió con su padre en 1926 . Pasó una temporada en el salvaje Berlín de los años veinte para volver a Londres en 1929; el camino de Bacon hacía la carrera artística estuvo lleno de curvas. 

Nunca aprendió a pintar en una academia : los primeros pasos para exponer alguna obra le costaron muchos esfuerzos . Solo a los 40 años ( en 1949 ) tuvo una exposición individual ( Heads ) en Londres que llamó bastante la atención 


 Ya en su primera juventud , cuando todavía suponía un riesgo declaró abiertamente su homosexualidad . Para  él fue una experiencia básica el placer y la excitación  procedente de prácticas sadomasoquistas y el sufrir un dolor sexualmente estimulante en el propio cuerpo. La pintura fue para él como un estímulo doloroso de los nervios. En muchas ocasiones , las distorsiones, contorsiones y expresiones extremas en los retratos de Bacon reflejan su propio temperamento y su modo de ser impulsivo para transformar todo lo corporal en metáforas pictóricas de la frágil existencia humana.

La inspiración para el retrato de Isabel Rawsthorne 1912-1992 ) amiga suya desde hacía muchos años ,le vino de una fotografía que había hecho John Deakin de ella, delante de un escaparate en las animadas calles de Soho en Londres Isabel Rawsthorne casada por tercera vez con un compositor, era pintora y realizadora de decorados. 

Fue modelo de André Derain, Pablo Picasso ,Alberto, Giacometti y Francis Bacon a los que inspiró para numerosos retratos desde la década de 1930 , con su temperamento , según se dice exótico y muy cambiante. Era la mejor amiga de Bacon, con quiean-según dijo el artista- se había acostado. Los retratos que hizo de su amiga a lo largo de muchos años eran muestra de una intensa relación personal.

La escenificación del cuadro se basa en métodos compositivos que Bacon aplicaba regularmente. La superficie del cuadro se divide en varias zonas de color, en la que solo el marco espacial produce efecto de profundidad. Isabel aparece, dentro de este esquema de lineas , en una pose tomada de una foto, pero que muestra un montaje de diferentes elementos. La cabeza procede de otros estudios que Bacon hizo de ella. En el perfil de tres cuartos básicas del rostro, se han hecho con grandes pinceladas . La expresión parece casi animal con los rasgos distorsionados en verde y blanco .

El cuerpo de Isabel aparece inamovible frontal ,pero el hecho de volver la cabeza -detalle que no procede de la foto-parece dirigir su atención al morro de los coches y los transeúntes. Los peatones tres sino cuatro se difuminan en una masa de color: con la rápida linea de las huellas del pincel parecen ser más rápidos que el automóvil. En cualquier caso, transmiten una impresión de lo efímero. El contraste que hace Bacon entre formas sólidas , con contornos claros y campos de color dinámicamente difuminados, sirve también en este cuadro para diferenciar la figura y el fondo y la superficie de los medios de color.

Mercedes Tamara
27-07-2014

viernes, 25 de julio de 2014

UNA ARTISTA ( MARCELLA ) ERNEST LUDWIG KIRCHNER

UNA ARTISTA ( MARCELLA )  1910
UNA ARTISTA ( MARCELLA )
Óleo sobre tela 100 x 76 xm
Berlín , Museo Brücker


Max Beckmann señalaba criticamente que Kirchner nunca pudo sustraerse a la influencia del arte francés a pesar de haberlo combatido con energía durante toda su vida. Sintió la fascinación del neoimpresionismo cuando todavía era un estudiante de arquitectura en Dresde y durante algún tiempo en Münich . 


Siendo ya ingeniero diplomado , se convirtió plenamente a la pintura y el 7 de junio de 1905 fundó en Dresde Die Brücker en compañía de de Byeyl, Schmuddt y Hecker ; para entonces el vehemente lenguaje simbólico de Van Gogh había dejado había dejado huella profunda en los cuatro.

En 1908-1909 los fauves entusiasmaron a los jóvenes alemanes, sobre todo, Henri Matisse a quien la galeria Cassirer en Berlín dedicó una retrospectiva que causó sensación. le deslumbró su pintura de colores luminosos  y planos , que adoptó en constantes experimentos y que le enseñó a que la intensidad en la expresión no escapase jamás del control de la creación premeditada .

Consecuentemente, Kirchner terminó convirtiéndose en uno de los pintores europeos más ricos en tensiones del siglo XX . Con el transfondo de esta confrontación artística se comprende que en la obra de Matisse o Kirchner le interesasen , entre otras cosas, de menor  entidad, los componentes estéticamente decorativos.

En medio de las turbulencias y explosiones del  repertorio de Die Brücke que desarrolló en primer término absoluto, nunca dejo de hacer un principio irrenunciable de la estilización serena de la organización de superficies y de clarificación racional del vocabulario simbólico más allá de la expresividad como se desprende de la obra Una artista ( Marcella ).

A principios de 1910 , las hermanas adolescentes Marcella y Frànzi, supuestamente hijas de la  viuda de una artista de variedades vecina de Kirchner , tomaron parte activa en la vida deDie Br ücke 

 Por su desinhibición a la hora de posar desnudas en plena naturaleza, las dos muchachas , con las que probablemente los pintores mantenían no sólo mantenían relaciones platónicas en el taller , como sucedía también con otras jóvenes , se convirtieron en las modelos favoritas.

Este retrato según parece corresponde a Marcella , que entonces tenía quince años Es uno de los cuadros más impresionantes de Kirchner. Se caracteriza por su monumentalidad interior y por su claridad . La pequeña está sentada de una manera espontánea , dobla una pierna y apoya la cabeza en su mano derecha . La distensión y el ensimismamiento definen la situación en la que encajan perfectamente los gestos dormidos de la parte anterior.

El efecto del cuadro, aparentemente sencillo,no debe hacer olvidar su refinada estructura compositiva ni la magistral disposición de las superficies. Los motivos se escalonan en diagonal desde la parte inferior izquierda hacía la parte superior derecha .


La composición adquiere un ritmo elegante en virtud de unas superficies cromáticas lisas, uniformemente extendidas y reducidas a unos pocos tonos intensos, con predominio del verde y también como consecuencia de unos contornos cerrados.

Utilizando un recurso genial Kirchner eligió el punto visual poco frecuente, en diagonal desde arriba . Esta perspectiva acerca al espectador la muchacha , la cual, sin embargo, desvía su cuerpo y se distancia del voyeur, lo rehuye visual y existencialmente.

Mercedes Tamara
25-07-2014

miércoles, 23 de julio de 2014

NATURALEZA MUERTA CON CUPIDO Y CONEJO OSKAR KOKOSCHKA

NATURALEZA MUERTA CON CUPIDO Y CONEJO 1913-1914
Naturaleza muerta con Cupido y conejo
óleo sobre lienzo 90x120 cm
Casa de Arte, Zurich

Oskar Kokoschka nació en Pochlarn, Austria, en 1886. Pasó la mayor parte de su infancia en Viena y se matriculó en la Escuela de Arte y Oficios de la ciudad para estudiar pintura, pero en 1908 le expulsaron a raíz de haber expuesto una obra que no contaba con el beneplácito de la escuela. En esta época, trabó amistad con el arquitecto Adolf Loos , que públicamente le brindó su inquebrantable apoyo. Durante esos años de juventud , además de ser pintor, Kokoschka era poeta y dramaturgo. A él se le atribuye la invención del teatro expresionista . Su primera exposición individual se celebró en la galeria de Paul Cassirer en Berlin, en 1819. Unos años antes de la guerra , Kokoschka vivió entre Berlín y Viena, pero al estallar el conflicto, se alistó en el ejército como voluntario. Fue gravemente herido en combate en el frente ucraniano y pasó su convalescencia en Dresde. En 1919, le ofrecieron ser miembro de la Academia de Arte de la ciudad. En 1831, con el auge del Partido Nacional Socialista , el artista abandonó Alemania y se fue a vivir a Praga. En Alemania declararon que su arte era " degenerado " y prohibieron sus obras . Huyó a Inglaterra en 1938 y solicitó la ciudadania británica . Murió en Montreux , Suiza en 1980.

Oskar Kokochka tenía veintisiete años cuando pintó Naturaleza muerta con Cupido y conejo . Es una de las obras más extrañas y enigmáticas del pintor. Se dice que es una naturaleza muerta, pero casi todo en ella se mueve o tiene la facultad de moverse Pero la ornamentación de una alegoría visual, aunque no se especifica el tema o la historia que se cuenta. Y todavía es más curioso el hecho de que el personaje central y más activo de la composición, el gato atigrado o el joven tigre que está a punto de saltar, no se menciona en absoluto en la obra. .

Como todos los que vivieron en Viena en las postrimerias del sigo XIX, Kokochka había estado leyendo La interpretación de los sueños ( 1900 ) de Freud , y por eso la poesía que elaboraba en la época tenía cierto deje onírico . Estaba plagada de elementos surreales y expresionistas, fantasías aterradoras de dominio sexual y de violencia gratuita. 


Retrato de Alma Mahler 1912-1913
óleo sobre lienzo 63 x 56 cm
Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio



Sus obras de teatro ( piezas cortas como Morder, Hoffnung der Frauen o Asesinos, la esperanza de las mujeres, que más tarde Paul Hindemith convirtió en una ópera ) están pobladas de personajes que han caído presa de sus impulsos animales. Por eso sería sorprendente que no existiera cierto simbolismo en su Naturaleza muerta con Cupido y conejo . Quizás el nexo más obvio sea la relación amorosa de el pintor acababa de dejar con Alma Mahler ( la esposa del compositor Gustav Mahler ) una relación a la que se había opuesto con vehemencia la madre de Kokoschka . La mujer incluso había amenazado físicamente a Alma . No cabe duda que Cupido está desconsolado y parece haberse vuelto de espaldas a la acción.

 El gato ( la innombrable madre, quizá ) se apodera de la escena , mientras que el conejo ( kokoschka )se queda más quieto que un muerto ( ¿ acaso es esta la naturaleza muerta a la que se refiere el cuadro ?) , satisfecho con solo mirar de lejos con aire patético


Mercedes Tamara
23-07-2014

jueves, 17 de julio de 2014

COMPOSICIÓN SUPREMATISTA : VUELO DE AVIÓN KASIMIR MALEVICH

COMPOSICIÓN SUPREMATISTA : VUELO DE AVIÓN 1915
Composición suprematista : vuelo de avión
óleo sobre lienzo 58 x 49 cm
Museo of Modern Art, Nueva York


Kasimir Malevich ( 1878-1935 ) Nació en Ucrania ,pero en 1896 su famila se trasladó a
Kursk, Rusia donde el artista trabajó para la compañía ferroviaria local. Empezó a pintar a la edad de doce años y asistió a la Escuela de Arte de Kiev  desde 1895 hasta 1896. Estudió en Moscú, primero en la Escuela Stroganov de Moscú. Se dejó influenciar por Natalia Goncharova y Michail Larionov. Gracias al contacto con el arte cubista y futurista su obra fue cambiando hasta la no representación total.. Malevich exhibió sus primeras obras suprematistas y publicó un ensayo Del cubismo y futurismo al suprematismo . Se unió a una cooperativa y trabajó junto con otros artistas suprematistas. En los primeros días de la Revolución rusa fue nombrado comisario para la conservación de Monumentos y Antigüedades En 1919 exhibió su obra Blanco sobre blanco en la exposición : " Creación no Objetiva y Suprematismo de Moscú "Abandonó la pintura para realizar estudios arquitectónicos tridimensionales. Más tarde regresó a la pintura figurativa produciendo retratos , paisajes y obras figurativas, a menudo de campesinos. 


Cuando Kasimir Malevich llegó al concepto de suprematismo estaba decidido a negar cualquier referencia a la presencia física de los objetos del mundo material. Así pues, mostró al observador un nuevo lenguaje pictórico, un lenguaje que según él contenía " todo el proceso de construcción del mundo ". Las obras suprematistas de Malevich se expusieron por primera vez en " O 10 ". La Última Exposición futurista ( 1915 ) de San Peresburgo . Su pintura Composición suprematista : vuelo de avión era uno de los treinta y nueve lienzos que exhibió en la exposición . Trece cuadros, rectángulos y lineas en rojo , amariilo ,negro y azul aparecen minuciosamente dispuestos sobre un fondo blanco. Las formas parecen caer y elevarse , quedarse quietas durante unos instantes para volver a elevarse y caer de nuevo, implicando un estado de cambio. Malevich afirmó : " Mi nueva pintura pertenece solamente a la tierra . La tierra ha sido abandonada como una casa ha sido diezmada ". Es precisamente este desafío a la fuerza física más elemental " la gravedad- lo que sitúa la abstracción de Malevich en un plano espiritual ".

Malevich recuperó con frecuencia el tema del vuelo, llegando incluso a comparar su viaje hacía la abstracción con un avión que despega -lo familiar retrocede cada vez más y más hacía el fondo -Par el artista, no obstante ,el vuelo tripulado estaba dirigido no tanto por medios prácticos como por la emoción, por la propia emoción de la velocidad . Incluso llegó a vislumbrar una fusión entre el hombre y la máquina como una extensión natural de la unificación de la humanidad , una unificación de cuya realidad estaba convencido.


PUNTOS DESTACADOS


1.- Fondo blanco .- Malevich presenta un fondo espacialmente ambiguo . Muestra el movimiento dentro de un espacio vacío de color blanco " el verdadero color del infinito · Los fondos neutros eran habituales en la pintura mural y su uso se volvió a popularizarse en el arte moderno del siglo XX.

2,- Paleta restringida.- Malevich reduce su paleta a los tres colores primarios más el blanco y el negro. Estos colores dan lugar a tonos oscuros luminosos e intermedios. El artista usa el blanco y el negro para establecer la imagen principal, después añade el rojo , el amarillo y el azul para acentuarla y doblarla en el espacio. Los semitonos hacen que los contrastes sean menos marcados , además, el valor cromático del rojo empuja al amarillo hacía el interior de la imagen.

3,- Uso de la forma.-Un  detalle de la pintura muestra como el color puede usarse para orquestar relaciones , ilustra hasta que punto la imagen solicita al observador que tenga en cuenta un mundo hecho de unos colores y una geometría puros. El artista prescinde del realismo para obligar al observador a concentrarse en la imagen más grande Elige formas geométricas porque cree que el hecho de representar la sensación así del vuelo mediante formas puras es más realista que pintar la imagen del avión.

4.- Retrato del movimiento.- Aunque esta imagen está compuesta sobre una cuadrícula existe una sensación de movimiento que se logra mediante giros de los ´ángulos entre los diversos componentes de la imagen. a través de la proximidad y de la irregularidad de formas, colocando una diagonal para crear una sensación de tensión .


Bibliografía : " Arte , toda la historia ·
                       Ediciones Blume 


Mercedes Tamara
17-07-2014

miércoles, 16 de julio de 2014

CHARLOTTE CORINTH EN EL TOCADOR LOVÍS CORINTH

CHARLOTTE CORINTH EN EL TOCADOR 1911
Charlotte Corinth en el tocador
óleo sobre lienzo 120 x 80 cm
Hamburger Kunsthalle , Hamburgo







En 1903 Lovis Corinth ( 1858-1925 ) se casó con Charlotte Berend , alumna de la Escuela de Pintura para Mujeres que el pintor había abierto el año anterior en Berlín.  Charlotte veintidós años menor que él, pasó a ser su principal inspiración y su compañera espiritual , así como la madre de sus dos hijos. A Corinth , que pintó muchas escenas domésticas, le gustaba especialmente retratar a Charlotte en sus quehaceres cotidianos de lavarse, vestirse y acicalarse.




En este cuadro, la peina un peluquero a domicilio. La habitación está llena de luz, que reverbera en la tela del vestido y en la bata blanca del peluquero. La pedantería y el envaramiento de este último contrastan con la libertad y la sensualidad , con que Charlotte disfruta de su propia existencia física. La imagen, que capta un momento de felicidad y bienestar totales, transmite una sensualidad gozosa.


A pesar de que Corinth se declaró en contra de la influencia del arte extranjero en Alemania, la obra muestra claramente el impacto que produjeron en él los artistas franceses, sobre todo Edouard Manet. Este cuadro es uno de los setenta y tres que pintó en 1911, un año de asombrosa productividad creativa para el pintor alemán.En diciembre Louis Corinth sufrió una embolia de la que nunca se recuperó por completo, aunque siguió pintando y ocupó un cargo tan prestigioso como el de presidente de Secesión berlinesa, sucediendo a Max Libermann. Con todo quedo parcialmente paralizado y si bien Charlotte continuó siendo el gran pilar de su vida la felicidad sencilla que resplandece en este cuadro se volvió más esquiva.


Mercedes Tamara
16-07-2014





lunes, 14 de julio de 2014

LOS POSTES AZULES N 11 JACKSON POLLOCK

LOS  POSTES AZULES Nº 11, 1952
Los postes azules nª 11
óleo, esmalte y pintura de aluminio con
fragmentos de cristal  sobre lienzo 213 x 489 cm
National Gallery of Australia, Camberra , Australia


Esta obra de Jackson Pollock representa una transición de sus obras creadas a base de dejar gotear la pintura sobre el lienzo - un estilo que alcanzó su momento álgido en torno al año 1950- hacía un estilo que incluía elementos figurativos . El método de goteo de Pollock , consistía en situar el soporte, en este caso un trozo de lienzo sin estirar, en el suelo del estudio y dejar gotear , verter y en ocasiones arrojar pintura sobre su superficie . Para el que presenciaba el proceso este " espectáculo " era percibido como una especie de danza . En sus obras anteriores, el artista había tendido a utilizar una gama limitada de tonos naturales de color pastel. Por ejemplo, la obra Ritmo de otoño nª 30  fue pintada a base de negro, marrón, blanco y gris aturquesado. En Postes azules nª 11 , la paleta abarca colores más chillones, más eléctricos, como por ejemplo el azul de los ocho " postes ".


Aunque la técnica de Pollock surgió para favorecer el azar , el artista insistía en que todo lo que había en sus pinturas era intencionado y meditado. En una ocasión afirmó , " Nada es accidental ". Pollock consideraba que la contemplación de sus pinturas permitía al observador acceder a las reacciones personales e inconscientes al mundo moderno. Pero mientras que las primeras obras de Pollock ,invitaban a la interpretación con final abierto, aquí la superposición de " postes " recuerda a figuras esquemáticas sobre un fondo , una innovación que suscita asociaciones específicas al observador, incluyendo árboles y mástiles, habiendo solo un par de ellos. Como el propio Pollock advirtió el observador debería mirar de forma pasiva e " intentar recibir lo que la pintura le ofrece".

Pollocka atravesaba una y otra vez el lienzo usando esmaltes de diferentes colores y accediendo a él desde diversos ángulos. Como una araña que teje una tela , construyó minuciosamente una red altamente texturada a base de múltiples capas de lineas y colores interrelacionados entre sí. Encima de la telaraña que había construído a base de lineas y pintura aplicada rápidamente. Pollock añadió los elementos estructurales pintados más deliberada y tradicionalmente de los " postes azules ". Las rayas azules no se mezclan con el fondo porque antes se dejaba sacar el lienzo. Frank O´Hara escribió: " Nunca se ha dicho suficiente acerca del dominio del dibujo de Pollock , esa extraordinaria capacidad de acelerar una linea estrechándola , de ralentizarla a través de la inundación ". Esta habilidad es evidente incluso en su forma, aparentemente caótica, de aplicar la pintura.

Pollock empezó a pintar con el lienzo extendido sobre el suelo y no tuvo un borde definido hasta que el lienzo fue enmarcado . Lo que vemos en la pintura es sólo la acción central; los bordes y las esquinas son abstractas, esto es, podrían haber estado más cerca o más lejos del centro.


Mercedes Tamara
14-07-2014

domingo, 13 de julio de 2014

CASA DE MAC ARTHUR : PRETTY PENNY EDWARD HOPPER

 CASA DE MAC ARTHUR : PRETTY PENNY EDWARD HOPPER

LA CASA DE MAC ARTHUR : PRETTY PENNY 1939
La casa de Mac Arthur ( Pretty Penny )
aceite de amapola, blanco de plomo 74,9 x 1'1,6 cm
Smith College Museum of Art  Northampton Massachussets


Esta mansión que recibe el nombre de Mac Arthur´Home " Pretty Penny "es una de las obras más bellas que pintó Edward Hopper. Tardo sólo un mes y medio en crearla  Como la mayoría de las casas es de color blanco y ocupa el centro del lienzo ya que  es de inmensas proporciones A la derecha del cuadro ha pintado un cielo azul intenso ( cerúleo ) con restos de nubes ligeras que ha situado en el extremo superior derecho del lienzo.




La hierba tiene tonalidades diversas dentro de la gama cromática del verde : cadmio,cerúleo y viridiano con franjas de verde azulado más oscuro en las sombras proyectadas en los árboles. Los arbustos que rodean la casa , en su mayoría son de hoja perenne , con una franja de tierra roja asomando por debajo.



Uno de los arbustos que están situados al frente es de color verde pardo y otro arbusto tiene un bello color carmesí en el extremo izquierdo y arbusto ocre tras la valla. Las escaleras son de ladrillo de color rojo en la entrada lateral derecha. La chimenea es de un color rojo vivo. Una pared de un luminoso azul en la habitación  sobre la puerta `principal , que se ve a través de una ventana sin cortinas y las  contraventanas son verdes



Mercedes Tamara
13-07-2014