martes, 28 de julio de 2015

THE BALLROOM MARION PINTO

THE BALLROOM 1976
The ballroom
óleo y acrílico sobre lienzo 244 x 426,5 cm
Museum of Modern Art , Nueva York


En el año 1976, Gregory Dawson, uno de los propietarios de The Ballroom , famoso restaurante . cabaret de Manhattan- que en aquella época estaba el  número 458 de West Broadway - encargó al artista del Soho Marion Pinto ( nacida en 1935 ) que pintara un cuadro del local para ubicarlo allí 

Dawson quería que el cuadro homenajeara a los comensales habituales de su restaurante, responsables de liderar la transformación que llevó al Soho de ser una zona comercial decadente a convertirse en una comunidad artística de moda. Inspirándose en 
El mercado de algodón de Nueva Orleans de Edgar Degas , de Pinto comenzó la obra con un conjunto de fotografías tomadas in situ de los diecinueve agentes de primera linea del universo artístico del Soho que solían cenar en el restaurante. 

A continuación agrupó y organizó las fotografías y creó una composición . El montaje resultante fue trasladado fotográficamente al lienzo y traducido minuciosamente a pintura . El proceso  de realización del cuadro duró unos seis meses . Entre los presentes se encuentran Alos Katz, Larry Rivers y Robert Indiana . El cuadro fue retirado de su ubicación original cuando el restaurante tuvo que cerrar a causa de una espectacular subida de los alquileres 

Mercedes Tamara
28-07-2015

miércoles, 22 de julio de 2015

DESNUDO DE MUCHACHA SENTADA EGON SCHIELE

DESNUDO DE MUCHACHA SENTADA 1910
Desnudo de muchacha sentada
carboncillo y aguada sobre papel 44,8 x 29,9 cm
Grasphische Sammlung Albertina, Viena



La representación de niños fue un tema abordado por numerosos artistas de finales del siglo XIX y principios del XX . Mientras que los pintores impresionistas representaron niños jugando, correteando o merendando alegremente cerca de sus madres, en escenas que ensalzan la vida doméstica burguesa , los simbolistas pintaron maternidades con una fuerte carga melancólica , en donde los niños parecen condenados a la tristeza y al sufrimiento.


Los artistas del Expresionismo abordaron el tema de la infancia con la misma crueldad y el mismo desencanto que cualquier otro de sus motivos pictóricos recurrentes . Sus modelos infantiles aparecen retratados con los rasgos aniñados convertidos en grotescas distorsiones y una expresión apenada , desilusionada se apodera de sus rostros . Es una infancia ajenas a las bellas y dulcificadas formas del impresionismo.

La temática infantil ocupó un lugar particularmente destacado en la obra de Schiele . En sus inicios , solía recurrir a modelos infantiles por motivos económicos . Sin embargo, su afición por las escenas protagonizadas por niños se asienta también en la profunda sintonía afectiva . Él que se definía como un "niño eterno " disfrutaba sobremanera de la compañía de niños , quienes se maravillaban ante las habilidades del artista por reproducir, con asombrosa fidelidad , los sonidos del tren, por ejemplo.

Afín a la poética expresionista , la visión de la infancia que mostró nuestro protagonista poco tiene de arcadia dichosa y floreciente. Solos o en grupos, los niños se presentan generalmente tristes e indefensos , abandonados a su propia suerte.

Desnudo de muchacha sentada presenta a un escuálido cuerpo de una niña que mira hacía delante con sus grandes ojos oscuros . Una linea fina contornea la esquelética silueta de huesudas articulaciones . Sin duda, toda la fuerza de su inocente presencia está aportada por el color blanco de su piel, que contrasta notablemente con la tonalidad base del papel.

Lejos de tratarse de la imagen de un niña fresca y rebosante de vida, la palidez de su cuerpo no sugiere otra cosa que la enfermedad . Con muy pocos recursos plásticos , el pintor consiguió una imagen de una honda expresividad que roza el patetismo . Similares sentimientos de sufrimiento , desamparo y desolación despierta este dibujo

Mercedes Tamara
22-07-2015


lunes, 13 de julio de 2015

SANT SEBASTIA, SITGES JOAQUIN SUNYER

SANT SEBASTIA, SITGES 1909
Sant Sebastia, Sitges
óleo sobre lienzo 50 x 80 cm
Colección privada


Esta pintura resume perfectamente la nueva interpretación que Sunyer hace del paisaje de Sitges , a raiz de su regreso de su población de origen . Después de muchos años de ausencia , el artista representa su tierra de manera absolutamente personal con una gran economía formal , ya que lo que le interesa remarcar es la estructura del paisaje , y, por lo tanto, huye de cualquier elemento embellecedor .

Sunyer , pues, se aleja premeditadamente de la forma real de los elementos que integran este supo paisaje para buscar las lineas esenciales de la arquitectura . Al mismo tiempo pinta la ermita la playa de Sant 
Sebastiá . donde tenía el taller entonces , con una gran austeridad de color , pero consigue darle vida al hacer incidir la luz sobre las montañas desnudas del fondo , las casas de los pescadores y las olas que rompen en primer término . El resultado es una obra de una gran simplicidad formal y de un aparente primitivismo.


Una fotografia el la época que capta ese lugar nos permite comprobar que Sunyer supo representar con gran fidelidad la auténtica atmósfera de ese paisaje de Sitges . Ese lenguaje pictórico tan innovador y tan personal forzosamente tenía que herir la sensibilidad de muchos de los visitantes de la exposición individual que celebró el artista en Barcelona en 1911, la mayoría de los cuales preferían los paisajes postimpresionistas que había realizado en París.

Mercedes Tamara
13-07-2015

domingo, 12 de julio de 2015

HOMBRE MUJER ALLEN JONES

HOMBRE MUJER 1963
Hombre-mujer
óleo sobre lienzo 215 x 187 cm
Tate Collection Londres


En la oleada de artistas pop británicos de la década de 1970 , Allen Jones ( 1937 ) fue el contrapunto heterosexual de David Hockney 
( nacido en el mismo año ) . Mientras que Hockney estaba influenciado por los poetas homosexuales, a quienes citaba de vez en cuando 
( sobre todo Walt Whitman ) , Jones se inspiraba explicítamente en fuentes culturalmente inaceptables ( la revista Bizarre de John Willie ,los cómics  adomasoquistas de Eric Stanton , o las publicaciones 
" solo para adultos " ) , todos las cuales desembocaron en su controvertida apoteosis : las estatuas de mujeres-muebles de tamaño natural realizadas en 1969, ( Silla, Pechera , Mesa )

Stanley Kubrick copió estas obras en La naranja mecánica , su famosa película de 1971. Hombre-mujer forma parte de una serie de cuadros que exploran la idea de transexualidad y la ruptura de los estereotipos sexuales.

Aquí Jones , ilusiona los arquetipos masculinos femeninos , ambos sin cabeza -anticipándose a las obras de Duggie Fields y R Crumb , cargados de similar energía sexual - pero, con sus pautas de colores verde y rojo polarizados , subvierte el estereotipo al vestir al hombre con una camisa roja ( donde el rojo desprende cierto aroma a erotismo , lápiz de labios, colorete, locales de farolillos rojos ) frente a la carne verde de la mujer . La pincelada de Jones carece de amaneramiento , es suelta y libre , los colores vivos y atrevidos 

                                                                               Mercedes Tamara
                                                                                12-07-2015

viernes, 10 de julio de 2015

NIÑO CON PÁJAROS KAREL APPEL

NIÑO CON PÁJAROS 1950
Niño con pájaros
óleo sobre lienzo 40,5 x 40,5 cm
Museum of Modern Art, Nueva York



El artista holandés Karel Appel ( 1921-20016 ) atravesó diferentes etapas en su larga trayectoría tanto en la temática elegida como en la técnica empleada , aunque su obra siempre fue reconocible por los colores vivos , y las características lineas y formas del artista .

En 1948 formó parte de un grupo vanguardista CobBrA, entre cuyos miembros se encontraba Corneille, Asger Jorn y Constant Nieuwenhuys, que utilizaban formas y símbolos primitivos así como la imaginería abstracta y propia del arte infantil. Dicho estilo suscitó críticas fortísimas en los Países Bajos : en 1949 se ocultó durante diez años el mural de Appel Niños inquisidores, ubicado en el antiguo ayuntamiento de Amsterdam , a causa del escándalo público que ocasionó.

El colorista Niño con pájaros , es primitivo en su concepción y abstracto en su forma , pero una vez que se ha asimilado su pauta de color las figuras siguen siendo reconocibles . Appel se vio enormemente atraído por la obra de Vicent van Gogh , sobre todo por su utilización expresionista de color , así como por el uso de lineas muy marcadas , que pueden apreciarse en los cuadros de Joan Miró . En este cuadro quedan patentes ambas influencias

                                                                             Mercedes Tamara
                                                                                10-07-2015

lunes, 6 de julio de 2015

DESNUDO MARC CHAGALL

DESNUDO 1913
Desnudo, Marc Chagall
Desnudo
Gouache sobre papel 34 x 24 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid



Entre 1911 y 1914 Marc Chagall residió por primera vez en París , donde pintó este Desnudo de la colección Thyssen-Bornemisza . El pintor llegó a la capital francesa junto a Leon Bakst , su profesor en San Petersburgo, y, según su propio relato, inmediatamente se sintió seducido por el arte francés: «Bakst le dio un giro a mi vida —escribía Chagall—. Nunca olvidaré a este hombre. En 1911 me invitó a ir con él a París como su asistente, pero allí nos separamos y yo caí en el ambiente de los artistas europeos contemporáneos . En el Louvre, delante de la Olimpia de Manet , de Courbet y de Delacroix , entendí lo que son el arte ruso y Occidente. Me sentí cautivado por el sentido de la medida y el gusto de la pintura francesa» 

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El joven pintor , procedente del lejano y provinciano pueblo judío de Vitebsk , intentó abrirse camino en la entonces gran capital del arte . Hizo amistad con los pintores Fernand Léger , Amedeo Modigliani y Chaïm Soutine y los poetas André Salmon , Max Jacob y Guillaume Apollinaire . En 1913, logró exponer en el Salon des Indépendants y participó en el Erster Deutscher Herbstsalon , organizado por Herwarth Walden en su galería Der Sturm de Berlín, donde un año después se presentaría una exposición individual suya . El año 1913 también aparece inscrito en este gouache junto a la firma del pintor , pero algunos autores consideran que, como ocurre en la mayoría de sus obras , fue seguramente añadido con posterioridad .


Asimismo , en 1913 , en el mes de mayo, se estrenaba en París La consagración de la primavera , la primera producción realmente experimental de los ballets rusos de Diághilev , una obra que unió a dos grandes innovadores de la música y la danza , Stravinski y Nijinski . La relación de Chagall con Bakst , colaborador de los ballets rusos , ha llevado a vincular este Desnudo con la figura de Nijinski , la estrella indiscutible de la compañía, a quien Chagall , según relata en sus memorias, había conocido en la escuela de arte Zventseva de San Petersburgo antes de ir a París . Nijinski introdujo importantes novedades coreográficas que revolucionaron las normas académicas de la danza, unas novedades que pueden tener su perfecta correspondencia pictórica en esta figura dislocada .


Además , como puede apreciarse en esta pequeña pintura, en la capital francesa Chagall se impregnó de las tendencias artísticas europeas sin perder cierto primitivismo o ingenuismo propio de la tradiciones populares rusas . La geometría y desarticulación de este cuerpo masculino desnudo están próximos al cubismo , mientras que el colorido brillante está en relación con la pintura fauve. Por otra parte, si bien nunca logró liberarse de sus orígenes judíos , que saldrán a la luz permanentemente en su obra, la primera intención de Chagall al decidir dedicarse a la pintura había sido liberarse de la tradición del judaísmo hasídico , que consideraba sacrílega la representación de imágenes del hombre. Quizás por ello , Chagall se mantuvo siempre dentro de la figuración y jamás se adentró en la abstracción como la mayoría de sus compatriotas.


La primera propietaria de la obra fue Ida Bienert , residente en Dresde, que se convirtió durante los años veinte en una de las principales coleccionistas de arte moderno en Alemania .

Mercedes Tamara
6-07-2015


Bibliografia :Paloma Alarcó ( autora ) MuseoThyssen.Bornemisza,                                Madrid

miércoles, 1 de julio de 2015

BLAUCHISSEUSE JOAQUIN SUNYER

BLAUCHISSEUSE 1898-1900
Blauchisseuse
óleo sobre tela 46 x 55 cm
Colección privada



Cuando Sunyer se instaló en París en otoño de 1896, los pintores más destacados del modernismo catalán , Casas y Rusiñol, ya habían abandonado aquella ciudad en la que habían forjado su personalidad artística y a las que ya únicamente volverían para participar en los salones oficiales. De alguna manera Sunyer, como otros tantos artistas catalanes de su generación- Canals, Nonell entre otros- tomó el relevo de aquellos pintores . París se convierte en protagonista principal de la producción inicial de Sunyer que, a diferencia de Casas y Rusiñol , prefirió reflejar la vida generalmente bulliciosa de las calles parisienses en vez de los paisajes solitarios de Montmatre 

En esta obra el fondo de las fábricas y las barcazas del canal sitúan la escena en una zona de los suburbios de París . En primer término, dos lavanderas , personajes que llegarían a ser habituales en las pinturas parisienses de Sunyer, adquieren un gran protagonismo . Vestido, en esta oacasión de oscuro con los fardos de la ropa en la espalda o debajo del brazo, solas o con un niño cogido de la mano , configuran un mundo de miseria cotidiana que Sunyer conoció muy bien en los primeros tiempos de su residencia en París y que representó sobre todo en los grabados. Los colores brillantes de las casas del fondo, especialmente el blanco suavizan el punto de sordidez que impregna la escena, fruto del naturalismo adoptado por el pintor en este primer período de estancia en aquella ciudad.

Mercedes Tamara 
1.07-2015

Bibliografia: Sunyer, MNAC