miércoles, 27 de mayo de 2015

LA PELOTA O NIÑA JUGANDO A LA PELOTA FELIX VALLOTTON

LA PELOTA O NIÑA JUGANDO A LA PELOTA
La pelota o niña jugando a la pelota
óleo sobre cartón 48 x 61 cm
París, Museo de Orsay





Félix Vallotton (Lausana, 28 de diciembre de 1865 – París, 29 de diciembre de 1925) fue un pintor y grabador de origen suizo, miembro del grupo de los Nabis que a finales del siglo XIX enlazó las novedades de los post-impresionistas con la nueva generación vanguardista de principios del XX. Aunque no goza del prestigio de su líder Pierre Bonnard, es un nombre asiduo en las subastas de arte y su producción cuelga en los más reputados museos.

Este cuadro se caracteriza por su ingeniosa composición . Al igual que los nabis , Vallontton utiliza grandes superficies de color en las que la niña se perdería de vista si su figura no estuviese vivamente destacada mediante vivos colores.

La muchacha vestida de blanco y con un gran sombrero amarillo , está reproducida desde una perspectiva desacostumbrada , a vista de pájaro , y jugando con dos balones . Uno de ellos muy grande y de un color apenas perceptible , se encuentra a sus espaldas.

La niña se dirige corriendo hacía el otro pequeño y rojo. Al fondo , fuera del alcance de la vista de la muchacha hay dos figuras , una vestida de blanco y la otra de azul . En el contexto del cuadro , estos dos personajes resultan tan llamativos cromáticamente como la niña .

La naturaleza vista desde arriba, ofrece un aspecto especialmente vivo , tanto el frondoso conjunto verde de la derecha con una zona en penumbra , como la misteriosa sombra de la izquierda que casi alcanza a la niña . Mediante todo ello el cuadro adquiere una magia casi de cuento

Mercedes Tamara ( autora )
27-05-2015

Bibliografia : Wikipedia

domingo, 24 de mayo de 2015

MUJER Y VACA BART VAN DER LECK

MUJER Y VACA 1922
Mujer y vaca
litografia
imagen Christie Ulde Dack






Bart van der Leck (26 de noviembre de 1876, Utrecht - 13 de noviembre de 1958, Blaricum) fue un pintor, diseñador y ceramista neerlandés, perteneciente al neoplasticismo. Con Theo van Doesburg y Piet Mondrian fundó el movimiento artístico De Stijl.




Hijo de un pintor de brocha gorda, comenzó su carrera aprendiendo a hacer vidrieras de colores en un taller de Utrecht. Un ejemplo de su obra de vidrieras tardía está en el Museo Kröller-Müller de Hoge Veluwe, Países Bajos.



Después de conocer a Mondrian y van Doesburg y haber fundado el movimiento Stijl con ellos, su estilo se volvió completamente abstracto, como el de Mondrian. Pero pronto empezó a estar en desacuerdo con Mondrian y volvió a realizar cuadros casi abstractos, basados en imágenes reales. Su pintura Tríptico es un ejemplo, en el que transformó esbozos de una mina en España en formas que parecían abstractas. Cuando trabajaba en la mansión St Hubertus, pintó De Ruiter (el Jinete).




La composición Mujer y vaca está realizada con lineas límpias y sencillas, todas representadas con los colores más puros y vivos, el arte Die Stijl ( El estilo ) fue un movimiento artístico holandés fundado en 1917. Este estilo irradia modernidad y claridad en su concepción pictórica. Por consiguiente, es bastante impactante descubrir que está anclado en el misticismo, pero sus adeptos más famosos , como por ejemplo Piet Mondrian , no tenía ninguna duda el arte neoplástico buscaba la verdadera plasticidad - o realidad - ,decía el artista ,lo que indicaba rechazar la falsa plasticidad del individuo.

El detalle individualista , la forma irregular, la sombra del color, todos estos elementos existían en oposición a la verdadera realidad, lo absoluto, lo universal. El ser externo y el ser interno se oponían de la misma forma . Lo externo, aunque no debe despreciar, era insuficiente por si solo y un objeto inapropiado de estudio para el artista : el reto era encontrar un equilibrio entre las dos partes. Tal equilibrio se podría reproducir en un diseño interior e incluso en la arquitectura y en el diseño urbano . Die Stijl ofrecía la visión de Utopía. 

Finalmente , van der Leck se alejó de la doctrina del " arte neoplasticista " , pero permaneció fiel a sus valores estéticos, como podemos ver en esta obra.


Mercedes Tamara ( autora )
24-05-2015

Bibliografia : Wikipedia


jueves, 21 de mayo de 2015

NICHOLS CANYON DAVID HOCKNEY

NICHOLS CANYON 1980
Nichols Canyon
Acrílico sobre lienzo 213, 3 x 152,4 cm
Propiedad particular



Con precisión analítica , el artista mismo describió así este cuadro , grande, alegre y de vivo colorido : " No conocía a mucha gente en Hollywood Hills y cuando uno no conoce a nadie allí tampoco arriba va allá , pues es fácil perderse (...). Sin embargo , cuando se vive en ese lugar , se tiene una vida distinta de Los Ángeles. Primero , todas las serpentinas parecen penetrar la vida y luego también la pintura . Comencé a pintar Nichols Canyon . Tomé una tela grande y pinté una linea sinuosa en el centro , pues exactamente así me parecía la calle.Yo vivía en los montes y pintaba en mi estudio , abajo, en la ciudad . Por tanto iba de un lado a otro, en ocasiones dos o tres o incluso cuatro veces al día. Sentía cómo esas lineas sinuosas se iban convirtiendo en una segunda naturaleza para mí ".

Hochkney inglés de nacimiento , desarrolló-en calidad de pintor , dibujante y artista gráfico - un lenguaje cercano al arte pop , y que sin embargo realmente no puede confundirse con él . Después de que hubiera escenificado al comienzo el banal mundo diario de un modo simbólico y metafórico , en la década de 1970 volvió de nuevo a representaciones más naturalistas.

Por este motivo, Nichols Canyon posee una casi sorprendente "tradicionalidad "que-al menos de lejos- recuerda los paisajes del fauvismo , pero también los del temprano Paul Klee y corrientes relacionadas por lo que se refiere a las transiciones entre estilización y reproducción de la realidad, pero sobre todo al vivo colorido. 

En su propia descripción  Nichols Canyon Hockney resalta el momento del camino y de la linea sinuosa . La calle curvada ocupa consecuentemente el eje central , destacando en la composición, del formato alto , por, así decir , se curva alrededor de este vector virtual. Al mismo tiempo , la cinta negra - o mejor dicho, la estrecha calle- abre el cuadro en dirección a la profundidad , pero no en el sentido de la perspectiva central . En otro lugar, Hockney dice que la perspectiva del punto de fuga del Renacimiento , con la que en los siglos XV y XVI se unió a la fe en un realismo insuperable - se " deshechizó " cada vez más en el siglo XIX , cuando-como dice- " personas inteligentes se fueron dando paulatinamente cuenta de que el espacio se puede representar de otro modo ".

Por tanto, aunque la calle se curva hacía la profundidad que puede verse aquí , sigue despertando asociaciones con aquella que, desde hace siglos , define el espacio con los medios de la perspectiva en la pintura occidental , a los lados de la franja que constituye la calle ofrece toda una serie de perspectivas de punto alto, que se vierten sobre la superficie y que- si se toman juntas- hacen pensar en los 
panoramas a vista de pájaro de los antiguos paisajes universales .
En último término, la composición de Hockney no es un paisaje coherente, sino la adición de impresiones visuales paisajísticas , que resultan del uso de la calle , el permanente cambio de punto de vista , que lleva consigo la superposición de impresiones sensoriales


                                                       Mercedes Tamara
                                                             21-05-2015

Bibliografia : Robert Wolf " Pintura paisajista " Edic Taschen


jueves, 14 de mayo de 2015

LA VENDEDORA DE FLORES DIEGO DE RIVERA

LA VENDEDORA DE FLORES 1942
La vendedora de flores
óleo sobre lienzo 150 x 120 cm
Colección particular




Cuando Diego de Rivera ( 1886-1957 ) pintó esta obra , había terminado una serie de cuadros en San Francisco . Estaba a punto de iniciar una serie de frescos en la Galeria Nacional de México e iba a construir en Anahuacalli, un edificio que albergaría su colección de objetos y arte precoloniales.

Tres años antes , había roto su amistad con Leon Trotsky , a quien había alojado después de exiliarse a México y roto también con su esposa Frida Khalo , aunque volvió a casarse con ella al año siguiente . A decir de todos , Diego Rivera poseía los ingredientes necesarios para ser un gran artista y una gran celebridad . Visto en este contexto La vendedora de flores parece insignificante pero representa la fusión de los principios artísticos y políticos fundamentales que alimentaban la obra de Diego Rivera.

Este estudió con pintores cubistas como Pablo Picasso a quien conoció en París , pero también estaba influído por los muralistas mexicanos , como los revolucionarios David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo cuyo robusto enfoque adoptó para crear un genuino estilo nacional.

Desde el punto de vista político , Rivera fue durante toda su vida un activo miembro del Partido Comunista mexicano y utilizó con frecuencia temas históricos y políticos en sus obras. En este cuadro Rivera muestra un íntimo conocimiento de la revolución mexicana de 1910 y abraza la ferviente fe de su héroe Emiliano Zapata, quien , animó a los campesinos a volver a la tierra que les pertenecía . No deja de ser irónico que estas grandes ideologías y disciplinas se encarnasen en esta figura solitaria de una humilde vendedora de flores mexicana

Mercedes Tamara
14-05-2015

viernes, 1 de mayo de 2015

DOLORETES ISIDRE NONELL

DOLORETES 1910
Doloretes
óleo sobre lienzo 71 x 57 cm
Colección particular


En la exposición del Falanç Català, figuran diversas obras fechadas de Nonell en el año 1910. Teniendo en cuenta que esta exposición abrio sus puertas el 15 de enero de aquel año , es lógico suponer que en realidad Nonell pintó parte de estas obras el año anterior y las terminó justo a tiempo para incluirlas en la muestra . En todo caso eran sus obras más recientes y sin duda tenían un interés especial en dar a conocer las pinturas de esta nueva etapa . Es posible que fuera en esta exposición donde Lluis Plandiura adquiriese la pintura que nos ocupa , ya que en 1915, la incluyó, junto a otras diecisiete telas de Nonell , en la exposición de su colección . Posteriormente esta obra fue adquirida por su primo y socio J. Carreras , que la conservó siempre.



Alexander Plana cataloga dos obras fechadas en 1910 con el título de 
Doloretes- diminutivo catalán del nombre de la modelo - la obra que comentamos y otro lienzo que pertenece a una colección particular de Barcelona . Ambas obras representan a la misma mujer , si bien en posturas distintas , y están pintadas con la misma gama cromática de tonos cálidos -marrones tostados y sienas- sobre la que destacan las manchas multicolores de la blusa , mostrando un extraordinario dominio del color . Su estilo alcanza en este momento una gran maestría , evidente en obras como las que nos ocupa , que sitúa al pintor en un lugar de privilegio en el panorama del arte catalán de la época. 

Mercedes Tamara
1-05-2015

Bibliografia : Isidre Nonell. MNAC

martes, 28 de abril de 2015

EL DIARIO DE SMOLENSK MARC CHAGALL

EL DIARIO DE SMOLENSK 1914
El diario de Smolensk
óleo sobre papel 38 x 50 ,5 cm
Filadelfia , Philadelphia Museum of Art



Marc Chagall (Moishe Segal, ídish—מארק שאגאל; o Mark Zajárovich Shagal, ruso—Марк Захарович Шагал; Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso.


Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.

Chagall realizó muchas obras y la mayoría de ellas poseen unos colores intensos heredados del fauvismo con motivos fantásticos creados por su imaginación desbordante .El diario de Smolensk de 1914 no cumple estos requisitos . Parece ser que se inspiró en el cuadro de Cézanne Jugadores de naipes por la temática . En esta obra chagalliana dos hombres conversan sobre la matanza que amenaza a Europa . El viejo judío apoya sus brazos sobre la mesa con un gesto de preocupación . Piensa quizás en el reclutamiento forzoso impuesto a su pueblo por los regímenes zaristas desde que tiene memoria . Su compañero de mesa tampoco se muestra entusiasmado . Sus ropas y el bombín revelan en él al burgués ; se le ve perturbado , con una mano en la frente .Llama la atención el periódico que situado sobre la mesa aparece roto como si las noticias que hubiese en él fueran excesivamente preocupantes

 Y aunque parece haberse inspirado en la obra de Cézanne ,la intención de Chagall  es la de transmitir congoja y angustia .Para subrayar estos perturbadores estados de ánimo y desesperanza , el artista utiliza unos colores sombríos: el amarillo  que cubre la mayoría de la pintura a excepción de la pared en la que aparece un trozo con pintura de color violeta y unas manchas verdes aplicadas violentamente sobre la ventana y el quinqué . La indumentaria de los dos ancianos es de color marrón lo que confiere al cuadro un aspecto siniestro 



Mercedes Tamara ( autora )
28-04-2015

Bibliografia : Wikipedia

lunes, 27 de abril de 2015

PAISAJE DE SITGES JOAQUIN SUNYER

PAISAJE DE SITGES 1920
Paisaje de Sitges
óleo sobre lienzo 61 x 86 cm
Museo de Arte Moderno de Barcelona




Esta pintura que reproduce un paisaje de Sitges con las montañas de Garraf al fondo - tan habituales en las composiciones de pintor-es una obra de transición entre el estilo más austero y más trabajado de sus producciones de la década anterior y el lenguaje más fácil y aparentemente más atractivo que caracteriza su obra posterior , en la que el artista se interesa especialmente por el color , en el que predominan los característicos verdes de su paleta.


Aunque la obra no está fechada y ,dada la imprecisión de su título no ha sido posible identificación con ninguna de las que aparecen referenciadas en las diferentes exposiciones colectivas  donde participaba el pintor , es muy probable que fuera realizada alrededor dfe 1920 . Esta hipótesis se basa en el hecho de que otro paisaje de Sunyer -colección particular, Barcelona, de características similares a ésta , aparece reproducido en la monografía que A. Plana dedicó al pintor en 1920. Por la tanto, ambos paisajes no pueden ser posteriores a la citada fecha.

En cuanto a la historia de esta pieza , es interesante destacar que en un principio fue comprada directamente al artista por Lluis Plandiura , cuya colección fue adquirida por los Museos de Arte de Barcelona en 1933. Con motivo de la Guerra Civil Española , y con el fin de salvanguardar el patrimonio artístico entonces conservado en el Palau Nacional de Montjuic, la pintura que nos ocupa , junto con toda la colección de los siglos XIX y XX se trasladaron a unos depósitos que se habilitaron para tal efecto en las poblaciones de Olot y Dormius

Mercedes Tamara
27-04-2015

Bibliografia : Joaquin Sunyer , La construcción de una mirada