martes, 18 de agosto de 2015

RETRATO DE LA SEÑORITA CHANEL MARIE LAURENCIN

RETRATO DE LA SEÑORITA CHANEL 1923
Retrato de la señorita Chanel
óleo sobre lienzo 92 x 73 cm
Museo de la Orangerie , Paris


En 1923, la artista francesa Marie Laurencin ( 1843-1956 ) trabajaba en el vestuario y la escenografía de los Ballets Rusos de Serguéi Daguilev . Por aquel entonces conoció a la diseñadora de modas " Coco Chanel y ambas se pusieron a diseñar ropa para Le Train Bleu , que formaba parte de la misma empresa . Laurencin era una escenógrafa reconocida cuando Chanel le pidió que pintara su retrato .En cambio, la mujer que encarnaría el espíritu chic del siglo acababa de establecerse cuando posó para Laurencin.

El traje de Chanel que trastocaría para siempre el modo de vestir de las mujeres, fue presentado al público en 1923, el mismo año en que la pintora realizó este retrato . Laurencin se convertiría en una conocida retratista de la sociedad especializada en mujeres contemporáneas , como Heléne Rubinstein y lady Cunard . En este lienzo , la testaruda modista , en un sensual y soñador aturdimiento, posa con su pomeranio en la falda . 

El animal recuerda a esos retratos del pasado en el que aparecían perritos falderos posando en brazos de cortesanas y viudas ilustres . Con el vestido drapeado cayéndole del hombro y mostrando el seno . Chanel aparece medio desnuda en una imagen erótica. Las lineas suaves, curvas y fluidas , los colores vaporosos y la languidez en el tono son característicos de la obra de Laurencin , pero cuando Chanel vio el resultado ,decidió que el retrato no le parecía lo suficiente y no lo quiso . Laurencin mantuvo una gran amistad con Guillaume Apollinaire ( con quien vivió varios años ) Pablo Picasso y Georges Braque , y aunque expuso con los cubistas, su obra no perteneció al movimiento

Mercedes Tamara
18-08-2015

miércoles, 24 de junio de 2015

MI FAMILIA JOAQUIN SUNYER

MI FAMILIA 1922
Mi familia
óleo sobre lienzo 111,5 x 100 cm
Museo de Arte Moderno, Cataluña





En el interior de la casa familiar de Sitges , que el artista había adquirido en 1920 , poco después de su matrimonio , pintó esta obra en la que figura su mujer con Jaume , el menor de sus hijos en brazos. Victoria , la hija mayor sentada junto a la mesa en actitud de comer ; María Dolores la sobrina de la artista , de la que ésta había hecho un espléndido retrato de pie , y detrás de la niña, en el centro y en el último término de la composición , una mujer que posiblemente debía de colaborar en los trabajos domésticos .

Mi familia puede considerarse un notable exponente de un tipo de pintura que cultivará el artista durante las décadas de 1920 y 1930 , de cariz realista con personajes y escenarios muy vinculados a las raíces de Cataluña. Generalmente estas escenas transcurren en un interior con los protagonistas sentados junto a una mesa, que suele aparecer en primer término de la composición. En este sentido, otra pintura relevante de Sunyer perteneciente a este mismo estilo es 
Familia de pescadores , realizada en 1921 . En la obra que comentamos el artista integra diferentes tipologías - como la maternidad , la mujer en actitud oferente con un plato de frutas en la mano a modo de bodegón, el retrato de una joven algo abstraída de la escena y la figura de una niña- que tratadas aisladamente , centrarán buena parte de la producción del artista 


Mercedes Tamara
24-06-2015



jueves, 14 de mayo de 2015

LA VENDEDORA DE FLORES DIEGO DE RIVERA

LA VENDEDORA DE FLORES 1942
La vendedora de flores
óleo sobre lienzo 150 x 120 cm
Colección particular




Cuando Diego de Rivera ( 1886-1957 ) pintó esta obra , había terminado una serie de cuadros en San Francisco . Estaba a punto de iniciar una serie de frescos en la Galeria Nacional de México e iba a construir en Anahuacalli, un edificio que albergaría su colección de objetos y arte precoloniales.

Tres años antes , había roto su amistad con Leon Trotsky , a quien había alojado después de exiliarse a México y roto también con su esposa Frida Khalo , aunque volvió a casarse con ella al año siguiente . A decir de todos , Diego Rivera poseía los ingredientes necesarios para ser un gran artista y una gran celebridad . Visto en este contexto La vendedora de flores parece insignificante pero representa la fusión de los principios artísticos y políticos fundamentales que alimentaban la obra de Diego Rivera.

Este estudió con pintores cubistas como Pablo Picasso a quien conoció en París , pero también estaba influído por los muralistas mexicanos , como los revolucionarios David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo cuyo robusto enfoque adoptó para crear un genuino estilo nacional.

Desde el punto de vista político , Rivera fue durante toda su vida un activo miembro del Partido Comunista mexicano y utilizó con frecuencia temas históricos y políticos en sus obras. En este cuadro Rivera muestra un íntimo conocimiento de la revolución mexicana de 1910 y abraza la ferviente fe de su héroe Emiliano Zapata, quien , animó a los campesinos a volver a la tierra que les pertenecía . No deja de ser irónico que estas grandes ideologías y disciplinas se encarnasen en esta figura solitaria de una humilde vendedora de flores mexicana

Mercedes Tamara
14-05-2015

martes, 14 de abril de 2015

INTERIOR AL AIRE LIBRE RAMÓN CASAS

INTERIOR AL AIRE LIBRE 1892


Interior al aire libre
óleo sobre lienzo 160,5 x 121cm
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, Barcelona


A finales de 1890, Casas, junto con Santiago Rusiñol, inició su segunda y decisiva estancia en París, que se prolongó hasta 1892, salvo algunos meses que pasó entre Barcelona y Sitges. Los dos pintores compartieron un apartamento en el célebre "Moulin de la Galette", en Montmartre. Durante este período su entonces ya nada despreciable carrera artística iba a alcanzar el cenit. Su lenguaje artístico seguía en la línea del naturalismo que ya cultivaba anteriormente, pero en sus telas, que generalmente transcurren en el "Moulin de la Galette", se observa un cambio indudable en los temas y en las soluciones compositivas, que evidencia el conocimiento de la pintura francesa más avanzada. En las célebres exposiciones que, junto con Rusiñol y Clarasó, celebró en la Sala Parés presentó su producción parisina, que recibió de nuevo toda suerte de reproches. Sin embargo, en 1892 gana una tercera medalla con esta obra en la Exposición Internacional de Madrid. 


El pintor situó la escena en la parte posterior del domicilio familiar, situado en aquel momento en la calle Nou de sant Francesc, en el casco antiguo de Barcelona. En este mismo escenario había representado unos años atrás a su hermana Elisa. En esta ocasión el artista, que generalmente tanto en sus interiores como en las obras pintadas al aire libre solía incluir una sola figura, representó a su hermana Montserrat y su cuñado Eduardo Nieto, tomando café en una tranquila sobremesa. En el acierto de la composición se une un tratamiento excepcional de la luz y el color. Las gamas cromáticas están sabiamente armonizadas bajo el reflejo de la luz de la primera hora de la tarde, que resplandece al fondo del patio, mientras que las figuras quedan en la suave penumbra que proporcionan las persianas.



Excepcional utilización de la luz y el color en este retrato de su hermana Montserrat y su marido en la terraza familiar, muestra de la burguesía catalana. Una luz blanca, amarilla o azulada que también crea espacio al pasar de una primera zona de suave penumbra a un fondo de potente intensidad.


Sin pretender expresar un  valor literario, ni siquiera una anécdota, hecho en el que coincide también con los impresionistas, supo recoger unos interiores, transmitir toda su intimidad jugando con el espacio y apartándose de las normas académicas de composición.

Mercedes Tamara
14-04-2015

Bibliografia : ARTEHISTORIA


lunes, 13 de abril de 2015

AUX AGUETS RAMÓN CASAS


AUX AGUETS 1891



Aux Aguets
óleo sobre lienzo 61 x 50, 3 cm
Fundació Institut Amatller D´Art Hispanic





Ramón Casas     i Carbó. Barcelona 4 de enero de 1866 - 29 de febrero de 1932. Vivió en un periodo de turbulencias para España y se hizo famoso por sus retratos, caricaturas y pinturas de la elite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. También se hizo famoso por sus pinturas sobre revueltas, como el cuadro sobre la ejecución de un manifestante en las calles de Barcelona. Fue diseñador gráfico y sus carteles y postales sirvieron para definir el movimiento artístico catalán conocido como modernismo.


Aux Aguets pertenece al género de retratos con figuras femeninas muy habituales  en la producción pictórica del artista Esta obra transmite una visión intimista en la que cuenta más el escenario que el personaje, hasta el punto de casi esconder los rasgos faciales de la protagonista , el retrato cede ante la importancia del gesto de la mujer que mira sorprendida y expectante hacía la puerta como si estuviese temerosa de encontrase ante un peligro inminente. Sentada sobre un sillón apenas esbozado y vestida con un elegante traje blanco con toques de color celeste  contrasta con una gama de tonos marrones y violetas que aparece por toda la superficie de la habitación .

Esta pintura tiene pocos adornos . Al lado de la protagonista hay una pequeña mesa y sobre ella Casas ha colocado un vaso de cristal transparente La puerta semiabierta de un color violeta deja entrever una brillante luz que brilla como  el sol , junto a las penumbras de tonalidades oscuras que crea una atmósfera inquietante y espectral



Mercedes Tamara ( autora )
13-04-2015

domingo, 12 de abril de 2015

INTERIOR CON FIGURA FEMENINA SANTIAGO RUSIÑOL

INTERIOR CON FIGURA FEMENINA 1890-1892
Interior con figura femenina
óleo sobre lienzo 99 x 200 cm
Colección particular

Santiago Rusiñol y Prats2 (Barcelona, 25 de febrero 1861 – Aranjuez, donde falleció mientras pintaba sus famosos jardines, 13 de junio de 1931), fue un pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana.


Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Se formó en el Centro de acuarelistas de Barcelona y fue discípulo de Tomás Moragas. Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con Ignacio Zuloaga.

Aunque en la producción artística de Santiago Rusiñol predominan los temas de paisajes también pintó algunos retratos en donde la protagonista del cuadro solía ser una figura femenina como por ejemplo, Interior con figura femenina 1890 -1891 La protagonista es una mujer vista de espaldas con las manos entrecruzadas y su cara que  mira hacía ellas con ensimismamiento. 

Se muestra a medio vestir ya que sobre unas enaguas de color rosa se ha puesto una falda muy sencilla de color gris . Parece que se acaba de levantar  Aparecen colocadas sobre la cama en la  que solo se ve la barandilla de la ésta  unas sábanas y almohadas que aparecen a la izquierda del cuadro de un bello color blanco que caen al suelo Al lado de éstas hay  colcha de marrón con unos adornos rojos y azules . La figura aunque está en el centro de la composición queda relegada en importancia por el recurso lumínico del fondo 

 Es habitual en las creaciones de Rusiñol situar una ventana en la que deja escapar la mirada hacía el exterior, destacando la opresión de los espacios interiores frente a la libertad de la naturaleza ya que la protagonista está situada en la penumbra  y la luz ilumina la ventana y parte de las cortinas de un color blanquecino salpicada por unos puntitos azules  No sólo se trata de un recurso compositivo , es también un asunto simbólico 


Mercedes Tamara ( autora )
12-04-2015

sábado, 11 de abril de 2015

LEILA ( PASIÓN ) FRANK DIKSEE

LEILA ( PASIÓN ) 1892
Leila ( Pasión )
óleo sobre lienzo
Colección particular 



Frank B Diksee ( 1853-1928 ) Desde muy joven el artista inglés empezó a exponer en la Royal Academy de Londres, institución con la que mantendría una estrecha relación y de la cual llegó a ser director . Su pintura , de ascendencia prerrafaelista, se hizo muy conocida en las escuelas americanas , gracias a las fluidas conexiones entre las academias de uno y del otro lado del océano. 

En el año 1892 pintó una deslumbrante pintura Leila ( Pasión ) donde una mujer dotada de una gran belleza y sensualidad  se reclina en los lujosos atavíos de un harén elegantemente decorado , el símbolo que define eróticamente al exótico Oriente . Adornada con joyas en el cuello y en la cabeza y vestida con telas de ricas texturas ,medievales y orientales. Diksee utiliza una gama de colores con atrevidos contrastes cromáticos , brillantes ,colores de un rojo intenso con elegantes matices que salpican la lujosa vestimenta 

Suavemente la luz solar filtrada besa la piel perfecta de la mejilla de Leila mientras que las pieles de leopardo adornan cojines haciendo señas con las delicias incalculables que promete la belleza extraordinaria de la joven . Se trata de figuras femeninas vistas por el artista como objetos artísticos de un alto valor decorativo 

Leila representa el prototipo de mujer convencida de su poder seductor y de que no duda de que este poder logrará su triunfo sobre el hombre. Son mujeres bellas y sensuales , seguras de que su fuerza de seducción es letal e implacable.


Mercedes Tamara ( autora )
11.04-2015

Bibliografia : Wikipedia



sábado, 4 de abril de 2015

CRUCIFIXIÓN BLANCA MARC CHAGALL

CRUCIFIXIÓN BLANCA 1938
Crucifixión blanca
óleo sobre lienzo 155 x 140 cm
Chicago, Art Institute of Chicago




Marc Chagall es uno de los artistas más inclasificables del panorama de las vanguardias de principios del siglo XX, porque en su trayectoria son tan importantes las influencias recibidas como las experiencias vitales. Nacido en Vitebsk (Bielorrusia) en 1887, su ambiente rural, sus costumbres tradicionales y la felicidad del núcleo familiar le marcaron profundamente, así como su matrimonio con la encantadora Bella.

Chagall que poseía una gran sensibilidad , intuía los horrores del porvenir ya antes de la guerra , se potenció hasta alcanzar momentos de pánico después del inicio de la contienda . La emigración interior, el refugio en la estrechez personal del arte apolítico El Crucifijo blanco alude al sufrimiento del pueblo judío , como consecuencia de los progroms que sufrió este pueblo por parte  las Juventudes Hitlerianas del partido nacionalsocialista a consecuencia de la  Kristallnacht (Noche de los Cristales Rotos) y las hordas revolucionarias bolcheviques

Ese Dios crucificado con los instrumentos de tormentos tradicionales en las representaciones tradicionales de la crucifixión pero Chagall añade nuevos elementos muy distintos que los que habían reflejado anteriormente pintores de tendencia cristiana. Hordas revolucionarias con banderas rojas asaltan e incendian una aldea . Unos fugitivos gesticulan desesperados y gritan pidiendo ayuda desde un bote . Un hombre con uniforme nacionalsocialista profana una sinagoga . Figuras desoladas intentan en primer plano salvarse de la escena. Ahasvero, el judío errante , sigue su camino, pasando junto a una Tora ardiente. Los testigos del Antiguo Testamento se mecen, lamentándose , delante de una oscuridad que los rechaza. Pero un claro rayo de luz penetra desde arriba e ilumina la salvífica figura del crucificado . 

En este cuadro desapareció toda ironía ; el miedo existencial formuló una patética invocación a la fuerza de la religión, única en la obra chagalliana . Aquí , y quizá solo aquí, el recurso de los trucos de Chagall ya no huele a genialidad impuesta . Y justamente con la integración de escenarios contemporáneos el cuadro gana la atemporal profundidad de los iconos Así pues, el protagonista de este estremecedor cuadro no es el Salvador de los cristianos iluminado por un halo de luz blanca ,sino del hombre hebreo martirizado, pues Cristo mismo también era judío.




Mercedes Tamara
4-04-2015

Bibliografia : Chagall. Edic Taschen 

viernes, 6 de marzo de 2015

ENTRE PERRO Y LOBO MARC CHAGALL

ENTRE PERRO Y LOBO 1938-1943

Entre perro y lobo
óleo sobre papel adherido a un lienzo 100 x 73 cm
Colección  privada




Marc Chagall Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.

Entre Perro y lobo Chagall nos habla desde un mundo irreal e irracional pero lleno de poesía que destilan sus colores intensos debido a la influencia que tuvo el arte fauvista entre otros , de la guerra y de la noche . Por extraña que sea , sin embargo, esta noche no se refiere al extranjero , sino de unos poderes anónimos y desconocidos por los hombres , que determinan su vida . 

El mundo pictórico de Chagall está pleno de motivos simbólicos : así, por ejemplo, el animal , el astro, el niño , el libro , las farolas y las casas se manifiestan de un modo muy profundo , todos ellos ocupan lugares distintos dentro del mismo lienzo .

La sustancia que los colores aplicados de una manera entre expresionista y abstracta evocan mágicamente un universo muy especial . Puede ser el mar, con sus oleajes y corrientes imprevisibles , sus espumas , o también puede aludir al reino de la tierra que está gobernado por fuerzas mentales ocultas , fuentes de la vida vegetal, o puede ser también el aire o la atmósfera con su infinita profundidad donde el artista ha querido mostrar el vínculo que existe entre los seres vivos y las cosas que nos rodean 

Mercedes Tamara ( autora )
6-03-2015

Bibliografia : Chagall, Edic Taschen 


miércoles, 4 de marzo de 2015

BARTOLOMEO VANZETTI Y NICOLA SACCO BEN SHAHN

BARTOLOMEO VANZETTI Y NICOLA SACCO 1931-1932
Bartolomeo Vanzetti y Nicola Sacco
témpera sobre lienzo 214,6 x 121,9 cm
Museum of Modern Art, Nueva York




Es uno de los grandes realistas críticos de la pintura norteamericana de la década de 1930 . Benjamín Shahn emigró en 1906 con su familia a Nueva York . Tras estudiar litografía, realizar estudios de pintura y diplomarse en la Natural Academy of Design , en 1929-1930 compartió un taller con su amigo Walker Evans , que le alentó a la práctica de la fotografía . Muchas de sus fotografías le sirvieron como material para sus cuadros pintados sobre madera y socialmente comprometidos. 

No obstante, en su ciclo de 25 partes La pasión de Sacco y Vanzetti ( The Passion of Sacco and Vanzetti ) de 1931-1932, utilizó material periodístico para llamar la atención sobre un viejo escándalo judicial . Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti eran dos obreros americanos de origen italiano y activos militantes del sindicalismo de izquierdas y habían organizado huelgas y manifestaciones . Procesados en 1920 por un asesinato en el que probablemente no estaban implicados , fueron condenados a muerte tras un juicio extremadamente discutible . Las campañas de protesta y de solidaridad tanto nacionales como internacionales no tuvieron ningún éxito , aunque ciento de miles de personas se manifestaron en contra de la injusta sentencia y exigieron su liberación . Sacco y Vanzetti fueron ejecutados el 22 de agosto de 1927 .

La sentencia y ejecución fueron considerados una acción de Estado que pretendía la eliminación de los extremistas y la intimidación del movimiento sindical. En Bartolomeo Venzetti y Nicola  Sacco los dos acusados aparecen esposados entre sí y con las cabezas en idéntico ángulo de inclinación , aunque Sacco parece mirar directamente al espectador. Vestidos rigurosamente para el proceso con trajes formales, lazos y corbata, Sacco y Vanzetti se sientan en una silla acolchada roja frente a la pared artesonada de la sala . La semejanza con las fisonomías reconocible de la fotografía es evidente, pero la transformación es casi caricaturesca y predominan los elementos gráficos . La inmediatez simplificadora pretenden interesar directamente al espectador , en cierto sentido al modo de un cartel , a lo que contribuyen la intensidad de los colores y la nitidez de los perfiles .Cierta crítica los tachó de " populares como una postal con una caracterización de los personajes más suave que un insulto y unos colores tan frescos como una pieza familiar de arte folk , una guarnición pìntada o un rótulo de taberna ". Los cuadros en cuestión consagraron a Shahn , como pintor; en 1932 el Whitney Museum of American Art eligió uno de ellos para su primera bienal y el mismo año fue invitado a participar en una exposición de pintura mural en el Museum of Modern Art . Colaboró con Diego Rivera en un fresco del Rockefeller Center, destruído en 1933 antes de su conclusión , a causa del retrato de Lenín en él incluído.

El título del ciclo , La pasión de Sacco y Vanzetti, pretendía asociar la persecución y muerte de los dos obreros con el martirio y la pasión de Jesucristo . La representación de Stalin , confirmada por el material fotográfico , adquiere un carácter abierto en virtud de la estructura simplificadora y gracias a la elección del tema que perpetúa el recuerdo de algo que, de no ser así , hubiera caído en el olvido hace mucho tiempo.

Mercedes Tamara
4-03-2015

Bibliografía : Realismo, Edic Taschen

domingo, 1 de marzo de 2015

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE DE MÉXICO DIEGO RIVERA

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE  DE MÉXICO 1929-1935
La conquista española de Mèxico
mural ( detalle )
Palacio Nacional, Ciudad de México



Diego de Rivera ( 1886-1957 ) es quizá tan famoso por su matrimonio con la artista mexicana Frida Khalo ( 1907- 1954 ) como por su obra. Nacido en México , Rivera estudió y viajó por España, Francia, Italia y Rusia. Su estilo estaba influenciado por el cubismo , pero su ardiente comunismo influía en el contenido de sus obras.

Creía que el arte debía tener una función social , lo cual le llevó a implicarse en el movimiento muralista mexicano, que realizó obras narrativas a gran escala para espacios públicos , en la misma linea que los creadores del fresco durante el Renacimiento italiano. Su esperanza residía en que posibiltaría a su pueblo forjarse una identidad cultural y nacional , además de transmitir una ideología política, como hacían los realistas sociales-soviéticos . 

La conquista española de México se extiende alrededor del patio del palacio Nacional de Ciudad de México y es típico de sus coloridos tableaux de acontecimientos históricos . Plasma la visión de Rivera desde la llegada de Quetzalcóatl ( la mítica deidad con forma de serpiente emplumada cuyo regreso creyeron ver los indígenas en la figura del conquistador español Hernán Cortés en 1519 ) hasta la revolución de 1910. 

El detalle aquí mostrado plasma a los españoles masacrando a los indígenas, explotándolos como esclavos , saqueando su oro y abriendo el camino a los misioneros católicos . Teniendo en cuenta su ateísmo , es interesante observar como Rivera plasma a la iglesia en una forma positiva , como protectora de los oprimidos , en la forma de un sacerdote que abraza a niños indígenas agotados y blande un crucifijo ante los codiciosos conquistadores

Mercedes Tamara
3-02-2015

Bibliografia : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo


sábado, 28 de febrero de 2015

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA WASSILY KANDINSKY

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA 1910- 1013
Primera acuarela abstracta
acuarela 50 x 65 cm
propiedad privada



Wassily Kandinsky ideó con posterioridad el título para su obra Primera acuarela abstracta ( Eistes abstraktes Aquarell ). El artista afirmó , también algún tiempo después, que había elaborado la composición en el año 1910 . Entonces Kandinsky tenía ya 43 años pero se encontraba en los albores de su desarrollo artístico , pues a pesar de haber realizado estudios de derecho , había decidido desplazarse a Múnich para estudiar arte a la edad de treinta años. Sus primeras obras están influenciadas por los impresionistas franceses y el arte popular de su país natal , Rusia. En 1910 antes de la primera exposición del colectivo de artistas Der Blauer Reiter ( El jinete 
azul ) , surge el manuscrito del ensayo de Kandinsky De los espiritual en el el arte 
que el artista publicaría dos años más tarde. En este escrito teórico , Kandinsky formuló su idea de la pintura autónoma liberada del objeto que se describe. El arduo camino del artista hacía la abstracción puede seguirse de manera ejemplar si se examinan los lienzos elaborados en los años siguientes : en el proceso de abstracción progresivo, sus llamadas impresiones dieron paso a las improvisaciones , que desembocaron finalmente en las composiciones libres.

Primera acuarela abstracta se revela como un atrevido adelanto de estas composiciones de formas y colores que el artista elaboraría más tarde. Kandinsky manifestó que había pintado la acuarela en el período de la aparición de su escrito : 
" De lo espiritual en el arte ". Sin embargo, tal y como ha podido comprobarse hace algunos años, el artista no realizó la obra en 1910 , sino tres años después. Este tipo de manipulaciones no son raras en el mundo del arte y, por lo general, tienen como objetivo la defensa de las reivindicaciones de la aprioridad de un hecho artístico .
Así, lo que Kandinsky pretendía era justificar las ideas formuladas en su escrito teórico con un estilo artístico surgido supuestamente en la misma época . A su vez, la acuarela le servía como prueba de su afirmación de que él era el inventor de la obra artística abstracta.

Dejando de lado las discusiones relativas al año de elaboración de la acuarela , se trata de una obra singular que transmite un dramatismo fuera de lo común , incluso para un trabajo realizado en 1915. Mientras que los cuadros de gran formato del mismo año todavía presentaban signos alusivos a sus motivos preferidos como caballos y jinetes, cumbres montañosas y campanarios , la acuarela está libre de cualquier asociación figurativa . Tan solo en la parte inferior podría advertirse la presencia de una espalda desnuda de mujer . Sea como sea, los colores se desplazan de forma totalmente autónoma sobre la superficie de la composición. Se expanden a través de todo el espacio sin formar estructuras compactas . La transparencia del color de la acuarela se ajusta perfectamente a la naturaleza de unas formas que se sitúan libremente en la superficie blanca. El dibujo a plumilla negra y los colores de la pintura a la acuarela se mueven de un modo independiente en la superficie de la hoja. El color no llega a formar ningún contorno , En algunos puntos los colores y los trazos originan conglomerados abstractos pero no surge ninguna composición. La distribución de los elementos visuales no obedece a ningún sentido espacial jerárquica . La acuarela se caracteriza más bien por su carácter improvisado , espontáneo. El dinamismo con el que Kandinsky ha aplicado el color puede percibirse en el resultado obtenido . La hoja aparece así transformada en un verdadero torbellino de colores y líneas . Este momento de inestabilidad y agitación dota a la hoja de un carácter propio, también si se la compara con otras acuarelas creadas en el mismo período

Mercedes Tamara
28-02-2015

Bibliografia : Kandinsky, Edic Taschen

viernes, 6 de febrero de 2015

MARIA DOLORS JOAQUIN SUNYER

MARIA DOLORS 1916

Maria Dolors
óleo sobre lienzo 85 x 70 cm
Museo de Arte Moderno MNAC , Barcelona



Joaquím Sunyer (Sitges, Barcelona, Cataluña, 22 de diciembre de 1874 - 1 de noviembre de 1956) fue un pintor catalán, considerado uno de los máximos representantes del estilo novecentista. Fue sobrino del también pintor Joaquim de Miró i Argenter.

En su juventud se trasladó a París, donde conoció el neoimpresionismo, y entró en contacto con Pablo Picasso, Manolo Hugué y el fotógrafo Nadar. Volvió a Cataluña, después realizó un viaje a Italia, y por último, se estableció en Sitges, su pueblo natal. Pintó numerosos paisajes, en los cuales se advierte la preocupación por captar la luz mediterránea por medio del empleo de colores muy claros. Sus composiciones son un ejemplo de equilibrio, si bien sacrifica la perfección técnica en beneficio de un poder de evocación más intenso.


Este es el primer retrato que Sunyer hizo de su sobrina Maria Dolores Bertran Carbonell , que posaría en otras ocasiones para el pintor. Esta obra, conocida también con el título de La niña de la cotorra , define muy bien uno de los lenguajes utilizado por el artista en algunos de sus retratos . Las hermanas Ribas es quizás uno de los primeros ejemplos , la que nos ocupa es uno de los más significativos y además supone la continuidad de ese lenguaje que derivará , ya en los años treinta, en una personal interpretación del retrato y de la figura.


En esta obra Sunyer, en lugar de seguir la linea de Cézanne , que en aquel período se ponía de manifiesto en la mayor parte de sus retratos , se aleja premeditadamente del artista francés para adoptar ese otro camino , aparentemente más sobrio , que le permite conseguir cierta ingenuidad , cercana a la de los primitivos italianos . Para obtenerlo construye superficies sólidas y bien estructuradas , aplica la linea de los contornos con gran nitidez , utiliza la pincelada sin vibraciones y las gamas de tonalidades cálidas y sin estridencias . Asimismo combina armónicamente el color rosado del vestido de la niña con los tonos marrones y verdes del segundo plano de la tela. Cabe destacar también que el artista introduce en Maria Dolors la presencia de un animal-en este caso, una cotorra-como elemento secundario de la composición, tal como había hecho en 1910-1911 en 
La oropéndala . A partir de ese momento Sunyer representará a menudo jóvenes acompañadas de animales .


Mercedes Tamara
6-02-2015

Biografia : Joaquin Sunyer, MNAC , Barcelona

viernes, 23 de enero de 2015

COMPOSICIÓN N 1 JACKSON POLLOCK

COMPOSICIÓN N 1 1912

Composición nº 1
óleo y pintura acrílica sobre lienzo 2.69 x 5.30 cm
Museo de Arte Moderno, Nueva York



La Camposición nº 1 es una obra de dimensiones enormes, de una medida que quiere  imitar un muro de obra. La tela está totalmente cobierta de color en expresión estilística de un absoluto horror vacui que será un elemento característico de la obra de Pollock y de otros miembros del expresionismo abstracto.



Los colores son utilizados directamente tal como salen de los tubos. Pollock emplea colores puros, rojo, blanco, negro, con los cuales forma Iineas que se curvan sinuosamente unas sobre las otras, mostrando un ritmó paroxístico. No hay un motivo que centre la vista deI espectador, sino que se ha de limitar a pasar la mirada por toda la superficie de la pintura. Es una obra total que se ha de disfrutar integramente. Este cuadro es una imagen de una intensidad casi apocaliptica gracias a la rapidez y a la energía psíquica de su ejecución, que son palpables en el cuadro.


Para llenar el lienzo escoge los materiales que le proporciona la industria, barniz, esmaltes, con colores de cualidades timbricas y potentes. La obra se realiza sin un plan previo y, «como el jazz, se construye al mismo tiempo que se interpreta». Lo importante es la inmediatez, el acto de pintar más que el resultado final. No existe, por tanto, un tema, ni un espacio determinado, ni una disposición compositiva, ni figuración. Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto («all over»). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar. 


Aspectos técnicos y estilísticos: 


Para la elaboración de esta pintura, remarcablemente tranparente a pesar de las muchas capas de color. Pollock marca las líneas con un ritmo determinado que controla dejando caer la pintura encima de la tela, colocada directamente sobre el suelo, mediante una lata agujereada o unos pinceles rebosantes de pintura. Es la técnica del «dripping» (gotas y salpicaduras de color), que deja un amplio margen a la casualidad.



La Pintura de Pollock deliberadamente improvisadora, está basada en una expresión irracional y primitiva, de carácter mágico y simbólico, de raices psicoanalíticas, que observa al artista en los ritos de los aborígenes americanos. Otros artistas se inspiran en otras teorías, como Mark Tobey en las enseñanzas del zen oriental. Este arte informal, el expresionismo abstracto, que como corriente estética es la negación de presupuestos figurativos anteriores, manifiesta una gran tensión y un dramatismo destinado a influir decisivamente en la pintura contemporánea americana y europea de entreguerras. Dentro de esta corriente, Pollock, es el creador del Actio Painting, producto de un automatismo violento y gestual, la pintura en acción, donde el hecho mismo de pintar es tanto o más importante que la obra que se realiza. Esta pintura es la expresión de una época marcada por profundos cambios sociales y políticos, por guerras lejanas, como las de Indochina y Corea, y por la experimentación atómica.
Durante la Segunda Guerra Mundial el centro cultural artístico y comercial se desplaza desde Paris y Berlín a Nueva York, una ciudad cosmopolita, abierta a todas las influencias, que acoge a numerosos artistas vanguardistas exiliados del viejo continente. Las tendencias contrapuestas que imperan en Europa en esos años eran la abstracción geométrica y el superrealismo: será en Estados Unidos donde los pintores romperán esa polarización y crearán una pintura totalmente nueva a partir de la fusión de ambos movimientos.


Biografía: 


Jackson Pollock (1912-1956) ya desde sus inicios, con los  dibujos de los años 1939 y 1940 traduce al lienzo el vocabulario  de imágenes virtuales que todo individuo posee de forma  inconsciente. El psicoanálisis de Jung y la obra de Picasso, un Picasso que  Pollock conoce a través de la retrospectiva del MOMA de 1939,  así como el descubrimiento del arte aborigen, en especial de la  pintura de arena practicada por los indios norteamericanos,  llevaron a Pollock a concebir la pintura como resultado de la  experiencia vital del artista, casi como una radiografía del  propio yo. No todo, sin embargo, era improvisación, rapidez.  Después de una primera fase de automatismo, procedía a una fase  de reflexión en busca de la coherencia y unidad que garantizaban  la vida de la obra de arte.



En todo el proceso creativo de Pollock, mucho más importante que  las técnicas utilizadas, o incluso que el propio resultado, era  el método de trabajo. El mismo Pollock ha descrito en más de una  ocasión su peculiar manera de enfrentarse al cuadro; Pollock,  por ejemplo, nunca trabajaba sobre el caballete, sino sobre el  suelo, para poder así estar literalmente dentro de la pintura;  además, eliminaba las herramientas típicas del pintor, como el  caballete, la paleta y los pinceles, sustituyéndolos por  varillas o cucharas, y usaba como material una pasta espesa  mezclada con arena y vidrio molido. Además, Pollock fue el  primer pintor de la época que trabajó por impregnación en la  tela cruda, procedimiento que tuvo gran repercusión no solo  entre los artistas de su generación, sino también de la  generación posterior, la de la abstracción pospictórica. Pollock pasa por un inicial período figurativo —obras de 1936 y  1937, con una clara predilección por los valores matéricos y  cromáticos— influido por la pintura mesiánica de Orozco y  Siqueiros y, posteriormente, por Picasso y por los surrealistas  (Ernst, Miró, Matta), pero alrededor de los años 1938 y 1939  renuncia a las influencias foráneas, especialmente las europeas.  Por estos años descubre la forma de expresión irracional y  primitiva; los ritos y las imágenes totémicas de los aborígenes  americanos alimentan su obra, que queda imbuida de carácter  mágico y simbólico. A partir de 1946, con la introducción del  dripping, Pollock se impone como maestro de la concepción  gestual característica de la action painting.

Hasta 1951, coincidiendo con su período en blanco y negro,  realiza un gran número de telas abstractas de gran formato;  cuadros all over, sin centro, dominados por el color y por la  inmediatez de ejecución, de gran tensión y dramatismo y de un  poderoso ritmo vital, respuesta a sus emociones. Desde 1953  hasta su trágica muerte, en 1956, Pollock abandona el dripping y retorna a la primitiva figuración expresionista, con una  adopción de antiguas temáticas relacionadas con los motivos  totémicos de los años cuarenta. La influencia de Pollock, uno de  los artistas de esta generación que con su obra ponía de  manifiesto las preocupaciones estéticas de su tiempo, se dejó  sentir en sucesivas generaciones tanto en América como en  Europa.


El camino ya estaba abierto. Pollock había revitalizado la  pintura abstracta americana en las vías del gesto, de la acción,  de la energía y de la pasión dramática. Tanto él como los  seguidores de esta corriente —De Kooning, F. Kline, Ph. Guston,  J. Brooks, B. W. Tomlin— creían que era la propia necesidad  interna, la misma que Kandinsky imploraba en su De lo espiritual  en el arte, la que dictaba todo el proceso de pintar

Mercedes Tamara 
23-01-2015

Bibliografia : Wikipedia
                  Jackson Pollock, Edic Taschen