sábado, 30 de noviembre de 2013

KRUMAU DEL MOLDAVA EGON SCHIELE


KRUMAU DEL MOLDAVA 1913-14
Krumau del Moldava
óleo sobre tela 99, 5 x 120, 5 cm
Leopold Miseum , Viena






A principios del siglo XX , la acelerada modernización que habían experimentado ciudades como París, Berlín o Viena se vio sometida a intensos debates en ciertos sectores de la sociedad . La imparable industrialización, la reedificación de los núcleos históricos y la ampliación de redes viales cambiaron profundamente la estructura urbana y con ello, modificaron la percepción que sus habitantes tenían de ella. Un vasto grupo de habitantes recibió con entusiasmo los beneficios de la urbanización , pero otros sectores- en particular algunos grupos intelectuales y artísticos se mostraron desconfiados de un mundo cada vez más tecnificado. Buscaron maneras de evadir esa realidad y soñaron con una vida natural y más auténtica, lejos de las urbes desarrolladas.




La huida de la gran ciudad unida a la glorificación de la vida rural fue una práctica que hacía el 1900 compartían muchos personajes del ambiente artístico europeo en rechazo de la precipitada urbanización. Paul Gauguin, el precursor se había escapado en los últimos años del siglo anterior a las remotas tierras de la Polinesia. Ya en el nuevo siglo, los pintores expresionistas alemanes de el grupo " El Puente "
realizaron excursiones a los lagos de Moritzburg, cerca de Dresde, , donde pretendían recrear una forma de vida pura y libre . En Austria, el famoso Gustav Klimt adoptó la costumbre de pasar largas temporadas estivales en los alrededores del lago Atter; en la región montañosa de Salakammergut, alejado del bullicio urbano y de sus compromisos en la capital.




Schiele tampoco abrazó la corriente modernizadora de los nuevos tiempos . Desde joven manifestó su incompatibilidad con la gran urbe que era Viena y buscó en los poblados de provincia , pequeños y aislados, un lugar donde sentirse más a gusto . Prefería la ciudad antigua e histórica que había ido creciendo a lo largo de los siglos armónicamente con la naturaleza alrededor. Encontró en Krumau , una pintoresca localidad al sur de Bohemia , fronteriza con Austria, el ideal del pueblo viejo , desmoronado y congelado en el tiempo . Este es el lugar que encontró más afín con su propio talante anímico.




Krumau, simbolizaba para Schiele la antitesis de la vida en la gran ciudad y planeó en 1911 , instalarse allí de manera definitiva . Sin embargo, el pintor no pudo hacer frente al conservadurismo provinciano y, después de dos meses de estancia se vio obligado a abandonar el lugar tras recibir ataques por su obra y por el tipo de vida que llevaba junto a su compañera Wally Neuizil.




Aunque nunca vivió en Krumau, este pueblo inspiró la mayoría de los paisajes urbanos que pintó. Suscitaba en él sentimientos de decadencia, deterioro y melancolía , por ello, las ciudades que pintó aparecen siempre determinadas por su propia emotividad , no exenta de cierto romanticismo . Lejos de tratarse de vistas descriptivas y topográficas de un lugar determinado, las ciudades de nuestro pintor , son representaciones metafóricas de su estado anímico.




Krumau del Moldava muestra una de las típicas vistas que Schiele pintó en Krumau . Desde una posición elevada , representó este grupo de casas que se extiende sobre el Moldava , en el sector inferior del lienzo, hasta la plaza del Ayuntamiento en el sector superior. Excepto por dicha plaza , el resto de la imagen se compone libremente sobre la base de apuntes que el pintor tomó en el lugar. La anónimas casas se amontonan entre sí y apenas dejan vislumbrar las estrechas callejuelas del barrio . Los muros aparecen inclinados y los tejados están deformados. Las casas se han representado con unas ventanas pequeñas y con colores inventados con mucha imaginación.




A diferencia de anteriores versiones de Krumau , donde el poblado aparece envuelto bajo un manto de oscuridad, casi tenebrosa, como en Ciudad muerta III, aquí la débil luz del crepúsculo atenúa ligeramente la sensación de tragedia y pesimismo . En este ejemplo, Schiele introdujo una paleta cromática rica en contrastes. Un colorido más vivo- a base de amarillos y rojos intensos- se advierte en muros, puertas y chimeneas , que contrasta con el marrón dominante de los tejados y con el negro oscuro del río. Sin embargo, a pesar de este juego cromático, la atmósfera de esta ciudad se percibe aún apesadumbrada y desolada, carente de energía vital




Mercedes Tamara

30-11-2013



Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

domingo, 17 de noviembre de 2013

MADRE CON DOS HIJOS III EGON SCHIELE

MADRE CON DOS HIJOS III 1915-17
Madre con dos hijos III
Óleo sobre tela 150 x 158,7 cm
Osterreichische Galerie Belvedere , Viena





Este trabajo estuvo precedido por varios bocetos y estudios, muchos de ellos conservados en los cuadernos de apuntes del pintor . Comenzada y prácticamente terminada en 1915 , Schiele continuó retocando esta obra en los años siguientes . Entre 1916 y 1917 cubrió los pies de la madre con el vestido, retocó el fondo y añadió flecos a las mantas de los niños . También completó la ornamentación de los trajes infantiles y de los cobertores amarillos . La firma, abajo y en el centro, refleja la fecha de finalización de la obra.




Este óleo constituye la tercera y última versión del tema de la madre con dos hijos,serie en la que nuestro pintor trabajó en 1915 .Esta nueva maternidad carece de  carácter trágico y fatalista de las anteriores versiones del tema, como muestra el inacabado lienzo Madre con dos hijos II , en el que el rostro femenino recuerda una calavera y uno de los niños yace muerto sobre el regazo de la madre. En Madre con dos hijos III la presencia amenazante y siniestra de la muerte ha desaparecido . Sin  embargo, el sentimiento de tristeza todavía se advierte en la expresión de los rostros y en la tónica general de la escena. Los colores vivos y luminosos no logran disipar completamente los elementos pesimistas de este grupo familiar.









Madre con dos hijos II, 1915
óleo sobre lienzo 149x 160 cm
Leopold Museum, Viena







El rostro de la mujer con las mejillas demacradas y una extrema palidez, aparece afligido. Cubierta por un hábito de monja, parece abatida en dolor y desolación. Rodeados de almohadillas o matas de color naranja intenso y enfundados en unos folklóricos ropajes, los pequeños se asemejan a muñecos. Las posturas o los movimientos de sus brazos son toscos. Ubicados frente a frente, los niños encarnan dos respuestas antitéticas pero complementarias, ante la vida del niño de la izquierda permanece pasivo , estático y ciego a la vida; el de la derecha parece ser más activo , despierto y con los ojos abiertos , sugiere volcarse a la vida . La madre, en un segundo plano, tiene aspecto de estar más próximo a la muerte.El fondo oscuro y monocromo , de una negrura abismal, aplaca el sentido decorativo y optimista del cromatismo que envuelve a las figuras infantiles. La telas a rayas multicolores muestran la predilección que sentía el pintor por el arte popular y sus colores vivos . Fascinado por el arte popular local, nuestro protagonista realizó un diseño para un bolso para su esposa Edith que se cree, inspiró a la vez lapresente obra.


En lo que respecta a la composición y a su estructura piramidal este trabajo se se asienta en la obra del mismo título que Gustav Klimt pintó hacía 1909-10, aunque tanto en el estilo como en la expresión, ambas obras resultan completamente diferentes . A pesar de que el grupo maternal de Klimt se encuentra sumergido en una profunda y misteriosa oscuridad, la escena transmite la extrañeza y amargura que transmite la obra de Schiele.


Como modelo para la figuras de los niños, Schiele se sirvió de su propio sobrino Anton " Toni " Pescha, que había nacido en 1914 . Parece ser que, cuando el pequeño Toni se ausentaba , Schiele pintaba valiéndose de una muñeca. También recurrió a su núcleo familiar para la figura de la madre, que estuvo inspirada por la propia madre del pintor Marie Soukup. Esto demuestra que para está época la relación entre madre e hijo había empezado a mejorar. A pesar de estas referencias autobiográficas, esta pintura no debe considerarse un retrato de familia. Aunque las circunstancias personales siempre sirvieron de base e inspiración a Schiele , sus pinturas alegóricas nunca fueron explicítamente autobiográficas. Con esta maternidad el pintor propuso una nueva reflexión en torno a lo inexorable del destino humano y a la proximidad de la extinción definitiva, se trata de una reflexión más sobre el ciclo de la vida.


Mercedes Tamara
17-11-2013

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

sábado, 16 de noviembre de 2013

MUJER SENTADA CON LA RODILLA EN ALTO EGON SCHIELE


MUJER SENTADA CON LA RODILLA EN ALTO 1917
Mujer sentada con la rodilla en altocarboncillo, aguada y acuarela sobre papel 46x 30,5
Nârodi Galerie, Praga






Los dibujos dedicados a la figura femenina que Schiele realizó en 1917-18 son tan sinceros como siempre, pero su urgencia sexual había desaparecido . Aun cuando las mujeres miran directamente al espectador, su mirada ya no molesta  ni inquieta. La lujuria y la agresiva desnudez han dado paso a la ternura y melancolía.




Esta obra consiste en una excelente muestra del nuevo tratamiento que el pintor otorgó a la mujer durante los últimos años de su vida, así como también revela la orientación más naturalista que su arte mostró en ese período .Este trabajo presenta una visión menos dramática de la mujer. Tanto en la expresión del rostro como en la pose de su cuerpo , la protagonista presenta una actitud serena y directa.




La figura aparece representada en un acentuado escorzo, con sus manos rodeando la pierna izquierda, que levanta para apoyar su cabeza en ella. Su dulce e inocente  mirada se dirige al espectador. Asimismo, la modelo presenta un rostro más individualizado y menos distorsionado, tratado de manera más naturalista que las figuras que protagonizan dibujos de los años juveniles .Esta mujer se percibe como una figura humana y real.




Con los años , la linea de Schiele se ha vuelto más suave y grácil. En este dibujo , el manejo de la linea tiende a acariciar y no atacar o lacerar el cuerpo femenino. Es una linea piadosa, ya no incisiva. El trabajo del color muestra un atractivo pero sobrio juego cromático. Ante un fondo neutro , que conserva la tonalidad original de la lámina, destacan el color rojo del cabello, el verde de la camiseta y el negro de las medias largas.




Aunque este trabajo, probablemente la obra más reproducida de Schiele , suele aparecer bajo el título Mujer del artista ,parece ser que la mujer que posó para esta obra no fue la esposa del pintor, Edih Harms , sino una de las modelos que éste empleó en los últimos años de actividad.




Esta sobria composición, en la que no hay lugar para las exageraciones formales ni para el exhibicionismo erótico-sexual, se convierte en una de las más notables de la última época del artista



Mercedes Tamara

16-11-2013


Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa



martes, 12 de noviembre de 2013

PARED DE UNA CASA ( VENTANAS ) EGON SCHIELE

PARED DE UNA CASA ( VENTANAS ) 1914

Pared de una casa ( ventanas )
óleo y tempera sobre tela 110 x 140 cm
Osterreichische Galerie Belvedere , Viena





En esta obra difiere claramente de numerosos conjuntos de paisajes de pequeñas ciudades que Schiele pintó. Mientras que la gran mayoría de aquéllos consisten en panorámicas urbanas en las que, desde una posición elevada , se capta una visión amplia del espacio , este trabajo es una vista parcial, sumamente aproximada, de un detalle urbano. Esa ave rapaz que sobrevuela gran parte de las vistas urbanas del pintor se detuvo aquí frente a una fachada anónima . Ahora, el ojo de Schiele estudió atentamente el exterior de una casa.




En esta vista, el muro blanco ocupa todo el espacio pictórico. La horizontalidad del formato está reforzada por la articulación del muro mediante dos hileras horizontales de tejas y cuatro filas de ventanas. Éstas se distribuyen por el espacio en intervalos diferentes. Pequeños toques de rojo, azul, verde, malva y amarillo destacan en esta fachada blanquecina.




La asimétrica disposición y la alternancia de forma y color de las ventanas otorgan al muro un juego rítmico de connotaciones musicales. Curiosamente, esta composición se asemeja a un pentagrama: las hileras de tejas hacen de lineas de éste y las ventanas son las notas musicales . Esta rítmica articulación de los objetos sobre la pared otorga animación y movimiento a la imagen.







La casa del guardabosque ( Gustav Klimt ) 1914
óleo sobre lienzo 110 x 110 cm
Colección privada







Tanto por el motivo elegido como por el encuadre fragmentario , este trabajo guarda relación con un paisaje de Gustav Klimt La casa del guardabosque . La comparación entre ambas obras permite, una vez más, apreciar sus diferencias estilísticas y conceptuales de los dos artistas a la hora de pintar un motivo similar.



En ambos casos, la fachada de una casa se ha representado desde un punto de vista muy cercano pero, mientras la casa de Klimt rebosa frescura y vitalidad gracias a la dominante presencia de las verdes plantas trepadoras que cubren la pared lo de Schiele se muestra en proceso de deterioro. En la obra de Klimt, enredaderas, flores y arbustos cobran un gran protagonismo. Schiele, en esta escena, prescindió de todo elemento orgánico : no hay flores ni arbustos ni ningún elemento natural que embellezca la obra , eliminó todo aquello que podía dotar de vitalidad la imagen de aquél.




La de Schiele es una fachada envejecida, con las paredes descascarilladas y las ventanas desvencijadas. El vibrante entretejido cromático de La casa del guardabosque de Klimt, se tradujo en la ruinosa apariencia de la anónima Pared de una casa del joven artista . En definitiva, como tantos otros motivos pictóricos ,Schiele concibió este muro como símbolo de decadencia



Mercedes Tamara
12.-11-2013


Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

viernes, 8 de noviembre de 2013

ARRABAL I EGON SCHIELE

ARRABAL I 1914
Arrabal I
óleo sobre tela montada sobre tabla de aglomerado 101x 120,3 cm
Staatsgalerie Stuttgart , Sttuttgart



Schiele no se identificó con la euforia modernizadora que vivió Viena a principios del siglo XX . A diferencia de muchos artistas europeos contemporáneos a él-como a los futuristas italianos o los cubistas franceses-el pintor vienés no se sintió atraído por la gran ciudad y la vida moderna. No eligió la gran urbe , símbolo de la modernidad, como tema de sus paisajes urbanos , sino las pequeñas ciudades antiguas o los barrios periféricos empobrecidos.


En sus vistas urbanas no existe la industrialización . No aparecen fábricas , ni chimeneas humeantes, ni construcciones de hierro. En ellas no se advierte ninguna huella de la industria moderna. Los lugares que representó han quedado al margen  de toda urbanización .


Arrabal I constituye uno de los ejemplos más representativos de las preferecias de Schiele por representar los pobres suburbios de la ciudad . Los márgenes donde habitaban las clases bajas y proletarias . Aunque no tuviera una intención narrativa  o informativa , el pintor no pudo evitar referirse en este trabajo al proceso de configuración urbana y social que había experimentado Viena hacía 1900. Al igual que otras capitales europeas en expansión, la acelerada urbanización y la reconstrucción de zonas centrales modificaron la estructura de la capital austriaca y arrastraron consigo lugares tradicionales e históricos. Los ambiciosos programas cívicos como la edificación de la majestuosa avenida anular Ringstrasse- habían ensanchado los límites de la ciudad, pero no con ello se había podido disimular la pobreza y los sectores marginales que crecían en la periferia .


Esta obra reproduce de manera muy convincente la sensación de desamparo, abandono, y aislamiento que suscitan los espacios que han sido excluidos de toda urbanización. Aquí, el terreno se percibe fangoso e infértil como signo de escasez. Esta ya no es una ciudad compacta , amalgamada . Las manzanas de casas están aisladas unas de otras y se disponen en el espacio de manera casi azarosa, sin mucho criterio. Los postes rojos se distribuyen por el terreno en sentido vertical y horizontal , como si intentaran delimitar áreas e imponer cierto orden en un espacio que ha sido abandonado a su propia suerte.


Además de las connotaciones simbólicas que evoca, esta vista urbana destaca muy especialmente por su cualidad constructiva, determinada por las franjas horizontales que articulan el espacio pictórico. Esta peculiar organización estratificada del espacio es una característica distintiva de la producción paisajística de nuestro pintor en 1914,como puede comprobarse en obras como Casas con ropas colgando ( Barrio periférico II ) y Casas sobre el río. Este recurso de las bandas paralelas tuvo su punto de partida en las terrazas de viñedos de Stein, que el pintor observó y pintó en 1913, pero en Arrabal I tales estrías no sólo implican al terreno sino también al río en primerísimo plano-y al cielo en el plano del fondo.


La solución de articular el espacio en bandas horizontales produce un efecto de aplanamiento y otorga un valor decorativo a la imagen. El sentido ornamental y constructivo de estas bandas horizontales iba a reaparecer en algunos paisajes pintados por Gustav Klimt y muchos años más tarde, en las pinturas del también austriaco Fiedrich Hundertwaser ( 1928-2000) quien iba a estar profundamente influenciado por los paisajes que nuestro protagonista había pintado hacía los años 1913- 14.


En conclusión, Arrabal I es una obra que se debate entre los aspectos simbólicos y constructivos. Se trata de un trabajo en el que el pintor quiso manifestar su profunda visión del entorno urbano sin descuidar las cuestiones compositivas de la imagen que, como siempre en Schiele , resultan muy innovadoras.


Mercedes Tamara

8 -11-2013


Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa


jueves, 7 de noviembre de 2013

DESNUDO FEMENINO EGON SCHIELE

DESNUDO FEMENINO 1910

Desnudo femenino

carboncillo , acuarela y aguada sobre papel 44,3 x 30,6 cm
Graphische Sammlung Albertina, Viena
de




Tras renunciar a la formación académica y después de trabajar bajo el influjo de la Sezesión vienesa, 1910 fue el año en que la manera expresionista empezó a dominar el trabajo de Schiele.
Este dibujo exhibe unas cualidades claramente expresionistas . Aquí color y forma producen un estallido visual que resulta muy impactante. A su vez la mutillación del cuerpo , el intenso contraste entre los colores-particularmente entre el blanco del contorno y el marrón claro del fondo y la piel, la salvaje cabellera en punta y las rudas pinceladas blancas que envuelven el desnudo, otorgan a esta figura un efecto realmente inquietante y agresivo. Este explosivo contorno del color blanco ,un recurso empleado frecuentemente por el pintoren este período, acentúa la cualidad expresionista de la imagen y confiere una mayor intensidad a la presencia física del personaje.
Schiele ubicó este cuerpo desnudo ocupamdo casi toda la superficie de la lámina, logrando así una mayor proximidad al espectador con la figura. Su insinuante postura, con el vello púbico bien festacado y su mirada somnolienta resultan muy sugestivas . Pero, al mismo tiempo, las distorsiones que Schiele introdujo en esta mujer producen una extraña sensación de repulsión. Por ejemplo, brazos y piernas han sido mutiladas- las piernas están solamente sugeridas y de ellas destacan los extremos de las medias y la mano,desmesurada y esquelética, sale por detrás de forma misteriosa y parece no pertenecerle.
En el ámbito artístico vienés , esta nueva manera de tratar el desnudo femenino resultó muy polémica. Las representaciones de desnudos de Schiele no transgredieron las ideas de decoro y pudor sólo por presentar cuerpos desvestidos y la mayor controversia radicó en el lenguaje formal adoptado por el pintor no se correspondía con la tradicional idea de belleza , ni con aquella convención orientada hacía un naturalismo en el desnudo, ni con los ideales sezesionistas de estilización y delicadeza en el ambiente cultural austriaco de principios de siglo.
Schiele compuso este desnudo con un enfoque claramente antiacadémico y anizesecionista. En este trabajo la virulencia de las pinceladas, la agudeza de las lineas del contorno, las deformaciones que afean la anatomia femenina, la pose poco convencional y  la desinhibida presentación de los atributos sexuales de esta mujer constituyen algunos de los elementos del nuevo lenguaje formal y expresivo que nuestro pintor estaba consolidando por estas fechas.
Mercedes Tamara
7-11-2013

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

miércoles, 6 de noviembre de 2013

DOS NIÑAS EGON SCHIELE

DOS NIÑAS 1911

Dos niñas
acuarela y lápiz sobre papel 40 x 30,6 cm
Graphische Sammlung Albertina, VienaAñadir leyenda



La producción de Schiele es abundante en imágenes de niños . Desde bebés recién nacidos , bosquejados en las salas de hospitales , hasta jovencitas preadolescentes venidas de los suburbios de Viena, su producción muestra una predilección por la temática infantil.




El pintor sentía una profunda identificación con los niños y los encontraba más accesibles y menos intimidantes que los modelos adultos. Y un aspecto de no menos importancia para nuestro pintor que en sus inicios apenas tenía con qué sobrevivir los niños humildes aceptaban posar para él por unas pocas monedas.




Emulando a su coetáneo Oskar Kokoscha , en sus inicios solía visitar los barrios proletarios de Viena en busca de niños y los invitaba a su taller un refugio más seguro que la calle o el propio hogar . Existen anécdotas de amigos suyos que se refieren a su estudio siempre lleno de críos. En 1910 Egon dedicó al tema de los niños de la calle varias pinturas . Estos niños de modesta condición social, eran retratados sin una mirada crítica hacía su situación de clase . Al pintor le movía la nostalgia por la inocencia perdida.




Aunque Schiele no tenía ningún pudor en mostrar a sus modelos infantiles en cuerpo desnudo tuvo especial interés en retratar desnudas a niñas que se encontraban en el umbral de la pubertad, muchos de sus dibujos dedicados a niños , como el que aquí se comenta , resultaron ser bastante recatados y castos. Dos niños es un trabajo sincero y tierno. El pintor representó a las pequeñas con la sensación afectuosa del mundo infantil que sentía un artista que se describía a si mismo como un niño eterno,puesto que era como se consideraba . Los colores rojos y azul se utilizaron para contrastar las dos figuras. La acuarela , aplicada muy superficialmente, reellena las áreas previamente dibujadas.




Schiele sentía miedo a crecer, envejecer y morir, y sus imágenes de niños deben leerse como un solaz de remanso y calma, o la evocación de un mundo perdido : el de la infancia.

Mercedes Tamara

6 -11-2013


Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

martes, 5 de noviembre de 2013

INTERIOR VERANIEGO EDWARD HOPPER


INTERIOR VERANIEGO 1909
Interior veraniego
óleo sobre lienzo 
61 x 73,7 cm
Nueva York : Collection
Museum of American Art




La tiranía de la intimidad es un tema recurrente en muchas pinturas de Hopper . Tiene una gran sensibilidad para captar el momento en que la interacción social con el individuo se convierte en un espectro . En esta pintura Hopper retrata la soledad más absoluta ,algo que no sólo caracteriza a la sociedad americana , sino que se extiende a las grandes urbes de todo el planeta .

Son personajes estoicos , aislados que se encuentran perdidos e incomunicados allá adónde vayan ,lo que  estos cuadros presentan paradigmáticamente lo recoge Hopper bajo el ángulo de la visión de la modernidad avanzada . A propósito de esto ,cabe recordar que ya los cuadros románticos se han perdido en el horizonte de Hopper  y , a cambio nos ofrece una representación visual del interior  que conduce al espectador a mirarse a " si mismo " .

Igualmente , esta transformación de la mirada exterior en una mirada hacía el interior con base psicológica crea una nueva iconografía : la visión cortada hacía fuera es reemplazada por un arte realista del interior , y el lugar de un paisaje percibido a través de la ventana es ocupado por el " paisaje interior " por la irrupción del aire y de la luz.Un trastueque visual semejante del espacio interior y tal cambio de concepto pictórico se repiten en la modernidad de las obras de Hopper

Mercedes Tamara 
5-11-2013

lunes, 4 de noviembre de 2013

DOS MUCHACHAS ABRAZÁNDOSE EGON SHIELE

DOS MUCHACHAS ABRAZÁNDOSE 1915
Dos muchachas abrazándose
lápiz, acuarela y guache sobre papel 48x 32,7 cm
Szépmilvészeti Museum Budapest



Las escenas de mujeres amándose y abrazándose despertaban comentarios entre los censuradores de la época . Este tipo de imágenes no eran bien recibidas en todos los espacios de exhibición de la Sezession de Müinich  de 1913 , a Schiele le fue denegada la exhibición de uno de estos cuadros que presentaba a dos mujeres desnudas, sentadas y abrazadas apasionadamente . Pero este hecho no impidió que el pintor abordara uno de sus temas predilectos y continuó representando a muchachas en poses eróticas y en evidentes actos lésbicos.
Entre 1914 y 1915,Schiele realizó una serie de dibujos de parejas de lesbianas captadas en un abrazo a las que pertenece Dos muchachas abrazándose . Las dos mujeres son contempladas desde arriba , desde una corta altura. Si ellas están recostadas sobre el suelo , en una cama o en un sillón , no puede saberse, ya que Shiele no dibujó nungún apoyo . Como en tantas otras obras del artista, las figuras parecen flotar en un blanco vacío . La nula intervención en el fondo ,que conserva el color original de papel refuerza esta idea.


La muchacha de abajo que lleva un vestido con volantes , abre sus piernas para acoger entre ellas a su compañera , que aparece totalmente desnuda , excepto por sus ligas de color . Sus cuerpos se cortan abruptamente a la altura de las rodillas por los márgenes de la lámina y sus rostros se vuelven pétreos , como máscaras esquemáticas que no muestran emoción alguna . Son, más bien, rostros de muñecas. Una cierta sensación de innaturalidad se percibe también en los movimientos de los cuerpos , especialmente en la mujer de abajo, en el modo en que su brazo izquierdo coge por la espalda a su compañera.


Como puede verse en esta obra , las mujeres dibujadas por Schiele se encuentran en un mundo sombrío , habitando espacios vacíos y solitarios . Y aunque puedan estar abrazadas entre ellas , la proximidad física no evita que sus miradas sean frías, distantes y ausentes


Mercedes Tamara
4 -11-2013


Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa