martes, 17 de julio de 2018

LA INTRIGA JAMES ENSOR

 LA INTRIGA 1890

La intriga
óleo sobre lienzo 90 x 150 cm
Museo Real de Amberes



James Ensor es un artista precoz ya que realizó su primer retrato a la edad de diecinueve años y dio muestras a lo largo de su carrera de una imaginación retorcida y de unos interese expresionistas que lo sitúan a la cabeza de dicha tendencia pictórica europea. 


Como lo demuestra La intriga que está integrada por máscaras de grotesco aspecto que no se sabe si pertenecen a un carnaval pasajero o si son una representación real de las pasiones que animan la vida de los hombres. El conjunto parece similar a las pinturas del Bosco, Brueghel y Goya , cuyas técnicas muestran una gran agresividad cromática , violencia de empaste y rudeza de formas .

En torno a una pareja compuesta por un caballero de vacía expresión que se cubre con un sombrero de copa y una dama de rostro porcino tocada con un sombrero floreado , se agrupan máscaras de macabra risa , caricaturescas fisonomías animadas por monstruosas muecas o bocas entreabiertas con gesto bobalicón. Sobre ellas planean con celaje batido por el viento , a impulsos del cual se agitan también las extrañas indumentarias de los personajes : Amarillos, verdes y rojos se oponen con desenfreno , subrayando los diversos matices cromáticos de las fisonomías : rosados,cenicientos e ictéricos.




Mercedes Tamara
17-07-2018

Bibliografia : Expresionismo Edic Taschen

jueves, 12 de julio de 2018

EL MARTHA MCKEEN DE WELIFEET EDWARD HOPPER

EL MARTHA MCKEEN DE WELIFEET 1944
El "Martha Mckeen" de Wellfleet.. Óleo sobre lienzo, 81,5 x 127,5 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza








Hopper se inspiró para pintar este cuadro y algunos otros de tema náutico en las salidas que hacía con Martha y Reggie McKeen de Wellfleet, una pareja mucho más joven. Jo le había obligado a dejar de navegar en solitario por considerar que era demasiado peligroso. Mientras que se realizaba este lienzo, los Hopper también iban a Provincetown para que pudiera estudiar las gaviotas en una pescadería del muelle del ferrocarril. Jo pensaba que el hombre pintado en el timón podría ser el mismo Hopper.

Desde que de adolescente construyera un laúd, Hopper era un apasionado de la navegación. Su amor a la navegación quizás se viera aumentado por su amor a la soledad. De niño dibujó numerosos barcos de vela en su pueblo natal, Nyack, Nueva York, un puerto del río Hudson con industria de astilleros en aquella época. La primera pintura que vendió fue Navegando, la única obra que exhibió en la renombrada exposición de 1913 en Nueva York, la Armory Show.
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Su resolución es un lienzo impresionante con fuertes tonalidades de azul en contraste con las blancas velas y el banco de arena. La luz del sol dramatiza toda la composición y las gaviotas proyectan sombras azules. La acción aparece como congelada en el tiempo pero Hopper capta eficazmente la enorme fuerza del mar y la armonía momentánea del hombre con él.


Mercedes Tamara
12-07-2018

Bibliografiia : ForoXerbar 

martes, 10 de julio de 2018

LA HABITACIÓN AMARILLA MARC CHAGALL

LA HABITACIÓN AMARILLA 1911


La habitación amarilla
óleo sobre lienzo 84, 2 x112 cm
Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Colección Ernst y Hildy Beyeler






En marzo de 1911, año de la fecha de este cuadro, Marc Chagall tomó el tren desde Rusia y tras un viaje de cuatro días apareció en París : el corazón se le ensanchó, su felicidad no tenía límites, estaba en la ciudad de la luz , en la ciudad del arte y de la libertad , eso era un sueño.a. Chagall tiene 24 años y ha pasado sus años de niñez en una pequeña ciudad de la actual Bielorrusia, Vitebsk, ciudad situada en una zona destinada a ser ocupada


Siempre los llevará en su mente, en su corazón y en sus pinceles : Chagall no dejó nunca de pintar estos motivos, de una forma o de otra. Repleto de poesía ,colorido y frescura, se encuentra de frente con el movimiento cubista que precisamente se está fraguando en esos momentos a lo largo y ancho de los ambientes artísticos de París. Por supuesto Chagall desde el primer momento se siente influido por sus principios, pero como vemos hay algo muy suyo que lo hace distinto. De hecho, sus primeros contactos , fueron con los poetas antes que con los propios pintores de la vanguardia.


En este primer cuadro que vemos, ya el cubismo ha comenzado a hacer estragos, aunque no de forma brutal , pero la mesa esta deformada en su forma y perspectiva, flota en la habitación, sin lugar fijo, y lo mismo la silla, la mujer , su cabeza, sus brazos, no es preciso situarlos en un lugar fijo y racional, todo puede estar en varios lugares al mismo tiempo.. Podemos identificar hasta un samovar, , cayéndose, y los vasos necesarios; y además hay una cabra, sacada directamente de la perdida ciudad de sus amores Una magnífica noche de plenilunio , como aquellas gélidas y despejadas noches invernales de su niñez. Todo ello en amarillo, un color que le va muy bién al recuerdo y a la nostalgia.











Mercedes Tamara
10-07-2018

Bibliografia : Pinturas Madrid 



lunes, 9 de julio de 2018

EL TRATANTE DE GANADO MARC CHAGALL

El tratante de ganado
óleo sobre lienzo 97 x 200 cm
Museo de Basilea

Marc Chagall desarrolló un




El estilo pictórico expresivo y colorista muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay para crear un estilo personal e inclasificable. Hijo mayor de nueve hermanos, se formó artísticamente en la ciudad de San Petersburgo junto a Léon Bakst. 

En el verano de 1910 se trasladó a París, donde quedó profundamente impresionado por las galerías y Salones de la capital francesa. En los años siguientes expuso en el Salon d’Automne y en el Salon des Indépendants. A través de Guillaume Apollinaire conoció al marchante berlinés Herwarth Walden, que seleccionó tres obras de Chagall para el primer Herbstsalon de 1913 en Berlín y en cuya galería, Der Sturm, presentó su primera exposición individual en 1914. 

El tratante de ganado obra realizada en Paris 1912 define ya el estilo de Marc Chagall ya dentro de las vanguardias europeas define ya muchos aspectos que caracterizan su obra tales como la capacidad de idealización , que lo sitúa en las coordenadas del surrealismo dotado además de una capacidad expresiva que le permite ocupar un lugar destacado dentro del expresionismo


Mercedes Tamara
9-07-2018

Bibliografia . Chagall Edit Taschen










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El tratante de ganado realizada en 1912 , a poco de su llegada a Paris , obra que había de ser celebrada por el cenáculo vanguardista Este cuadro anticipa muchos de los aspectos que ha de conservar la producción del pintor . En primer lugar , la capacidad de idealización del artista ,que se sitúa en las coordenadas del surrealismo y también define la capacidad expresiva del pintor que penetra en la profunda realidad psicológica de los personajes que le permite ocupar un lugar destacado dentro del expresionismo 

           
                                                     Mercedes Tamara
                                                      9-07-2018

Bibliografia . Chagall  Edit Taschen









lunes, 2 de julio de 2018

LA LUDWIGKIRCHE EN MUNICK VASSILY KANDINSKY

LA LUDWIGKIRCHE EN MUNIICH 1908Ñ
La Ludwigskirche en Munich, 1Óleo sobre cartón, 67,3 x 96 cm. 
Colección Carmen Thyssen-






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Bajo el pórtico de la iglesia de St. Ludwig una multitud se agolpa ante una procesión religiosa. La escena, ocurrida a pocos metros del apartamento de Kandinsky, fue esbozada por el artista en uno de sus cuadernos de fines de 1908, junto a anotaciones precisas de color.

Desde 1904 Kandinsky se había interesado por la pintura puntillista de Signac, tal como se observa en sus cuadros de “cuentos”, pintados entre 1905 y 1907. La presente obra retoma las pinceladas en forma de gema y el fondo oscuro de aquellos, pero con un colorido vibrante y arbitrario derivado de Matisse y de los pintores fauves, cuya obra pudo contemplar en París entre los años 1906 y 1907. Ahora bien, Kandinsky se aleja de sus colegas franceses al establecer un fuerte contraste entre las pequeñas manchas de color -muchas de ellas libres de referente- y el fondo negro, confiriendo al cuadro una cualidad abstracta-decorativa.


Mercedes Tamara
2-07-2018

Bibliografia ForoXerbar 

viernes, 29 de junio de 2018

EL SUEÑO FRANZ MARC



EL SUEÑO 1912


El sueño
óleo sobre lienzo 100,5 x 135,5 cm
Museo Carmen Thyssen, Madrid 

El sueño fue realizado en 1912 en Sindelsdorf , en donde Franz Marc había fijado su residencia en 1909 atraído por las características de ese paraje idílico. En esta pequeña localidad, situada junto a los Alpes bávaros, dio comienzo su verdadera carrera de pintor, prematuramente truncada en 1916, y su personal estilo se fue consolidando a partir de sus encuentros con August Macke en 1910 y, sobre todo, con Wassily Kandinsky en 1911. Marc se vinculó a Der Blaue Reiter , creado en Múnich en 1911, y en 1912, participó activamente en la publicación del almanaque del grupo, en el que dejó constancia de sus ideas artísticas. Ahora bien, a diferencia de Kandinsky, que pronto rompió intencionadamente con la realidad visual, Marc permaneció fiel a la representación del mundo. Sus teorías, que rechazaban explícitamente las rígidas pautas de la vida de la ciudad, se centraron en la búsqueda permanente de la libertad de expresión a través de una visión mística del mundo natural y de la creación de nuevos símbolos adecuados para una nueva espiritualidad. Marc aspiraba a crear un nuevo reino paradisíaco en el que se pudiera alcanzar la perfecta compenetración del hombre con la naturaleza. En esta nueva Arcadia los símbolos tomaron forma a través de una profusión de animales convertidos en criaturas místicas cargadas de alegorías, que el propio artista denominaba «animalización del arte» .

Ahora bien, la alegoría que encierra El sueño no es excesivamente explícita. Como sugiere Klaus Lankheit se trata más bien de una imagen poética sin significado racional alguno . La escena transcurre en mitad de la noche, como nos da a entender el acusado color negro del cielo del fondo. En el lado izquierdo se sitúa una casa amarilla, que podría simbolizar el mundo real, mientras que el resto de la composición lo ocupa la escena del sueño. La figura femenina desnuda, situada en el centro, que duerme sentada con las piernas cruzadas rodeada de animales, es quizás el símbolo de la armonía entre el hombre y el mundo animal. En este Jardín de las Delicias los animales repiten los ritmos de la naturaleza y los colores también adoptan un componente simbólico. El azul de los caballos simboliza para Marc el principio masculino, intelectual y espiritual; el amarillo es el principio femenino, amable y sensual, mientras que considera al rojo como el color que debía ser combatido y vencido por los otros dos.

El influjo de los futuristas italianos puede apreciarse en la estructura rítmica de las formas y en las líneas de fuerza que mueven la composición. También es reseñable la huella que ha dejado en él la pintura de Paul Gauguin, en especial la del periodo de Tahití, en su deseo de presentar una naturaleza en su estado más primitivo. Peter Vergo relaciona esta obra con Los pastores , que representa una pareja desnuda entre animales en la que tanto el caballo como la figura femenina son muy similares a los de la pintura de la colección Thyssen-Bornemisza .


Mercedes Tamara
29-06-2016

Bibliografia El Expresionismo Edit Taschae


domingo, 24 de junio de 2018

MUCHACHA COSIENDO A MÁQUINA EDWARD HOPPER

MUCHACHA COSIENDO A MÁQUINA

Muchacha cosiendo a máquinaÓleo sobre lienzo, 48,3 x 46 cm.Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


Edward Hopper fue uno de los pintores que más contribuyó a la consolidación del realismo en Norteamérica. No obstante, hay que precisar que se trata de un realismo marcado por su sello personal. Si bien Hopper deseaba alcanzar una gran objetividad, su emotivo sentimiento y la fuerte simplicidad de sus imágenes reflejan de forma simultánea una actitud crítica. Lloyd Goodrich resumía la posición del pintor: «En lugar de la subjetividad, una nueva objetividad; en lugar de la abstracción, una reafirmación de la representación y de los contenidos específicos; en lugar del internacionalismo, un arte basado en lo americano».

Tras haber trabajado unos años como ilustrador de revistas y haber viajado a París en varias ocasiones, cuando en 1921 pinta Muchacha cosiendo a máquina, el estilo del pintor se muestra ya plenamente consolidado. En el centro de un interior doméstico urbano, una joven, con una melena larga que le oculta prácticamente todo su rostro, trabaja concentrada en una máquina de coser situada junto a una ventana. La composición nos remite a ejemplos similares de los interiores de la escuela holandesa del siglo xvii y también a algunas pinturas de John Sloan, como El catre, que Hopper pudo ver en la exposición de Los Ocho en 1907. Por otra parte, esta pintura guarda cierta relación con otras obras posteriores del pintor, en especial con el aguafuerte Interior del East Side, de 1922.

Como en la mayoría de las escenas de interior de Hopper, la luz se convierte en protagonista del cuadro. En este caso la acción transcurre en un día claro y soleado y los rayos entran con fuerza hacia el interior, proyectando un reflejo sobre la pared encarnada del fondo, lo que contribuye a crear un efecto geométrico incrementado por las formas cuadrangulares del marco de la ventana. La luz, además, convierte la figura de la joven vestida de blanco en un destello en medio de la oscuridad interior. De esta forma, lo que podría ser una simple escena cotidiana adquiere una nueva dimensión, y la mujer solitaria y ensimismada pasa a convertirse en efigie de la alienación del ser humano.




Mercedes Tamara
24-06-2018

Bibliografia Paloma Alarcón Museo Thyssen