martes, 4 de septiembre de 2018

DOS OVALOS VASSILY KANDINSKY

Dos óvalos 
óleo sobre lienzo 107 x 89,5 cm
Museo Estatal Ruso, San Petesburgo



A finales de la década de 1910, Kandinsky pintó varias composiciones con óvalos. Aunque todas ellas son totalmente abstractas, todavía se perciben asociaciones con ciertos objetos reales. Pequeñas cúpulas de iglesias, campos y barcos unen esa expresión musical del estado de ánimo del autor con estampas reales de la vida, que despertaban en él sentimientos y emociones.


Los cuadros de Kandinsky muestran grandes explosiones de color y siluetas que constantemente se transforman ante el espectador. Las influencias artísticas principales de este pintor fueron Monet, Fauves y Matisse.



Se considera que las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista. Él visualizaba sonidos como parches de color (arte sinestésico), era amante de la música de Wagner, y esta emergía en sus más abstractas creaciones. El entendimiento del papel que juegan: matices, música e iconografía en las obras de este maestro, nos puede abrir nuevos caminos en la apreciación de su arte y del ideal que lo guió durante su vida por su camino de abstracción y asombrosas imágenes. 



A medida que se desarrollaba su obsesión por el esta idea, fue elaborando sus filosofías sobre la prevalencia de lo espiritual sobre lo material. Configuró una nueva forma de entender el mundo y utilizó la obra de arte como base de sus reflexiones

El alcance del color y las formas de sus composiciones e improvisaciones, fue reconocido como genial por sus contemporáneos.



Mercedes Tamara
4-09-2018

Bibliografia : ArteHistoria
                    Kandinsky , Edit Taschen


miércoles, 22 de agosto de 2018

LA RAYA JAMES ENSOR

LA RAYA 
La raya
óleo sobre lienzo 80 x 100 cm
Reales Museos de Bruselas



La figura más apasionante del grupo de los XX , el más original y avanzando es el pintor James Ensor . De padre inglés y descendiente de españoles nació en Ostende y en esta ciudad pasó su larga vida .Comenzó a pintar de muy joven y la mayor parte de su producción se concentra entre los años 1879 y 1893.

Su arte oscila entre la sátira y la elegía . Entre lo humorístico y lo patético , entre visiones grotescas del Bosco y la intención social de vanguardia . Su técnica es una adaptación personal del impresionismo , con preferencia por los colores claros y diseños simples.

En la pintura que nos ocupa La raya se  trata de un bodegón al estilo de los Paises Bajos Aquí el pincel se disciplina en la obtención de calidades táctiles Es un hermoso retrato de pintura , trabajado con fruición 

Mercedes Tamara
22.08-2018

Biblkiografia : Guia de los Grandes Museos Edit Planeta

miércoles, 15 de agosto de 2018

A WOMAN IN THE SUN ( UNA MUJER EN LA VENTANA ) EDWARD HOPPER

       A WOMAN IN THE SUN ( UNA MUJER EN LA VENTANA) 1961


A woman in the Sun
óleo sobre lienzo
Whitney Museum of American Art, Nueva York




Una mujer al sol es un poco más cerca de la naturaleza que la mujer de gran ciudad. De hecho, ha alcanzado el límite. Hopper ha puesto en una situación más allá del cual no puede ir. Ella ha dejado el sol tomar posesión de ella. Ella sostiene un cigarrillo, pero ha olvidado para encenderla. 

Se ha olvidado de ella. Es esta la luz del sol en los cuadros de Hopper que coloca las figuras tan tangible que tenemos ante nosotros, y que al mismo tiempo elimina a una distancia, les presta un aura de lo inefable


. Representación de la tolva de la figura a la vez sugiere proximidad y demuestra la brecha insalvable entre vida y arte. Al darse cuenta de que existe esta brecha puede ser doloroso, pero libre de nosotros como espectadorese la función de voyeur y permitirnos asumir el papel del artista - de testigo silencioso. Por lo que no tenemos que bajar los ojos después de todo, es que las cifras observamos que hacer. Si ellos no están fascinados por la luz del sol inclinado, mantienen sus ojos abajo. Y es esta mirada baja que hace que las cifras de Hopper parece tan introspectivo, como si mirara en sí mismos. Persiguen sus propios pensamientos o sueños, que a veces los llevan lejos de aquí y ahora.


Mercedes Tamara
15-08-2018

Bibliografia : ForoXerbar 

domingo, 5 de agosto de 2018

HOMBRE ROJ0 CON BIGOTE WILLEM DE KOONING


HOMBRE ROJ0 CON BIGOTE 1971
Hombre rojo con bigoteÓleo sobre papel adherido a lienzo, 186 x 91,5 cmMuseo Thyssen-Bornemisza, Madrid. 



Toda la trayectoria artística de Willem de Kooning se caracteriza por su habilidad para moverse entre la abstracción y la figuración. En 1953 su exposición en la Sidney Janis Gallery, en la que presentó un grupo de pinturas de mujeres descomunales y expresivas, se convirtió en un verdadero succès de scandale. La gestualidad de la pincelada y la violencia del color, unidas a la representación de la figura femenina en forma grotesca, incluso demoníaca, marcaba el inicio de una etapa en la que el artista aspiraba a plasmar en sus obras la representación de la energía vital del ser humano.

En Hombre rojo con bigote, de 1971, un lienzo que se puede relacionar con esa serie, representa una figura escultural de cuerpo entero de un hombre escondido tras una maraña de gruesos empastes gestuales que transmiten una gran vitalidad. El formato alargado del lienzo, que utilizaba desde el traslado de su taller a Long Island en 1963, le permite representar la figura sobredimensionada, a una escala mayor del natural.

Como en otras pinturas de De Kooning, el espacio pictórico se define a través de una pincelada muy abigarrada, casi claustrofóbica, que no deja ni un solo respiro, ningún hueco, lo que incrementa la abstracción de la imagen. Es por tanto con el acto mismo de pintar con el que el artista logra eliminar cualquier diferenciación entre figuración y abstracción. 

El dominante color rojo, muy frecuente en las composiciones de De Kooning a partir de los años sesenta, está vinculado a sentimientos de pasión y arrebato. Su uso generalizado en esta composición podría entenderse como la necesidad del artista de emitir un profundo alarido que inevitablemente recuerda a las convulsivas deformaciones de las figuras de Bacon.

Mercedes Tamara
5-08-2018

Bibliografia:  ForoXerbar 

martes, 17 de julio de 2018

LA INTRIGA JAMES ENSOR

 LA INTRIGA 1890

La intriga
óleo sobre lienzo 90 x 150 cm
Museo Real de Amberes



James Ensor es un artista precoz ya que realizó su primer retrato a la edad de diecinueve años y dio muestras a lo largo de su carrera de una imaginación retorcida y de unos interese expresionistas que lo sitúan a la cabeza de dicha tendencia pictórica europea. 


Como lo demuestra La intriga que está integrada por máscaras de grotesco aspecto que no se sabe si pertenecen a un carnaval pasajero o si son una representación real de las pasiones que animan la vida de los hombres. El conjunto parece similar a las pinturas del Bosco, Brueghel y Goya , cuyas técnicas muestran una gran agresividad cromática , violencia de empaste y rudeza de formas .

En torno a una pareja compuesta por un caballero de vacía expresión que se cubre con un sombrero de copa y una dama de rostro porcino tocada con un sombrero floreado , se agrupan máscaras de macabra risa , caricaturescas fisonomías animadas por monstruosas muecas o bocas entreabiertas con gesto bobalicón. Sobre ellas planean con celaje batido por el viento , a impulsos del cual se agitan también las extrañas indumentarias de los personajes : Amarillos, verdes y rojos se oponen con desenfreno , subrayando los diversos matices cromáticos de las fisonomías : rosados,cenicientos e ictéricos.




Mercedes Tamara
17-07-2018

Bibliografia : Expresionismo Edic Taschen

jueves, 12 de julio de 2018

EL MARTHA MCKEEN DE WELIFEET EDWARD HOPPER

EL MARTHA MCKEEN DE WELIFEET 1944
El "Martha Mckeen" de Wellfleet.. Óleo sobre lienzo, 81,5 x 127,5 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza








Hopper se inspiró para pintar este cuadro y algunos otros de tema náutico en las salidas que hacía con Martha y Reggie McKeen de Wellfleet, una pareja mucho más joven. Jo le había obligado a dejar de navegar en solitario por considerar que era demasiado peligroso. Mientras que se realizaba este lienzo, los Hopper también iban a Provincetown para que pudiera estudiar las gaviotas en una pescadería del muelle del ferrocarril. Jo pensaba que el hombre pintado en el timón podría ser el mismo Hopper.

Desde que de adolescente construyera un laúd, Hopper era un apasionado de la navegación. Su amor a la navegación quizás se viera aumentado por su amor a la soledad. De niño dibujó numerosos barcos de vela en su pueblo natal, Nyack, Nueva York, un puerto del río Hudson con industria de astilleros en aquella época. La primera pintura que vendió fue Navegando, la única obra que exhibió en la renombrada exposición de 1913 en Nueva York, la Armory Show.
.

Su resolución es un lienzo impresionante con fuertes tonalidades de azul en contraste con las blancas velas y el banco de arena. La luz del sol dramatiza toda la composición y las gaviotas proyectan sombras azules. La acción aparece como congelada en el tiempo pero Hopper capta eficazmente la enorme fuerza del mar y la armonía momentánea del hombre con él.


Mercedes Tamara
12-07-2018

Bibliografiia : ForoXerbar 

martes, 10 de julio de 2018

LA HABITACIÓN AMARILLA MARC CHAGALL

LA HABITACIÓN AMARILLA 1911


La habitación amarilla
óleo sobre lienzo 84, 2 x112 cm
Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Colección Ernst y Hildy Beyeler






En marzo de 1911, año de la fecha de este cuadro, Marc Chagall tomó el tren desde Rusia y tras un viaje de cuatro días apareció en París : el corazón se le ensanchó, su felicidad no tenía límites, estaba en la ciudad de la luz , en la ciudad del arte y de la libertad , eso era un sueño.a. Chagall tiene 24 años y ha pasado sus años de niñez en una pequeña ciudad de la actual Bielorrusia, Vitebsk, ciudad situada en una zona destinada a ser ocupada


Siempre los llevará en su mente, en su corazón y en sus pinceles : Chagall no dejó nunca de pintar estos motivos, de una forma o de otra. Repleto de poesía ,colorido y frescura, se encuentra de frente con el movimiento cubista que precisamente se está fraguando en esos momentos a lo largo y ancho de los ambientes artísticos de París. Por supuesto Chagall desde el primer momento se siente influido por sus principios, pero como vemos hay algo muy suyo que lo hace distinto. De hecho, sus primeros contactos , fueron con los poetas antes que con los propios pintores de la vanguardia.


En este primer cuadro que vemos, ya el cubismo ha comenzado a hacer estragos, aunque no de forma brutal , pero la mesa esta deformada en su forma y perspectiva, flota en la habitación, sin lugar fijo, y lo mismo la silla, la mujer , su cabeza, sus brazos, no es preciso situarlos en un lugar fijo y racional, todo puede estar en varios lugares al mismo tiempo.. Podemos identificar hasta un samovar, , cayéndose, y los vasos necesarios; y además hay una cabra, sacada directamente de la perdida ciudad de sus amores Una magnífica noche de plenilunio , como aquellas gélidas y despejadas noches invernales de su niñez. Todo ello en amarillo, un color que le va muy bién al recuerdo y a la nostalgia.











Mercedes Tamara
10-07-2018

Bibliografia : Pinturas Madrid