martes, 29 de mayo de 2012

LA CASA GRIS DE MARC CHAGALL


LA CASA GRIS DE MARC CHAGAL
Óleo sobre lienzo 568 x99
Museo Thyssen Bornemizsa





En el verano de 1914, tras pasar por Berlín con motivo de su exposición en la prestigiosa galería Der Sturm de Herwarth Walden , Marc Chagall regresó a su ciudad natal, Vitebsk . Aunque su intención era volver a París tras una corta estancia, el estallido de la Primera Guerra Mundial, primero, y de la Revolución bolchevique, después, le hicieron permanecer en su país hasta 1922 .

 El fuerte contraste entre la efervescencia vanguardista parisiense y la vida tranquila de la provinciana Vitebsk , «triste y alegre», como la describe Chagall en su autobiografía , provocó una transformación en su pintura . Durante los seis años de estancia en esa pequeña ciudad judía antes de su traslado a Moscú, pintó una serie de cuadros —que él denominaba «documentos»— sobre sus gentes y sus paisajes . Entre éstos se encuentra un conjunto de vistas de la ciudad en las que Chagall , con su peculiar lirismo, combina sentimientos contrapuestos, a veces idílicos, otras nostálgicos o apocalípticos, que respondían a la felicidad tras su reciente matrimonio o a las tensiones emocionales que le produjo la Revolución bolchevique, en la que el pintor, por otra parte, tuvo un papel muy activo en los primeros años .


En La casa gris el artista ofrece una representación de Vitebsk bastante naturalista, aunque con ciertos elementos tomados del cubismo . Chagall inmortaliza su ciudad, con su catedral barroca de la Asunción sobresaliendo sobre las casas del casco antiguo y, en primer término, nos muestra una característica cabaña de madera, de las que había varios ejemplos en las orillas del río Dvina . La perspectiva irreal con la que está pintada la cabaña y el juego producido por los distintos planos remiten al cubismo, mientras que los cielos sinuosos, que parecen agitar con su movimiento la composición entera, otorgan a la escena una atmósfera un tanto fantástica y onírica.

Tanto la soledad de la pequeña cabaña, que parece abandonada, como el gesto de emoción de la misteriosa figura a la izquierda del cuadro, con la mano en el pecho, nos transmiten un sentimiento de tristeza nostálgica . John Bowlt y Nicoletta Misler consideran que este enigmático personaje, que se refugia en la esquina inferior del cuadro y que lleva inscrito el nombre de «Chagall» en su chaqueta, es un autorretrato 

. Los citados autores resaltan además el hecho de que las otras dos inscripciones que tiene el cuadro —la palabra hebrea shemihl, en la manga de la camisa del personaje, y la palabra rusa durak , en la valla de madera de la casa— significan indistintamente «idiota», por lo que sugieren que Chagall está dotando al cuadro de un doble significado: «Chagall es un idiota» o dicho de forma más coloquial «Chagall es el tonto del pueblo», y lo ponen en relación con el gusto por lo vulgar que en ocasiones compartía con otros artistas rusos del momento .

Como ocurre en toda su obra pictórica, en La casa gris contemplamos  un mundo «en el que todo es posible, en el que no hay de qué sorprenderse, pero al mismo tiempo es un mundo en el que uno no cesa de sorprenderse» . En esta pintura , Chagall nos demuestra que consiguió reunir con especial maestría los recursos de la plástica contemporánea con los más fantásticos temas del folclore y de los reinos encantados de los cuentos rusos. Esta peculiar combinación hace de él un precursor del surrealismo, tal como manifestó el teórico de este movimiento, André Breton: «Con él la metáfora hizo su entrada triunfante en la pintura moderna».

Mercedes Tamara 
29 mayo 2012

Bibliografia : Colección Carmen Thyssen-Bornemizsa

martes, 22 de mayo de 2012

FORMAS LUCHANDO DE FRANZ MARC

FORMAS LUCHANDO 1914

FORMAS LUCHANDO DE  FRANZ MARC
óleo sobre ienzo 91 x 131 ,5 cm
Münich, Pinakothek der Moderne






En los meses inmediatamente anteriores al estallido de la Guerra, Marc pintó una seriede cuatro grandes abstractos  Formas jugando ,Formas festivas,  Formas rotas y Formas luchando . En esta última fase creadora estaba  convencido de la "fealdad de la naturaleza"y había dejado definitivamente de lado  el motivo animal .La abstracción parecíael único camino para representar el serpuramente espiritual .

 De este modo Formas luchando muestra ya las fuerzas circulares de la naturaleza a lasque Delaunay dedicó sus formas circulares,sino ideas abstractas y filosóficas ,si bien éstas presentan una relación muy concreta con la realidad.

En fuerte contraste chocan entre sí Formas luchando dos formas: una forma roja y agresiva que parece echarse desde la izquierda, encima de una azul negruzca , que ( ya aplastada contra el margen ) se enrolla para obtener más fuerza. Sobre la forma roja , a su vez, se lanzan flechas amarillas. Por muy claramente que pueda leerse la estructura formal , las interpretaciones difieren mucho unas de otras. La mayoría de los autores tienden a la opinión de que representan una lucha entre la luz y las tinieblas : calor, luz y vida están
simbolizados por la forma roja , contra frío, oscuridad y muerte en la forma azul negruzca ; o , en el mundo de las ideas de Marc : una lucha y una victoria del  espirítu sobre el mundo material y en proceso de extinción .Frederic S Levine, por el contrario, en los contornos de la forma roja reconoce el perfil de un águila: cabeza, pico, patas y garras hacen referencia a su simbolismo " porque este ave  simboliza , más que todas las demás , la lucha entre los principios espirituales y los del mundo inferior ".

Si, por el contrario , se tiene en cuenta el simbolismo de los colores de Marc, entonces la forma azul se atribuiría más bien a lo espiritual . También es una visión de conjunto de esta serie de cuatro cuadros   se aprecía que la forma azul no es derrotada , sino que en el cuadro final Formas rotas inicia con las formas rojas y otras azules una relación que no termina en una destrucción ruinosa, sino que  señala un nuevo comienzo , ante un transfondo transido de luz.

Las alusiones políticas , por el contrario ,no son totalmente infundadas , si se observan las Cartas desde el campo de batalla de Marc , pues como voluntario el pintor participó en los acontecimientos bélicos con un entusiasmo incomprensible actualmente en las cartas a su mujer denomina a la guerra como " sacrificio de sangre " purificador y necesario .


Formas rotas de Franz Marc




De acuerdo con esto, la forma roja bien podría ser un águila , el águila del Reich alemán , al que Marc se refiere en varias ocasiones en  un artículo de 1914 ( En el purgatorio de la guerra ) La forma roja y agresiva podría ser, pues, un elemento cifrado del águila alemana en el purgatorio de la guerra que da la victoria ( sobre Francia , la forma azul que se cierra  sobre si misma ) saldría purificada y fortalecida para construir la nueva Europa 



Que tales enfoques de interpretación no están fuera de la realidad lo demuestran también los últimos aforismos de Marc que ( siguiendo a Nietzche ) subrayan una y otra vez la purificación  radical con la disposición del sacrificio . De este modoFormas luchando sería una alegoría precisa de su ideal de guerra mundial purificadora , a la que acabaría sucumbiendo , como muchos otros de su generación.





No obstante, esta interpretación política del cuadro pondría en duda la ética filosófica-religiosa , a las que obras completas de Marc deben un puesto ideal  muy elevado . En último término , Marc volvió a  representar en este cuadro el viejo conflicto entre el espíritu y la materia tras superar la lucha (Formas rotas ) se disuelven definitivamente para hacer posible un feliz comienzo


Mercedes Tamara 
22 mayo 2012

Bibliografia : Expresionismo, Edit Taschen








lunes, 21 de mayo de 2012

LA HORA NONA MAURIZIO CATTELAN

LA HORA NONA 1999

La hora nona de Maurizio Cattelan
estilo mixto , medidas variables
propiedad privada




 Ha lanzado el artista italiano  Mauricio Cattelan un ataque gráfico general contra el indefenso pontífice ?  ¿ Se trata de un irónico  toque de atención o de  una pura blasfemia ?  Ni una cosa ni otra La hora  nona ( La nona hora ) es más bien una  obra de arte que, si bien resulta provocadora , es formalmente brillante e indiscutiblemente contemporánea , en el sentido de que toma una clara postura frente al presente. El Papa , líder de una comunidad religiosa global , constantemente un viaje pastoral por todo el mundo , ha de saber soportar que se juegue con su figura , se la retrate y se dote de dimensión.

Se cita aquí la Pasión de Cristo en la hora nona llegó para el Hijo de Dios cruxificado el momento de la duda ( " Dios mío, Dios  mío, ¿ por qué me has abandonado ? ") Este episodio ha dado pie a lo largo de los siglos a innumerables interpretaciones personales sobre el lienzo.La versión de Cattelan resulta demoledora, chocante y directa 

 El Papa cae abatido por un meteorito . Todo espectador ,independientemente de su postura respecto a la fe católica , comprende la escena sin  necesidad de explicaciones . Todos se  hacen la misma pregunta ¿ qué se ha hecho de la pretendida infalibilidad del Papa  si  ni siquiera él está a salvo de un acontecimiento semejante ? ¿ Es qué ni siquiera el obispo  de Roma puede escapar a las consecuencias de accidentes imprevisibles ? ¿ A quien golpea el Destino , y cómo ? Quizá en la forma de  siempre posible pero improbable fenómeno natural que constituye un meteorito ?

Cattelan da muestras de apreciar con orgullo su condición de bromista del mundillo artístico actual. Este artista autodidacto, que sienta las bases conceptuales de la obra y deja su perfecta realización en las manos de otros , ocupa por  derecho propio un lugar de importancia en el arte contemporáneo . Esto se debe en parte al modo certero con el que aborda los puntos neurálgicos de la actualidad , sacude los tabúes y consigue dar su forma exacta a una idea.AL mismo tiempo, encarna al artista intrépido que no se arruga ante el poder y afronta los desafíos de un verdadero artista moderno.

Cattelan es fantástico, por cuanto su arte seduce gracias a la distancia crítica que mantiene frente a los muchos productos baratos existentes en  el mercado del arte . A la obsesión exclusiva por el éxito , Cattelan opone sus sorprendentes
instalaciones . Estas fascinan por el ingenio con el que han sido concebidas , por la seriedad que desprenden y por su hábil realización. La dureza de la obra atrae de inmediato la atención del  espectador y exige de éste una reacción concreta
El héroe caido de Cattelan no quiere compasión ,sino nuestra decisión, nuestro veredicto, sin tener en cuenta las posibles pérdidas . Más no se puede pedir al arte.


Mercedes Tamara
21 mayo 2012


Bibliografia ; Arte Moderno , Todo Arte Edmat Libros 

viernes, 18 de mayo de 2012

PÁJAROS FRANZ MARC

PÁJAROS 1914
Pájaros de Franz Marc
Óleo sobre lienzo 109 x 100 cm
Münich, Städiische Galerie im Lenbachhaus





La fusión entre las oposiciones , la unión entre la materia y el espíritu , entre lo orgánico y lo inorgánico a fin de formar un nivel totalmente nuevo del ser aparece en las últimas obras de carácter abstracto de Marc, por ejemplo, en la trilogía de las formas abstractas .

En estos cuadros se penetran mutuamente  formas cristalinas con elementos redondos arabescos ; de este modo , muestran  el viejo antagonismo existente entre materia y espíritu , pero que ha de ser superado ,antes de que pueda restaurarse el nuevo reino de lo espiritual .Precisamente los últimos cuadros de Marc permiten entrar en el juego una radiante visión de lo cristalino como la utopía de libertad espiritual que se  trata de llevar a la práctica.

En el cuadro Pájaros , con seguridad una de las obras más importantes de la última fase creativa de Franz Marc ,  interrumpida por  el estallido de la Primera Guerra Mundial ,  tres formas de cristal de roca empujan hacía el interior del cuadro desde la parte inferior derecha , abriendo el camino a una penetración de chispas prismáticas y trazos radiantes y  facetas biseladas de modo cortante, una cristalización en pintura de colores con una belleza y pureza irreales.

Los pájaros que se funden en este mundo cristalino y se vuelven transparentes no hacen referencia tanto a un simbolismo apocalíptico animal como a la visión de  una liberación animíca y espiritual  La interpretación de las facetas como aletadas, como representación del movimiento del vuelo en un sentido  futurista se queda aquí demasiado corta.  El espacio, totalmente dividido en facetas tanto desde el punto de vista del color como de la forma, ha dejado tras sí toda forma figurativa , toda alusión al paisaje o pájaros volando. Los pájaros que  aparecen de forma irreal en el cuadro no son sólo una parte del todo , se  integran en la composición abstracta de colores hasta el punto de que no se reconocen como pájaros estilizados , sino únicamente como un elemento  de la composición .

Naturaleza y criatura se han llevado aquí a un nuevo estado del ser : se vuelven traslúcidos con los rayos del nuevo día , que no tiene nada que ver con la mañana terrena , sinoque evoca la visión de un reino espiritual en el que Franz Marc y muchos otros artistas del " Jinete Azul " siguen creyendo aún en estos tiempos ensombrecidos de la guerra.

La transformación de las cosas , de los motivos del cuadro , en un fenómeno cristalino simboliza la purificación utópica del mundo que se espera,si bien solo podrá tener lugar después de hundirse el mundo material real. Así se comprende el inicial entusiasmo que despertó la Guerra también en Marc , como una esperanza de una Europa mejor sobre la base de una nueva convivencia espiritual.

Resulta interesante ver cómo el afán vanguardista del " Jinete Azul " se sirve de confrontación comparativa en el marco de la argumentación visual de cada caso . La proyección en paralelo que suele hacerse actualmente en todas las conferencias  sobre Historia del Arte ( a esto se refirió Beat  Wyes ya en 1996 ) se anticipó de modo protegidoen un artículo de Franz Marc titulado " Dos cuadros " que se publicó en el almanaque El Jinete Azul en una hoja doble se sitúan una junto a otra  una ilustración de los cuentos de los Hermanos  Grimm procedente de la época de Biedemeer  y una composición de Kandinsky .

De esto, Marc aprendió lo siguiente : las dos obras coinciden en su interioridad  profunda de la expresión artística ¡ Ahora bien, entre ellos se introduce como una cuña profunda la tradición del academicismo  que se ha de superar ahora . La búsqueda de Marc de un " mundo purificado " ha de extraer  esta " espina " de la carne del arte.
 
Mercedes Tamara 
18 mayo 2012

Bibliografia : Expresionismo, Edic Taschen



 






domingo, 13 de mayo de 2012

KAIRUAN ,1914,42 PAUL KLEE

KAIRUAN ,1914,42 
Kairuan , 1914, 42 de Paul Klee
acuarela sobre papel y cartón 22,6 x 23,2 cm
Ulm, Ulmer Museum Fundación Coleción 
Kurt Fried




"Viernes ,17 de abril . Por la mañana he vuelto a pintar delante de la ciudad ,  cerca del muro , sobre una colina de arena (...) De vuelta a través de los jardines polvorientos : pinto de pie  una última acuarela " Esas frases las escribió Paul Klee en su diario, con ocasión del viaje a Túnez . La acuarela que menciona plasma la despedida de Kairouan. Ese viaje de dos semanas, que  comenzaron a principios de abril de 1914 los artistas suizos Paul  Klee y Louis Moillet , así como el alemán August Macke -quien durante algún tiempo formó parte del grupo expresionistas  "

 El Jinete Azul " -se ha convertido  casi en un mito . En cualquier caso, fue un viaje rico en consecuencias, no sólo para los artistas que participaron en él, sino también para la historia de la pintura moderna y del género del " paisaje ".

Ya la primera noche que pasaron en Túnez, respondió permanentemente a las expectativas de los tres amigos de que con las nuevas impresiones sensoriales en este país " exótico " lograrían romper con costumbres visuales anquilosadas, Durante los siguientes días hicieron excursiones a los alrededores de la capital tunecina, que les produjeron impresiones incomparables :" Los colores más suaves . No son de una claridad que hacen daño , como  en nuestro país (....) verde-  amarillo-terracota.

Kairuan y su entorno se convirtieron en el punto más destacado del viaje , en el estímulo visual que Klee resumió en las siguientes frases : " Maravilloso viaje por una naturaleza cada vez más desértica (...) El color me posee . No tengo que buscarlo . Me tiene para  siempre, lo sé . Este es el sentido de esta hora feliz:yo y el color somos  uno.

La acuarela que aquí presentamos  ( el pintor escribió Kairuan al poner el nombre de la ciudad en la lámina ) ilustra la intención de Klee : plasmar el espacio, el tiempo y las relaciones de los objetos naturales entre sí, mediante acordes de color , que, a su vez, se integran en un retículo más o menos geométrico  superficies de pequeños tamaños y unidas entre sí.

Este principio evolucionará pronto hacía una abstracción forzada.Las lineas , pocas, siguen ,caracterizando los detalles en algunos momentos se hace hincapié en las alusiones de la perspectiva .  La sorprendente propiedad de esta acuarela, radica en que el paisaje -a pesar de su elevado grado de abstracción que domina toda la composición , de carácter tradicional- actúa como una situación que se percibe subjetivamente.



August Macke, St. Germain / Tunez  1914





También Agust Macke evolucionó en  el norte de África hacía más color y luz de lo que había empleado anteriormente. Junto a estudios y dibujos espontáneos creó 38 acuarelas, que llevaron a su pleno desarrollo los planteamientos estilísticos de la época precedente .

Con su estructura rigurosamente geométrica es prácticamente  inimaginable un nuevo aumento del conjunto color-luz-espacio Aquí, abajo el sol meridional  Macke lleva a la práctica su principal objetivo. plasmar imágenes , paisajes, que viven plenamente del color .. y que sin embargo no han superado totalmente el límite de la abstraccion


Mercedes Tamara 
13 mayo 2012



Bibliografía : Pinturas Paisajistas Edic Taschen




DAMA CON CHAQUETA VERDE DE AUGUST MACKE

DAMA CON CHAQUETA VERDE  1913

Dama con chaqueta verde de August Macke
óleo sobre tela 44 x 43,5 cm
Colonia , Museo Ludwig


August Macke ,uno de los pintores alemanes más apreciados del arte moderno clásico, se movía entre varios mundos . No puede faltar su nombre al hablar del expresionismo. Desde luego, ni la excitación ni la 
exageración eran asuntos suyos, como tampoco las formas de explosión, los colores vivos o el  primitivismo de los pintores de Die Brücke , los motivos de la crítica social de Dix Felixmüller o Grosz, o la deformidad total con que los  expresionistas gustaban de provocar a los espíritus provincianos.

Macke prefería pintar la vida callejera bien cuidada, escaparates divertidos, cafés, jardínes, pasantes al término de su jornada laboral; le encantaba la policromía del vestuario femenino .Por su colorido y su lirismo natural, sus obras se parecen a las de Franz Marc , de quien fue amigo desde 1910, pero sin compartir el radicalismo con que se apartó del hombre como si fuese una especie de pecado original de la creación para centrarse en la pureza de los animales , ni su panteísmo ,aunque también aspiraba a configurar un paraíso en la tierra.

Y aunque se mantuvo en estrecho contacto con la Neue kustlevereingung Munchen y  en 1911colaboró con el almanaque Der Blaue Reiter ; Macke fue escéptico ante el misticismo de Kandinsky o de Schönberg. De ahí , que, en Bohn desde 1911 jamás recorriese el camino de la abstracción ,exceptuados algunos intentos en acuarela y dibujo. Ahora bien, su andadura fronteriza más rica en consecuencia se dio en la pintura francesa y alemana. Macke tradujo al alemán el lenguaje artístico francés como no lo hizo  ningún otro expresionista , y desde muy pronto.

Se ocupó a fondo del expresionismo francés y del cubismo ya en el período transcurrido entresus estudios en la Academia de las Artes de Düsseldorf y su breve estancia en la escuela de pintura de Corinth en Berlín ( 1907-1908 ) posteriormente recibió ímpulsos del fauvismo Pero a partir de 1912 fue determinante el  contacto con Robert Delaunay , pero no tardóen capacitarle para pintar acuarelas y óleos expresivos pero maravillosamente armónicos,basados siempre en las impresiones de la  naturaleza y con la luz como punto de partida.

Una de las primeras y mejores obras pintadas después de trasladarse con su familia a Hiterfingen, en el lago Thun, en aquellas "radiantes semanas otoñales de calor estival " según sus propias palabras Dama con chaqueta verde así, lo confirma : de formato casi cuadrado , irradía equilibrio compositivo. La dama, se sale ligeramente de la vertical central y no tiene rostro , por lo que es ejemplar, como todas 
las figuras de Macke en aquella época.

Esbelta y elegante aparece flanqueada por cuatro figuras más pequeñas desplazadas hacía el fondo,dos a la derecha y otras dos a la izquierda , frente a una pared detrás se ve en el panorama de las casas simplificadas al modo del primer cubismo de Georges Braque concretamente ,y el paisaje del  río . La luminosa copa de los árboles forma en laparte superior un techo de colores verdes y amarillos muy marcados , y las ramas dibujan brazos regulares,inspirados, en cuanto a la composición de los escritos de Leonardo da Vinci , que por aquellas fechas Macke estudiaba a fondo .

Sobre el conjunto se extiende el encanto de un cuadro romántico de Caspar David Fiedrich , con quien compartía su preferencia por las figuras de espaldas . Los valores  espaciales se coordinan con los principios de la ordenación de los planos y se equilibra de una manera determinada .Las medias tintas aplicadas como por medio de un prima 
y los contrastes cromáticos transparentes y vibrantes  de la que parece brotar la luz establecen el ritmo del cuadro . Cuando en 1914 Macke realizó en compañía de Klee y Moillet un viaje a Tunez , que adquiría carácterde legendario , estaba ya en posesión del sentido del  color que Klee buscaba en el norte de África.

Al estallar la Primera Guerra Mundial se enroló en el ejército y murió a las pocas semanas . En un conmovedor artículo necrológico, su amigo Mar escribió las siguientes lineas :" De todos vosotros fue el que dio al color los tonos más radiantes y puros, con la claridad y luminosidad de su manera de ser "

Mercedes Tamara 
13 mayo 2012


Bibliografia : Arte Abastracto , Edic Taschen













viernes, 11 de mayo de 2012

EL MOLINO ENCANTADO DE FRANZ MARC

EL MOLINO ENCANTADO 1913



El molino encantado
óleo sobre lienzo 130,2 x 90.8 cm
Chicago ( II ) The Art Institute of Chicago







A partir del verano de 1912 , Franz Marc tenía un nuevo objetivo artístico . No le bastaba ya con plasmar la esencia del  animal y la naturaleza , sino que ahoraquería llegar a través de las cosas , ver a través de las cosas y detrás de las cosas para comprender el contexto secreto y oculto del mundo. Fue una feliz coincidencia que precisamente en ese momento , en que se encontraba a la búsqueda de nuevos medios de expresión , visitara al pintor  francés Robert Delaunay , en octubre de1912 en París , donde vio sus cuadros-ventana.



La pintura de Marc cambió de modo evidente después de ese viaje a París bajo el influjo de los cuadros mencionados: con la técnica de la penetración de las formas y superposición de colores podía conseguir ahora facetas cristalinas y , al mismo tiempo, una transparencia  que daba una expresión específica a sus nuevos  cuadros. 

La transparencia y las formas mencionadas se convirtieron en sus nuevos y simbólicos medios de expresión para sus  ideas panteístas de la unidad de la naturaleza y la criatura con las fuerzas primigenias del cosmos, de la luz cósmica y es espíritu divino que penetra la cosas , y de " construcción  místico-interior " del mundo.

Una de las obras más bellas de este período tardío de Marc es El molino encantado que realizó poco después de un viaje de Franz  y María Marc por el Tirol en la primavera de 1913. El paisaje montañoso , silvestre y árido en Merán y sobre todo de Vinschgau , con sus declives escarpados , valles oscuros, castillos y torres impresionó fuertemente a Franz Marc.

Como puede apreciarse en sus bocetos , la vista de pájaros que revoloteaban sobre los pueblos le animó a incluir esas figuras de animales hacía 1913/14 en su cosmos simbólico de animales.

En el óleo del Molino encantado se ve a cinco  pájaros flotando como hechizados en el rayo de una cascada que cae desde lo alto , de un reguero fino que aparece en el extremo superior derecho del cuadro . A pesar de los  recuerdos claros del paisaje típico del Tirol como la rueda del molino , ante casa altas y medievales , toda la composición está marcada por una ensoñadora lejanía del natural . que procede de la graduación  cristalina y la refracción de los colores .El paisaje parece como si hubiera quedado rígido por ensalmo , cristalizado , lo que  en el plano metafórico significa el detenerse el tiempo.

Según el simbolismo místico romántico del cristal , que era familiar a Marc por la lectura de las obras de Novalis , esto se refiere tambiéna la transición hacía un grado del ser más puro y espiritual . De este modo, los pájaros que se bañan en las cascadas parecen haber alcanzado ya este grado , lo que se insinúa con su colorido translúcido , mientras que los animales que  aparecen al píe de la cascada , el jabalí y el  corzo, parecen no haber iniciado aún este  proceso de purificación , al aparecer con loscolores antagónicos azul y rojo  (espíritu- materia ).

En el ascenso del espectro cromático desde los colores oscuros en el extremo inferior del cuadro hasta los montes con pináculos que brillan en azul claro, en el extremo  superior , pasando por los tonos amarillentos  y rojizos en el plano medio , se ilustra de nuevo el simbolismo de colores de Marc y el mensaje espiritual que va unido a él.

A través de la apariencia la imagen natural , Marc desea mirar y hacer mirar hasta las estructuras verdaderas del ser. En su inviolabilidad y permanencia se aprecia un deseo de la época de Marc : el renacimiento de un nuevo imperio espiritual partiendo de las ruinas del caos superado . Por decirlo conlas palabras de Marc :" No se está apegado ya a la imagen natural , sino que se destruye esta para mostrar las poderosas leyes que tienen vigencia tras las bellas apariencias ".

Como ningún otro artista de la Modernidad Clásica , Marc es objeto de una veneración casi de culto . A ello puede haber contribuido también su temprana muerte en el campo de batalla; pero el tono de empatía y casi sacro que se aprecia en las necrológicas de tipo  expresionista , se debe aún más, y sobre todo a ese reino espiritual que él buscó y glorificó místícamente.

Mercedes Tamara
11 mayo 2012




Bibliografia : Expresionismo, Edic Taschen