viernes, 2 de mayo de 2014

DOS MUJERES EN LA CALLE ERNST LUDWIG KIIRCHNER

DOS MUJERES EN LA CALLE 1914
Dos mujeres en la calle
óleo sobre lienzo 120, 5 x 91 cm
Kuntsammlung Nordheim Westfalen, Dusseldorf, Alemania




Ernst Ludwig Kirchner ( 1888- 1938 ) se trasladó a Dresde para estudiar arquitectura. Allí conoció Bitz Bleyl, quien fundó Die Brücke en 1905 junto a Karl Schmidt Rottyuff y Erch Heckel . Die Brücke organizó su primera exposición en Dresde en 1906 , Kirchner pasó algunas temporadas en los lagos de Moritzburg y entre 1907 y 1910 para pintar desnudos en entornos naturales Estas obras se caracterizan por sus lineas violentas y sus colores discordantes. Kirchner se trasladó a Berlín , allí se forjó la producción más importante del expresionismo . Estas obras se dividen en dos categorías : las que representan las formas arquitectónicas de Berlín  y las que representan a sus habitantes. Kirchner se alistó en el ejército en 1915 y tuvo un accidente de coche en 1916. Nunca se recuperó totalmente de ningunas de las dos experiencias y su estilo se fue volviendo cada vez más abstracto . Superado por el dolor físico y mental se suicidó en 1938.

Ernest Ludwig Kirchner pintó una serie de escenas de las calles de Berlín que retratan la tensión de la vida en la gran ciudad. Kirchner se centra en dos mujeres que atavíadas con sus pieles y sus sombreros de plumas , exhiben un nuevo espirítu de independencia y un cierto aire de gélida sensualidad . La angulosidad del dibujo y el sombreado con rayas, aumenta la sensación de movimiento que transmite la imagen- Esta sensación aumenta todavía más gracias a la forma triangular y racionalizada de la cara de las mujeres. Los bordes irregulares y las caras tipo máscara ponen de manifiesto la admiración que sentía Kirchner por el primitivismo.Como es habitual en el artista , el sujeto recorre el lienzo de arriba a abajo , sin referencia alguna a un horizonte y con una perspectiva muy limitada . La mirada del observador no puede vagar por la pintura, sino que se ve obligada a centrarse en los collares en forma de uve de las dos mujeres y en sus cabezas totalmente embellecidas.

Kirchner se trasladó a Berlín desde Dresde en octubre de 1911, algo que tuvo un importante efecto sobre su pintura. Le gustaba la vida en el anonimato que le brindaba Berlín, una vida que además le permitía observar las actividades cotidianas de la gente que vivía en los barrios cercanos. Kirchner usaba colores llamativos y poco naturalistas y sus pinceladas breves y agresivas para representar a los acomodados hedonistas de la ciudad y a las parejas de clase media mientras paseaban a lo largo de la elegante Fiedrichtrasse . También retrató a varias prostitutas de la ciudad de clase media por su estilo o por su vestimenta se las identificaba por el hecho de estar rodeadas de hombres que las observaban.

Los ácidos colores claros usados por Kirchner se ven enfatizado por su estilo pictórico muy expresivos y por sus pinceladas perfectamente visibles . El uso de una paleta limitada a diversos tonos de verde, amarillo, rosa y negro es típico de este período y de la obra de los artistas expresionistas. El artista representaba a las mujeres con una cara angulosa y alargada con unos rasgos como cincelados. Kirchner explicó que este estilo reflejaba a la mujer de su vida, Erna Schilling. " Su cuerpo hermoso bien proporcionado y arquitetónicamente estructurado "El arco rosado es un elemento esencial de la composición de la pintura. Representa una de las facetas de los magníficos edificios de Berlín. Kirchner había estudiado arquitectura y en esta pintura traza los vestidos de las mujeres en un estilo escultórico y casi arquitectónico. Kirchner pone énfasis en los labios y las manos de las mujeres porque son característica de la intensa carga sexual de las calles durante la noche. También confiere rasgos faciales individuales a las dos mujeres , las cuales van mucho más allá de una piel cetrina y una morfología casi de máscara.




,Mercedes Tamara
2-05-2014

Bibliografia : Expresionismo, Edic Taschen

viernes, 21 de febrero de 2014

GIRASOLES EGON SCHIELE

GIRASOLES 1911
Girasoles
óleo sobre tela 90,4 x 80, 5 cm
Osterreichische Galerie Belvedere, Viena


Al igual que el cuerpo humano, las flores y los árboles eran para Schiele vehículo de expresión . Sus imágenes de la naturaleza siempre evocan una sensación, un estado de ánimo .

El motivo floral predilecto de Schiele fue el girasol , al que dedicó varias pinturas. Lo representó solo o en racimo , pero siempre marchito, en estado de descomposición, metáfora de lo efímero y `perecedero . Para el pintor, que sostenía que " todo está muerto en vida " el ciclo vital del girasol - especialmente su macilento aspecto- simbolizaba el debilitamiento , la extinción, la inminencia de la muerte.

Como en las anteriores versiones del tema , en esta obra la planta ocupa la totalidad del espacio pictórico . Hojas y flores forman un apretado conjunto, que se recorta por los márgenes superior e inferior , como si quedara aprisionado. Domina una paleta sombría de tonos marrón y pardo, sólo iluminada por el suave verde de las hojas en la zona superior y por el amarillo fuerte de los pétalos de los grandes jóvenes , en la inferior . Las hojas cuelgan marchitas , no pueden evitar su inexorable descomposición 





GIRASOLES 1911
Catorce girasoles con sus flores, 1889 ( Van Gigh )
óleo sobre tela 100,5 x 76,5 cm
Colección privada



El motivo del girasol trae a la memoria los famosos girasoles de Vicent van Gogh , artista al que Schiele admiraba y cuyas obras había podido apreciar personalmente en Viena en más de una ocasión.Los girasoles del maestro holandés posiblemente inspiraron al pintor vienés, pero presentan un tratamiento simbólico diferente. Para van Gogh los grandes simbolizaban la naturaleza y la luz. Estas telas , los representó en toda su fuerza luminosa , exultantes de color. En cambio, los girasoles de Schiele se muestran siempre mustios y debilitados, con una tristeza y deseperanza que en su producción lo domina todo .

Georg Tralk ( 1887-1914 ) un poeta austriaco contemporáneo de Schiele transmitió en sus poemas una misma manera de sentir la naturaleza . Su poema Los girasoles resulta la mejor descripción de la atmósfera que invade este lienzo del pintor

Mercedes Tamara
21-02-2014 

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa


sábado, 1 de febrero de 2014

LA MARROQUÍ JOHN CURRIN


LA MARROQUÍ 2001
La marroquí
óleo sobre lienzo 68 x 56 cm
Centre Georges Pompidou, París







Una mujer sonrie, vestida con la tradicional chilaba marroquí . Su nariz y su barbilla ,protuberantes hasta el punto de parecer caricaturescos ; su mirada, dirigida hacía el exterior del cuadro y la presencia- inexplicable y surrealista- de tres peces rutilantes colocados sobre su cabeza , aportan a este retrato una apariencia de locura y una sensación de grosería.





La mezcla de estilos y de géneros es característica de la obra de John Currin , que empleaba un lenguaje visual rico en referencias a la historia de la pintura. Aquí las referencias explícitas a las escenas interiores holandesas de los siglos XVI y XVII  se yuxtaponen a los dejos orientales del título. Pero el artista combina también los géneros clásicos del retrato y de la naturaleza muerta, en una amalgama misteriosa que parece entrañar un simbolismo oculto.




La primera impresión , provocada por lo absurdo de la postura , se desvanece rápidamente en beneficio de nociones más sombrías que apuntan a la muerte, a la sexualidad y a la locura . La exhibición de la carne de los peces esvicerados y la mirada provocadora del personaje junto con su aspecto andrógino , constituyen otros tantos recordatorios del envejecimiento de su cuerpo. Esta estética chirriante típica de la obra de Currin , ha hecho de él un personaje polémico en el ambiente neoyorquino de los pintores figurativos contemporáneos.




En un primer momento, sus lienzos fueron asociados al kitsch . Sin embargo, el dominio técnico de su trabajo y la complejidad de sus referencias a pintores como Lucas Cranach el Viejo ( 1472. 1553 ) Jean- Honoré Fragonard ( 1732.1806 ) o incluso Edouard Manet parecen oponerse a la vertiente grotesca de su pintura, a las poses y a los gestos amanerados o a las expresiones convencionales . La fuerza dela obra de Currin se sitúa en este frágil equilibrio entre pintura y pastiche


Mercedes Tamara



1-02-2014




Bibliografía : Obras Maestras del Centre Georges Pompidou

lunes, 27 de enero de 2014

LA TAÑEDORA DE LAUD AUGUST MACKE


LA TAÑEDORA DE LAUD 1910
La tañedora de laud
óleo sobre lienzo 91x 68,5 cm
Paris, Centre Georges Pompidou








Investigaciones recientes han demostrado que fue La tañedora del laud de la colección Kandinsky ,y no, como se suponía hasta entonces, la Mujer con guitarra ( Vriessen nª 28 ) el cuadro que August Macke envió a Vasili Kandinsky y junto con otros tres lienzos para la primera exposición de Der Blauer Reiter en la galeria Thannhauser de Múnich , durante el invierno de 1911 .




Por entonces Macke que conocía al artista ruso , a través de Franz Marc, de quien era muy amigo desde enero de 1910, admiraba su pintura y le consideraba muy  " vivas ".Probablemente le regalara La tañedora de laud , como acostumbraba a hacer con Marc, se la cambiara por otro lienzo . El tema , la simplificación de los rasgos y los colores planos vivos revelan una inspiración folklórica, concretamente de la pintura bávara sobre vidrio, coleccionada y practicada por todos los artistas de Der Blauer Reiter. Pero el primer plano también evoca las naturalezas muertas de  Henri Matisse, sobre todo la Naturaleza muerta con asfódelos de 1907 ( Essen, Museum Folkwang ) que indudablemnte Macke había visto en la colección de  Karl Ernst Osthaus en Hagen.


Matisse era el más simpático de toda la " partida " y como él, a principios de los años diez trabajaba en la disposición decorativa y ornamental de objetos cotidianos,como atestigua asimismo Tulipanes rojos en el florero blanco de 1912 ( Vriesen nº 346 ) una obra que por su primer plano , es muy cercana a La tañedora de laud . Pero la inspiración matissiana y la proximidad con los artistas de Der Blauer Reiter no durarán mucho.


A partir de 1912, Matisse se desmarca de ellos en sus cartas y se entusiasma por la pintura de Robert Delaunay, a quien visita en Paris , en otoño de ese mismo año , acompañado por Marc . Durante los dos años anteriores a su muerte prematura en las trincheras , Macke intenta aplicar a la representación figurativa las investigaciones del artista francés sobre la simultaneidad y la espacialidad cromática


Mercedes Tamara

27-01-2014


Bibliografia : Expresionismo, Edic Taschen


viernes, 27 de diciembre de 2013

PEQUEÑO ÁRBOL DE FINAL DE OTOÑO EGON SCHIELE


PEQUEÑO ÁRBOL DE FINAL DE OTOÑO 1911

Pequeño árbol de final de otoño
óleo sobre tabla 42x 33,5 cm
Leopold Museum, Viena



Para Schiele, todo tema pictórico servía para reflexionar sobre la condición humana. Cuando pintaba rostros humanos , ciudades o árboles, hablaba sobre el destino , el ocaso de la vida, la melancolía o la muerte. Encontraba humanidad en todo lo que veía, incluso en la naturaleza "Ahora observa sobre todo los movimientos corporales de las montañas , el agua, los árboles y las flores. Por todas partes le recuerdan a uno movimientos similares de alegrías y penas de las plantas "manifestó nuestro pintor en 1913.

Los mismos sentimientos de tristeza o desamparo que pueden sugerir las ciudades o los desnudos pintados por Schiele se suscitan en Árbol otoñal agitado por el viento. Este árbol otoñal se presenta análogo a muchos de los cuerpos desnudos que dibuja nuestro protagonista . El pintor imprimió a su motivo paisajístico la misma angustiante desolación , la misma extrema gesticulación y la misma enfermiza languidez que muestran sus dibujos de cuerpo humano.

Aquí,el motivo vegetal asume evidentes rasgos antropomórficos . Sobre la cima redondeada de una colina , este árbol se erige en la soledad de us paisaje inhóspito. Su lánguida silueta, plegándose y replegándose sobre sí mismo . El curvado tronco emula movimientos exagerados de piernas y torso; sus movimientos parecen los de una danza frenética . La parte blanquecina del tronco actúa como la pierna de apoyo. La rama grande que se tuerce hacía la derecha parece una pierna extendida en el aire . En la parte superior; la forma cerrada de las ramas del centro recuerdan una cabeza , mientras que las ramas más finas de los lados representan los brazos levantados , que se enroscan en una mímica febril.

Este esquelético tronco representa la fragilidad de la naturaleza , pero también es símbolo del destino humano merced a continuos y caprichosos vientos. En definitiva, este pequeño árbol es una alegoría de la desprotección de las personas ante las fuerzas hostiles.

Mercedes Tamara
27 -12-2013


Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

sábado, 21 de diciembre de 2013

GERTI SCHIELE EGON SCHIELE


GERTI SCHIELE 1909
Gerti Schiele
óleo y pintura metálica sobre tela 140,5x 140 cm
Museum of Modern Art , New York







Gertrude Schiele, también llamada Gerti, tenía cuatro años menos que Egon. Ambos hermanos se querían mucho y entre ellos existió siempre una gran complicidad. Gerti desempeñó un papel muy importante en la vida del artista , y entre 1909 y 1910-sus primeros años como pintor- ella se convirtió en su modelo favorita.




Cuando era aún una niña, Egon podía mostrarse dominante con ella lo que se desprende de este testimonio de la pequeña : " De entre todo el mundo , siempre me estaba mandando a mí. Tenía una manera pertinaz y despótica de exigir mis servicios (...) Sosteniendo el reloj se acercaba de madrugada a mi cama y me despertaba . Debía posar como modelo y, encima bajo sus órdenes "



En este retrato de Gerti , como en la mayoría de las pinturas que Schiele realizó en 1909, se manifiesta claramente la influencia de la obra de Gustav Klimt y el Sezesionismo vienés. Esto puede apreciarse en la depurada elegancia que impregna la obra, en la estilización decorativa que presenta la vestimenta del personaje y en la incorporación de la pintura o lámina metálica. Muy al gusto de la  época - y conforme también con la estética sezesionista-Schiele volvió a emplear un formato cuadrado.




Pero esta obra demuestra también cómo el joven pintor pretendía superar la huella de dicha influencia . Originalmente, este retrato presentaba un fondo decorativo similar al que muestran los retratos de Hans Hassmann y Antón Pescha, pero fue reformulado por el pintor poco después de completar el lienzo. Al eliminar el entorno ornamental - ese halo protector de las figuras pintadas por Klimt- , Schile hizo abstracción de la figura y la ubicó sobre un fondo vacío de un color gris. Esta composición anunciaba ya la que sería una de las características más distintivas de la pintura de Schieli: la presentación de la figura aislada, arrojada a un abismal vacío, sin ninguna connotación mitológica, alegórica u ornamental que la contuviera.




La ubicación central de la figura en la composición, la posición sentada y el fondo neutro iban a ser retomados por Schiele para un posterior retrato de Gerti ( Desnudo sentado con el brazo derecho extendido,1910 ) pero bajo una concepción radicalmente distinta . La ausencia de todo contenido psicológico - aquí Gerti aparece con los ojos cerrados y el rostro apartado hacía un lado- y el tratamiento decorativo de la vestimenta, separan este trabajo de los retratos evidentemente expresionistas que pintaría ya en 1910



Mercedes Tamara
21-12-2013

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa



jueves, 19 de diciembre de 2013

PAISAJE DE KRUMAU ( CIUDAD Y RÍO ) EGON SCHIELE


PAISAJE DE KRUMAU ( CIUDAD Y RÍO ) 1915-16
Paisaje de Krumau ( ciudad y río )
óleo sobre tela 105 x 141 cm
Wolfgang Gurlit Sammlung in der Neue Galerie der Stadt Linz, Linz







En este paisaje inspirado en Krumau , Schiele mantuvo la vista de pájaro . Esta visión desde arriba era captada por el pintor desde la altura de las colinas que rodean la ciudad. El monte de Schlossberg , al otro lado del Moldava , solía ser el lugar elegido para ello, aunque se cree que en este caso el pintor se situó en el monte de Kreuberg.





Esta obra presenta una vista en ascenso. Este efecto ascensional se logró por la disposición de la ciudad en diagonal- como si se adentrara pendiente arriba en el terreno- y por la alta linea del horizonte. Esta visión dinámica en ascenso de Krumau, se hizo recurrente en los paisajes urbanos que nuestro protagonista
pintó en sus últimos años, como puede apreciarse en Cabo de la ciudad II ,también en 1915 , o en el tardío Cabo de la ciudad ( Manzanas de casas en Krumau ) 1918.




A diferencia de otras vistas más parciales y arrimadas de Krumau, aquí se ofrece una panorámica amplia, que abarca el entorno paisajístico y permite ver el fondo,una franja de cielo. Esta perspectiva permite apreciar el canal sinuoso del río Moldava y la configuración compacta y abigarrada de la ciudad. Sin embargo, esta representación está lejos de ofrecer una imagen realista . La ciudad real estaba emplazada a ambos lados del río y acompañaba la curvatura de éste. Pero aquí se otorgó más protagonismo a la vegetación del entorno , se eliminaron los puentes del oscuro río y se obvió todo elemento urbano de la otra orilla.




Lo que se acaba de apuntar demuestra la libre relación que el pintor mantenía con la topografía del lugar y que su interés no era reproducir con fidelidad lo que veía. Realizaba sus composiciones partiendo de componentes sueltos y procedentes de la arquitectura y la topografía de Krumau y recreaba una ciudad fantástica imaginada. De hecho, Schiele rara vez pintaba del natural . In situ tomaba apuntes de sus impresiones en un cuaderno que siempre llevaba consigo en su taller de Viena, realizaba las obras definitivas al óleo , valiéndose tanto de su memoria como de su imaginación.




En la evolución de la pintura paisajística de Schiele dedicada al tema de la ciudad Paisaje de Krumau es un trabajo significativo dado que anuncia un mayor cromatismo y claridad. Esta ya no es una sombría y oscura panorámica de una ciudad antigua, como las anteriores versiones del tema. La vida parece haber retornado. La naturaleza ha recobrado sus propios colores y las anteriores casas descoloridas han recuperado un vivo colorido. El tono naranja encendido de algunos muros y el fuerte rojo de las chimeneas compiten con el intenso verdor de la vegetación circundante . Esta obra viene a ser un tapiz de colores vibrantes



Mercedes Tamara

19 -12-2013

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa