LEILA ( PASIÓN ) FRANK DIKSEE

LEILA ( PASIÓN ) 1892

Leila ( Pasión )
óleo sobre lienzo
Colección particular 

Frank B Diksee ( 1853-1928 ) Desde muy joven el artista inglés empezó a exponer en la Royal Academy de Londres, institución con la que mantendría una estrecha relación y de la cual llegó a ser director . Su pintura , de ascendencia prerrafaelista, se hizo muy conocida en las escuelas americanas , gracias a las fluidas conexiones entre las academias de uno y del otro lado del océano. 

En el año 1892 pintó una deslumbrante pintura Leila ( Pasión ) donde una mujer dotada de una gran belleza y sensualidad  se reclina en los lujosos atavíos de un harén elegantemente decorado , el símbolo que define eróticamente al exótico Oriente . Adornada con joyas en el cuello y en la cabeza y vestida con telas de ricas texturas ,medievales y orientales. Diksee utiliza una gama de colores con atrevidos contrastes cromáticos , brillantes ,colores de un rojo intenso con elegantes matices que salpican la lujosa vestimenta 

Suavemente la luz solar filtrada besa la piel perfecta de la mejilla de Leila mientras que las pieles de leopardo adornan cojines haciendo señas con las delicias incalculables que promete la belleza extraordinaria de la joven . Se trata de figuras femeninas vistas por el artista como objetos artísticos de un alto valor decorativo 

Leila representa el prototipo de mujer convencida de su poder seductor y de que no duda de que este poder logrará su triunfo sobre el hombre. Son mujeres bellas y sensuales , seguras de que su fuerza de seducción es letal e implacable.

Mercedes Tamara ( autora )

11.04-2015

Bibliografia : Wikipedia

CRUCIFIXIÓN BLANCA MARC CHAGALL

CRUCIFIXIÓN BLANCA 1938

Crucifixión blanca
óleo sobre lienzo 155 x 140 cm
Chicago, Art Institute of Chicago

Marc Chagall es uno de los artistas más inclasificables del panorama de las vanguardias de principios del siglo XX, porque en su trayectoria son tan importantes las influencias recibidas como las experiencias vitales. Nacido en Vitebsk (Bielorrusia) en 1887, su ambiente rural, sus costumbres tradicionales y la felicidad del núcleo familiar le marcaron profundamente, así como su matrimonio con la encantadora Bella.

Chagall que poseía una gran sensibilidad , intuía los horrores del porvenir ya antes de la guerra , se potenció hasta alcanzar momentos de pánico después del inicio de la contienda . La emigración interior, el refugio en la estrechez personal del arte apolítico El Crucifijo blanco alude al sufrimiento del pueblo judío , como consecuencia de los progroms que sufrió este pueblo por parte  las Juventudes Hitlerianas del partido nacionalsocialista a consecuencia de la  Kristallnacht (Noche de los Cristales Rotos) y las hordas revolucionarias bolcheviques

Ese Dios crucificado con los instrumentos de tormentos tradicionales en las representaciones tradicionales de la crucifixión pero Chagall añade nuevos elementos muy distintos que los que habían reflejado anteriormente pintores de tendencia cristiana. Hordas revolucionarias con banderas rojas asaltan e incendian una aldea . Unos fugitivos gesticulan desesperados y gritan pidiendo ayuda desde un bote . Un hombre con uniforme nacionalsocialista profana una sinagoga . Figuras desoladas intentan en primer plano salvarse de la escena. Ahasvero, el judío errante , sigue su camino, pasando junto a una Tora ardiente. Los testigos del Antiguo Testamento se mecen, lamentándose , delante de una oscuridad que los rechaza. Pero un claro rayo de luz penetra desde arriba e ilumina la salvífica figura del crucificado . 

En este cuadro desapareció toda ironía ; el miedo existencial formuló una patética invocación a la fuerza de la religión, única en la obra chagalliana . Aquí , y quizá solo aquí, el recurso de los trucos de Chagall ya no huele a genialidad impuesta . Y justamente con la integración de escenarios contemporáneos el cuadro gana la atemporal profundidad de los iconos Así pues, el protagonista de este estremecedor cuadro no es el Salvador de los cristianos iluminado por un halo de luz blanca ,sino del hombre hebreo martirizado, pues Cristo mismo también era judío.

Mercedes Tamara

4-04-2015

Bibliografia : Chagall. Edic Taschen 

ENTRE PERRO Y LOBO MARC CHAGALL

ENTRE PERRO Y LOBO 1938-1943

Entre perro y lobo
óleo sobre papel adherido a un lienzo 100 x 73 cm
Colección  privada

Marc Chagall Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.

Entre Perro y lobo Chagall nos habla desde un mundo irreal e irracional pero lleno de poesía que destilan sus colores intensos debido a la influencia que tuvo el arte fauvista entre otros , de la guerra y de la noche . Por extraña que sea , sin embargo, esta noche no se refiere al extranjero , sino de unos poderes anónimos y desconocidos por los hombres , que determinan su vida . 

El mundo pictórico de Chagall está pleno de motivos simbólicos : así, por ejemplo, el animal , el astro, el niño , el libro , las farolas y las casas se manifiestan de un modo muy profundo , todos ellos ocupan lugares distintos dentro del mismo lienzo .

La sustancia que los colores aplicados de una manera entre expresionista y abstracta evocan mágicamente un universo muy especial . Puede ser el mar, con sus oleajes y corrientes imprevisibles , sus espumas , o también puede aludir al reino de la tierra que está gobernado por fuerzas mentales ocultas , fuentes de la vida vegetal, o puede ser también el aire o la atmósfera con su infinita profundidad donde el artista ha querido mostrar el vínculo que existe entre los seres vivos y las cosas que nos rodean 

Mercedes Tamara ( autora )

6-03-2015

Bibliografia : Chagall, Edic Taschen 

BARTOLOMEO VANZETTI Y NICOLA SACCO BEN SHAHN

BARTOLOMEO VANZETTI Y NICOLA SACCO 1931-1932

Bartolomeo Vanzetti y Nicola Sacco
témpera sobre lienzo 214,6 x 121,9 cm
Museum of Modern Art, Nueva York

Es uno de los grandes realistas críticos de la pintura norteamericana de la década de 1930 . Benjamín Shahn emigró en 1906 con su familia a Nueva York . Tras estudiar litografía, realizar estudios de pintura y diplomarse en la Natural Academy of Design , en 1929-1930 compartió un taller con su amigo Walker Evans , que le alentó a la práctica de la fotografía . Muchas de sus fotografías le sirvieron como material para sus cuadros pintados sobre madera y socialmente comprometidos. 

No obstante, en su ciclo de 25 partes La pasión de Sacco y Vanzetti ( The Passion of Sacco and Vanzetti ) de 1931-1932, utilizó material periodístico para llamar la atención sobre un viejo escándalo judicial . Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti eran dos obreros americanos de origen italiano y activos militantes del sindicalismo de izquierdas y habían organizado huelgas y manifestaciones . Procesados en 1920 por un asesinato en el que probablemente no estaban implicados , fueron condenados a muerte tras un juicio extremadamente discutible . Las campañas de protesta y de solidaridad tanto nacionales como internacionales no tuvieron ningún éxito , aunque ciento de miles de personas se manifestaron en contra de la injusta sentencia y exigieron su liberación . Sacco y Vanzetti fueron ejecutados el 22 de agosto de 1927 .

La sentencia y ejecución fueron considerados una acción de Estado que pretendía la eliminación de los extremistas y la intimidación del movimiento sindical. En Bartolomeo Venzetti y Nicola  Sacco los dos acusados aparecen esposados entre sí y con las cabezas en idéntico ángulo de inclinación , aunque Sacco parece mirar directamente al espectador. Vestidos rigurosamente para el proceso con trajes formales, lazos y corbata, Sacco y Vanzetti se sientan en una silla acolchada roja frente a la pared artesonada de la sala . La semejanza con las fisonomías reconocible de la fotografía es evidente, pero la transformación es casi caricaturesca y predominan los elementos gráficos . La inmediatez simplificadora pretenden interesar directamente al espectador , en cierto sentido al modo de un cartel , a lo que contribuyen la intensidad de los colores y la nitidez de los perfiles .Cierta crítica los tachó de " populares como una postal con una caracterización de los personajes más suave que un insulto y unos colores tan frescos como una pieza familiar de arte folk , una guarnición pìntada o un rótulo de taberna ". Los cuadros en cuestión consagraron a Shahn , como pintor; en 1932 el Whitney Museum of American Art eligió uno de ellos para su primera bienal y el mismo año fue invitado a participar en una exposición de pintura mural en el Museum of Modern Art . Colaboró con Diego Rivera en un fresco del Rockefeller Center, destruído en 1933 antes de su conclusión , a causa del retrato de Lenín en él incluído.

El título del ciclo , La pasión de Sacco y Vanzetti, pretendía asociar la persecución y muerte de los dos obreros con el martirio y la pasión de Jesucristo . La representación de Stalin , confirmada por el material fotográfico , adquiere un carácter abierto en virtud de la estructura simplificadora y gracias a la elección del tema que perpetúa el recuerdo de algo que, de no ser así , hubiera caído en el olvido hace mucho tiempo.

Mercedes Tamara

4-03-2015

Bibliografía : Realismo, Edic Taschen

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE DE MÉXICO DIEGO RIVERA

LA CONQUISTA ESPAÑOLA DE  DE MÉXICO 1929-1935

La conquista española de Mèxico
mural ( detalle )
Palacio Nacional, Ciudad de México

Diego de Rivera ( 1886-1957 ) es quizá tan famoso por su matrimonio con la artista mexicana Frida Khalo ( 1907- 1954 ) como por su obra. Nacido en México , Rivera estudió y viajó por España, Francia, Italia y Rusia. Su estilo estaba influenciado por el cubismo , pero su ardiente comunismo influía en el contenido de sus obras.

Creía que el arte debía tener una función social , lo cual le llevó a implicarse en el movimiento muralista mexicano, que realizó obras narrativas a gran escala para espacios públicos , en la misma linea que los creadores del fresco durante el Renacimiento italiano. Su esperanza residía en que posibiltaría a su pueblo forjarse una identidad cultural y nacional , además de transmitir una ideología política, como hacían los realistas sociales-soviéticos . 

La conquista española de México se extiende alrededor del patio del palacio Nacional de Ciudad de México y es típico de sus coloridos tableaux de acontecimientos históricos . Plasma la visión de Rivera desde la llegada de Quetzalcóatl ( la mítica deidad con forma de serpiente emplumada cuyo regreso creyeron ver los indígenas en la figura del conquistador español Hernán Cortés en 1519 ) hasta la revolución de 1910. 

El detalle aquí mostrado plasma a los españoles masacrando a los indígenas, explotándolos como esclavos , saqueando su oro y abriendo el camino a los misioneros católicos . Teniendo en cuenta su ateísmo , es interesante observar como Rivera plasma a la iglesia en una forma positiva , como protectora de los oprimidos , en la forma de un sacerdote que abraza a niños indígenas agotados y blande un crucifijo ante los codiciosos conquistadores

Mercedes Tamara

3-02-2015

Bibliografia : 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA WASSILY KANDINSKY

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA 1910- 1013

Primera acuarela abstracta
acuarela 50 x 65 cm
propiedad privada

Wassily Kandinsky ideó con posterioridad el título para su obra Primera acuarela abstracta ( Eistes abstraktes Aquarell ). El artista afirmó , también algún tiempo después, que había elaborado la composición en el año 1910 . Entonces Kandinsky tenía ya 43 años pero se encontraba en los albores de su desarrollo artístico , pues a pesar de haber realizado estudios de derecho , había decidido desplazarse a Múnich para estudiar arte a la edad de treinta años. Sus primeras obras están influenciadas por los impresionistas franceses y el arte popular de su país natal , Rusia. En 1910 antes de la primera exposición del colectivo de artistas Der Blauer Reiter ( El jinete 

azul ) , surge el manuscrito del ensayo de Kandinsky De los espiritual en el el arte 

que el artista publicaría dos años más tarde. En este escrito teórico , Kandinsky formuló su idea de la pintura autónoma liberada del objeto que se describe. El arduo camino del artista hacía la abstracción puede seguirse de manera ejemplar si se examinan los lienzos elaborados en los años siguientes : en el proceso de abstracción progresivo, sus llamadas impresiones dieron paso a las improvisaciones , que desembocaron finalmente en las composiciones libres.

Primera acuarela abstracta se revela como un atrevido adelanto de estas composiciones de formas y colores que el artista elaboraría más tarde. Kandinsky manifestó que había pintado la acuarela en el período de la aparición de su escrito : 

" De lo espiritual en el arte ". Sin embargo, tal y como ha podido comprobarse hace algunos años, el artista no realizó la obra en 1910 , sino tres años después. Este tipo de manipulaciones no son raras en el mundo del arte y, por lo general, tienen como objetivo la defensa de las reivindicaciones de la aprioridad de un hecho artístico .

Así, lo que Kandinsky pretendía era justificar las ideas formuladas en su escrito teórico con un estilo artístico surgido supuestamente en la misma época . A su vez, la acuarela le servía como prueba de su afirmación de que él era el inventor de la obra artística abstracta.

Dejando de lado las discusiones relativas al año de elaboración de la acuarela , se trata de una obra singular que transmite un dramatismo fuera de lo común , incluso para un trabajo realizado en 1915. Mientras que los cuadros de gran formato del mismo año todavía presentaban signos alusivos a sus motivos preferidos como caballos y jinetes, cumbres montañosas y campanarios , la acuarela está libre de cualquier asociación figurativa . Tan solo en la parte inferior podría advertirse la presencia de una espalda desnuda de mujer . Sea como sea, los colores se desplazan de forma totalmente autónoma sobre la superficie de la composición. Se expanden a través de todo el espacio sin formar estructuras compactas . La transparencia del color de la acuarela se ajusta perfectamente a la naturaleza de unas formas que se sitúan libremente en la superficie blanca. El dibujo a plumilla negra y los colores de la pintura a la acuarela se mueven de un modo independiente en la superficie de la hoja. El color no llega a formar ningún contorno , En algunos puntos los colores y los trazos originan conglomerados abstractos pero no surge ninguna composición. La distribución de los elementos visuales no obedece a ningún sentido espacial jerárquica . La acuarela se caracteriza más bien por su carácter improvisado , espontáneo. El dinamismo con el que Kandinsky ha aplicado el color puede percibirse en el resultado obtenido . La hoja aparece así transformada en un verdadero torbellino de colores y líneas . Este momento de inestabilidad y agitación dota a la hoja de un carácter propio, también si se la compara con otras acuarelas creadas en el mismo período

Mercedes Tamara

28-02-2015

Bibliografia : Kandinsky, Edic Taschen

MARIA DOLORS JOAQUIN SUNYER

MARIA DOLORS 1916

Maria Dolors
óleo sobre lienzo 85 x 70 cm
Museo de Arte Moderno MNAC , Barcelona

Joaquím Sunyer (Sitges, Barcelona, Cataluña, 22 de diciembre de 1874 - 1 de noviembre de 1956) fue un pintor catalán, considerado uno de los máximos representantes del estilo novecentista. Fue sobrino del también pintor Joaquim de Miró i Argenter.

En su juventud se trasladó a París, donde conoció el neoimpresionismo, y entró en contacto con Pablo Picasso, Manolo Hugué y el fotógrafo Nadar. Volvió a Cataluña, después realizó un viaje a Italia, y por último, se estableció en Sitges, su pueblo natal. Pintó numerosos paisajes, en los cuales se advierte la preocupación por captar la luz mediterránea por medio del empleo de colores muy claros. Sus composiciones son un ejemplo de equilibrio, si bien sacrifica la perfección técnica en beneficio de un poder de evocación más intenso.

Este es el primer retrato que Sunyer hizo de su sobrina Maria Dolores Bertran Carbonell , que posaría en otras ocasiones para el pintor. Esta obra, conocida también con el título de La niña de la cotorra , define muy bien uno de los lenguajes utilizado por el artista en algunos de sus retratos . Las hermanas Ribas es quizás uno de los primeros ejemplos , la que nos ocupa es uno de los más significativos y además supone la continuidad de ese lenguaje que derivará , ya en los años treinta, en una personal interpretación del retrato y de la figura.

En esta obra Sunyer, en lugar de seguir la linea de Cézanne , que en aquel período se ponía de manifiesto en la mayor parte de sus retratos , se aleja premeditadamente del artista francés para adoptar ese otro camino , aparentemente más sobrio , que le permite conseguir cierta ingenuidad , cercana a la de los primitivos italianos . Para obtenerlo construye superficies sólidas y bien estructuradas , aplica la linea de los contornos con gran nitidez , utiliza la pincelada sin vibraciones y las gamas de tonalidades cálidas y sin estridencias . Asimismo combina armónicamente el color rosado del vestido de la niña con los tonos marrones y verdes del segundo plano de la tela. Cabe destacar también que el artista introduce en Maria Dolors la presencia de un animal-en este caso, una cotorra-como elemento secundario de la composición, tal como había hecho en 1910-1911 en 

La oropéndala . A partir de ese momento Sunyer representará a menudo jóvenes acompañadas de animales .

Mercedes Tamara

6-02-2015

Biografia : Joaquin Sunyer, MNAC , Barcelona