RETRATO DE HENRYKA COHN RICHARD GERSTL

RETRATO DE HENRYKA COHN 1908

Retrato de Henryka Cohn
óleo sobre lienzo 147,8 x 111,5 cm
Leopold Museum , Viena

Henryka Cohn era la hija del empresario vienés Hugo Cohn, propietario de un comercio al por mayor de huevos y accionista de la Bolsa de Viena. Al parecer, Richard Gerstl conoció a  Henryka Cohn en el círculo de amigos del compositor Arnold Schönberg, frecuentado tanto por Gerstl como por  Henryka Cohn , que era pianista. El circulo de  Schönberg no solo estaba formado por músicos,  como los famosos compositores Alan Berg , Anton von Weben, sino también  por literatos como Adolf Loos y Karl Kraus y por numerosos artistas e intelectuales de otros ámbitos. Richard Gerstl, que también cursaba estudios de filosofía y ciencias musicales, se sentía en este círculo mucho mejor que entre sus colegasp intores. No es de extrañar así, que el estilo poco ortodoxo que Gerst exhibía en sus pinturas se correspondiera con la radicalidad musical de Schönberg. El joven pintor se encontraba al comienzo de una carrera muy prometedora . De hecho, su predisposición para realizar experimentos con las formas , que llegaban incluso a una descomposición abstractas de las mismas , lo convirtió en uno de los pioneros del arte del siglo XX.

El Retrato de Henryka Cohn ejemplifica este estilo expresionista y vanguardista de Gerstl . Se supone que el cuadro data de 1908, es decir, tan solo unas semanas antes de la muerte del artista . El pintor utiliza pinceladas dinámicas y cargadas de expresividad para definir los rasgos de  Henryka Cohn , que entonces tenía treinta  y un años , sentada en un sillón. La figura, el mobiliario y el vestido aparecen como una trama de manchas y trazos pintados con nerviosismo,mientras que el fondo  se disuelve en modulaciones difusas de color que no se distinguen con claridad. Una ancha linea de contorno en azul ultramarino hace resaltar a la retratada respecto del fondo. El pintor solo se embarca en una representación realista de los detalles al plasmar los rasgos faciales de la mujer , que mira al observador fijamente y con gesto tranquilo desde un lado. Además, también describe con tremenda sensibilidad los rasgos de la joven. Desde un punto de vista de la composición, el retrato representa una paráfrasis evidente del Retrato de Fritza Riedler de Gustav Klimt .

La estrecha relación de  Gerstl con el círculo de  Schönberg tuvo un final amargo. El secreto romance que matenía desde hace años con Matilde  Schönberg ,esposa del compositor, salió a la luz en verano de 1908 , lo que desencadenó un escándalo  y no solo supuso la ruptura del artista con Mathilde, sino con todo el círculo de Schönberg. Aparentemente, este aislamiento sumió al artista en una profunda depresión que le llevó a quitarse la vida en noviembre de aquel mismo año. La obra artística de  Gerstl incluido el Retrato de  Henryka Cohn ,se embaló en cajas  y permaneció olvidado en un almacén durante veinte años , hasta que en 1930 los cuadros fueron descubiertos y expuestos a la opinión pública por el mnarchante de objetos de arte Otto Kallir-Nirenstein.

Mercedes Tamara 

22-abril-2013

Bibliografia ; Arte Moderno , Todo Arte Edmat Libros 

EL POETA EGON SCHIELE

EL POETA 1911

El poeta 

óleo sobre lienzo 80,5 x 80

Viena, Leopold Museum

El retrato El poeta pertenece a una serie de autorretratos de Schiele caracterizados por un tono místico, casi sacro, que se pintaron en intervalos muy cercanos en el  tiempo entre 1910 y 1911. El artista, que por aquel entonces tenía veinte años, transmite una profunda melancolía en estos insólitos cuadros entre los que cabe citar el cuadro repintado por el propio pintor Melancolia universal ( autorretrato ) de 1910 y Autocrítica II (La muerte y el hombre ) de 1911. Además también muestra su sufrimiento y su dificultad para entender el mundo , un mundo que no hace más que ensombrecerse por la presencia de la muerte. Al contrario de la forma de actuar de, por ejemplo, Gustav Klimt ( 1862-1918 ), Schiele se utilizó a si mismo con frecuencia como modelo y, además, también se representó desnudo en no pocas  ocasiones. De hecho, es precisamente en sus autorretratos donde Schiele plasma, su disposición anímica , así como sus frecuentes cambios de humor . Y, para realzar  la expresividad , no solo se vale de gestos y rasgos del rostro, sino también de las  manos y el rostro en su totalidad.

En el cuadro El poeta contemplamos al artista semidesnudo y con una postura singular. La cabeza parece hundida de forma artificial entre los hombros y, junto con el cuello , forma una diagonal que también se repite en la postura de las manos. Esta posición crea una figura geométrica que se realza aún más con los miembros del cuerpo, que se representan de manera fragmentaria y mediante formas angulares. Por otra parte, la camisa negra forma en algunos puntos contornos  afilados que resaltan de forma manifiesta frente a la piel blanca del cuerpo desnudo. En esta actitud corporal, que parece más bien una introspección , así como en la figura frágil y enjuta que contemplamos. El poeta de Schiele se asemeja al famoso  muchacho arrodillado que el escultor belga George Minne creó en 1900 en diversas variaciones para una fuente. No obstante, en el caso de Schiele , la introspección contemplativa de las artes plásticas modernistas se convierten en un gesto de sufrimiento. La forma en la que el artista distorsiona su rostro hasta el punto de convertirlo en una máscara, así como el modo en el que revela su propio sexo como una herida abierta de color rojo, nos permite intuir los conflictos mentales que debió de padecer en su interior este " personaje en éxtasis nostálgico y resignado en su melancolia.

El propio título del cuadro . elegido por Schiele, hace alusión a reflexiones intensas que no sólo se reflejaron en la obra pictórica, de este artista, sino también en muchas de sus poesías y cartas cargadas de notas literarias. Fue sobre todo en su etapa temprana de eclosión artística, en torno a 1910, donde Schiele dejó impresionantes testimonios de poesías simbólico-expresionistas, en las que trató  temas similares a los de sus cuadros. Se trata de visiones personales de enorme expresividad , llenas de colorido e inmediatez, insólitas composiciones y combinaciones de palabras. así como frases con una sintaxis incompleta, que  crean una disposición de ánimo inmediata y condicionada por el entorno. Por ejemplo, en sus textos Schiele intenta " degustar aguas oscuras " "ver aires salvajes " o " construir nubes blancas " o, bien crea una " espuma de los colores  del arco iris " . " avenidas de carreras " o " tierras de invierno de viento " . La escala de estos sentimientos contradictorios alcanza su climax cuando se llega a la siguiente constatación paradójica; " Todo está muerto en vida " Para Schiele el retrato El poeta tuvo un significado programático, pues ya no se volvió a separar de esta obra el resto de su vida.

Mercedes Tamara 

19-abril-2013

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

BEBÉ GIGANTE LEONORA CARRINGTON

BEBÉ GIGANTE 1947

Bebé gigante
óleo  sobre lienzo
Edward James Foundation ( Sussex ) Reino Unido

Leonora Carrington nació en Inglaterra en 1917, pero se la suele relacionar con su  hogar adoptivo de México. Estudió en Chelsea School of Arts en 1936 antes de asistir  al estudio de Amédée Ozefant. En 1937 conoció al surrealista Max Ernst, cuya obra le fascinó. Se fueron a París juntos como amantes, pero al estallar la Segunda Guerra  Mundial fue encarcelado y ella se vio obligada a huir a España donde padeció una crisis nerviosa. 

En 1941 se casó con un poeta mexicano Renato Leduc. Fue un matrimonio de conveniencia y se divorciaron después de que ella se trasladará a México en 1942. Carrington se convirtió en figura fundamental del movimiento surrealista y fue famosa por sus escritos tanto como por sus pinturas. Su obra escrita incluye dos piezas  teatrales Penélope y The Flannerg Night Shirt y su libro Memorias de abajo ,que gira en torno a su vida sentimental y su crisis nerviosa.

En Bebé gigante , este sostiene un huevo en una mano, lo cual indica renacimiento, despertar espiritual y poderes místicos. Su diminuta cabeza sobre el gigántesco cuerpo y la masa remolineante de pelo rojizo dorado, casi solar, son de bebé y otorgan a la figura una sensación de estar perdida en mitad de un mundo hostil. Los enormes pájaros que vuelan en círculos alrededor de la figura y salen de debajo de su capa no parecen amenazadores, sino que dan la impresión de protegerla, como si fueran sus bebés. Pese a la insinuación de inseguridad, el bebé gigante domina el paisaje, oculta en parte hasta el poderoso sol y se cierne sobre la naturaleza en forma de diminutos árboles a sus pies.

Mercedes Tamara 

30 -marzo-2013

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

LA GUERRA MARC CHAGALL

LA GUERRA 1964

La guerra
óleo sobre lienzo 163x 231 cm
Kuunsthaus, Zürich

Marc Chagall ( 1887-1985 ) nació en Bielorrusia y fue el mayor de nueve hermanos de  una familia judía muy unida. Aquella fue una época feliz de su vida, aunque sumida en la pobreza . A los veintitrés años se trasladó a París , donde mostró entusiasmo por lo que vio en el Louvre. Mezclando aquellas ideas con la inspiración en su vida anterior, empezó a pintar temas biblícos utilizando pintura espesa y colorida.

Participó en la corrientes vanguardistas de París, incluyendo el fauvismo y el cubismo, si bien nunca renunció por entero a su estilo. Durante la Primera Guerra  Mundial fue llamado a filas, pero para evitar servir en el frente trabajó en una oficina de San Pestesburgo. En 1922 regresó a París y antes de la Segunda Guerra Mundial ya era ciudadano francés, aunque pasó la mayor parte del conflicto en Estados Unidos.

Los temas de la huída y el exilio aparecen en este cuadro . Un carro destartalado y sobrecargado abandona lentamente la ciudad en llamas. Un hombre avanza tras  él con lentitud portando un saco al hombro para salvar sus posesiones terrenales de las llamas . La mayoría de las personas se aferran unas a otras desesperadas, mientras que la gente y los animales que han quedado en la ciudad están indefensos y a merced del fuego intenso. A la derecha del cuadro, Jesús en la cruz y un enorme cordero blanco surgen del suelo y representan el sacrificio tanto del Mesías como de los inocentes. Chagall que solía utilizar en su obra animales , como símbolos,  retrata la atroz situación que sufrió la gente inocente durante la guerra y le adjudicó la condición de mártires.

Mercedes Tamara 

17 -marzo-2013

Bibliografia : Chagall, Edic Taschen

RESTAURANTE EN EL PARQUE AUGUST MACKE

                                              RESTAURANTE EN EL PARQUE 1912

Restaurante en el parqueóleo sobre lienzo 81x105 cm
Kunstmuseum, Basilea

Pese a contribuir al almanaque de Der Blaue Reiter ( El jinete azul ) con un ensayo titulado  " Máscaras " , August Macke ( 1887-1914) no tenía nada de teórico, a diferencia de Vassily Kandinsky y Franz Marc, los fundadores del grupo.

Macke expuso con  Der Blaue Reiter , y compartía muchas de sus inquietudes ( sobre todo la importancia de lo"primitivo " en la pintura. Gran parte de sus cuadros son escenas de gente comprando, sentada en un café o paseando por el parque. Aunque sea un expresionista , su vocabulario visual fue ajeno a la angustia del grupo berlinés Die Brücke ( el puente ) como  a los anhelos espirituales de Der Blaue Reiter .

Era ante todo un colorista . En esta imagen , que irradia calor , la clientela del restaurante del parque descansa tomando el té y leyendo el periódico a la sombra de los árboles que  ocupan la parte superior, pero son simples formas más que seres vivos. La distribución de  los blancos, la aglomeración de rojos y naranjas en el fondo y el ritmo de los sombreros demuestra la proximidad de Macke a la abstracción pura, a la que, sin embargo, nunca se entregó, ya que prefería el orfismo de Robert Delaunay cuyas ideas sobre las relaciones  entre colores y la disgregación e interpretación de las formas es evidente que asimiló.

En abril de 1914 viajó con Paul Klee a Túnez, país cuyo color y luz revolucionaron la obra de este último tanto como confirmaron la de Macke . A su regreso fue llamado a filas y  murió en el frente en septiembre de 1914, a los veintisiete años. Durante su corta vida,çMacke absorbió muchas influencias y demostró un excepcional dominio del color.

Mercedes Tamara

11-marzo-2013

Bibliografia ; Arte Moderno , Todo Arte Edmat Libros 

MUJER DESVISTIÉNDOSE EGON SCHIELLE

MUJER DESVISTIÉNDOSE 1917

Mujer desvistiéndose
óleo sobre papel 46 x 29,5 cm
Colección particular

Egon Schiele ( 1890-1918 ) atrajo las críticas por sus pinturas descaradamente eróticas  de mujeres y de niñas y sus explícitos autorretratos . Aunque se sentía impelido a explorar la vida, la muerte y la sexualidad también se dedicó a pintar paisajes y retratos .Tras ganarse el apelativo de artista prodigioso , Schiele terminó bajo la protección de Gustav Klimt , cuya influencia es evidente en su obra, aunque Schiele más dibujante, dio a la elegante y sensual linea de Jungendstill una fuerza direccional.

En su mano, , esa linea deviene angular y expresa la angustía, características que le asocian  al expresionismo alemán, aunque él no formase parte de ningún grupo . La mujer de la ilustración adopta una posición forzada y la escena que podría recordarnos a Edgar Degas,  es comparable a las pinturas de Klimt. La linea es tensa y abrupta . El color parece casi accidental , aunque tiene un propósito . El negro de las medias y el malva del vestido  enmarcan y erotizan la zona a destacar.

En 1912 cuando vivía en Checoslovaquía, Shiele fue condenado a veinticuatro días de cárcel  por inmoralidad. Lejos de la sostificación de su Viena natal, consideraron que los dibujos eran pornográficos . Aunque al principio la figura de Schiele quedo empequeñecida por la de Klimt y Oscar Kokoschta, entre 1911 y 1914 el artista ya exponía en toda Europa. En marzo de 1918, el pintor presentó una exposición en la Secesión vienesa y tuvo tanto éxito que a partir de entonces fue considerado el sucesor de Klimt. Murió en octubre de ese mismo año , víctima junto a su esposa, que estaba embarazada, en una epidemia de gripe

Mercedes Tamara 

1 -febrero-2013

Bibliografía : Egon Schiele Galeria de Pintores, Edic Monsa

PRISMAS ELÉCTRICO SONIA DELAUNAY

PRISMAS ELÉCTRICOS 1914

Primas eléctricos
óleo sobre lienzo 250 x 250 cm
Musée National d ´Art Moderne , Paris

Sonia Delaunay -Terk ( de soltera Sonia Sarah Stern Terk ( 1885-1979 ) pasó su infancia en un pueblo de Ucrania . Instalada en París desde 1905 conoció a Robert Delaunay y se casó  con él. En 1912 los dos crearon el orfismo, un estilo pictórico emparentado con el futurismo y el cubismo que, apareció en la misma época , aunque era más abstracto y con más colorido.

El orfismo fue bautizado así en referencia a Orfeo, el poeta y músico de la mitología griega, por el poeta Guillaume Apollinaire , que vio semejanzas entre los planos solapados y armónicos de colores vivos y contrastados y las armonías de la música . También fue llamado simultaneismo porque combinaba a la vez figuras geométricas , dibujos claros y colores intensos.

En 1914 las farolas de gas de París estaban siendo sustituidas por las farolas eléctricas de  luz mucho más clara . Obsesionada por la naturaleza de la luz , sobre todo por la distorsión que experimentaba la de las nuevas farolas al proyectarse en prismas y halos de la calle.Delanuay Terk pintó Prismas eléctricos , obra cuya luminosidad y colores vibrantes están subrayados mediante círculos rítmicos de luz que evocan movimiento y profundidad.

Con sus capas de colores y formas, esta pintora sugiere acción,en contraste con las composiciones estáticas y los colores apagados del cubismo. Gelaunay-Terk hizo muchosestudios para el cuadro , que fueron expuestos por primera vez en el Salón de los Independientes . También diseñó ropa, muebles , decorados teatrales y trajes de ballet . Tanto en sus creaciones textiles como en las pictóricas, la artista fue una gran innovadora.

                                                            Mercedes Tamara

31-01-2013

Bibliografia ; Arte Moderno , Todo Arte Edmat Libros